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张赤 著

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• 绘画技法
• 美术教学
• 中国美术学院
• 绘画入门
• 艺术学习
• 绘画教程
• 传统绘画
• 写意花鸟

店铺： 华文京典专营店

出版社： 上海人民美术出版社

ISBN：9787532298839

商品编码：29907814590

包装：平装

出版时间：2016-06-01

基本信息

书名：中国美院花鸟画法教程

定价：49.00元

作者：张赤

出版社：上海人民美术出版社

出版日期：2016-06-01

ISBN：9787532298839

字数：

页码：

版次：1

装帧：平装

开本：大16开

商品重量：0.4kg

编辑推荐

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内容提要

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张赤编*的《中国美院花鸟画法教程》择取花鸟画技法之精要而立各章纲目，或以用线表现的审美为领要，步入白描写生创作的明析；或以构图法则的悉解，展开素材的穿插、搭配、营构等艺术处理的分述；或以一种技法为重点进行解析，辐射旁侧技法，如没骨法、兼工带写法等；或从一种典型花卉(如牡丹花)为画材，进行多种写生技法表现的倒举；或以临摹为契机，逐一细授作品临摹旨要，及临摹扩展创作之次第。

目录

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作者介绍

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文摘

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序言

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繁花似锦：中国当代写意花鸟画的创新与传承 作者： 陆思远 出版社： 翰墨轩文化艺术出版社 字数： 约 48 万字 开本： 16 开 装帧： 精装 --- 内容提要： 《繁花似锦：中国当代写意花鸟画的创新与传承》并非一本侧重技法步骤分解的教科书，而是一部深入探讨二十世纪中后期至当代中国写意花鸟画发展脉络、理论思辨与个案研究的重量级学术专著。本书旨在梳理新中国成立以来，中国花鸟画在保持传统文人画精神内核的同时，如何吸纳现代审美观念，实现创新性发展与时代转型的复杂过程。 本书结构严谨，分为“溯源”、“转型”、“探索”、“新声”四个主要部分，以扎实的史料考证和深邃的艺术批评，勾勒出一条清晰的脉络，展现了数十位代表性艺术家的心路历程与艺术实践。 第一部分：溯源——传统文脉的坚守与现代语境的初探 (约 12 万字) 本部分首先对清末民初花鸟画的“衰微与转机”进行了细致的辨析，重点关注了海派的世俗化倾向与岭南画派的地域色彩，为理解当代艺术的起点奠定基础。 核心内容包括： 1. “写意”精神的界定与时代语境的冲突： 探讨了传统文人画中“写意”如何被置于国家现代化进程的宏大叙事下，其精神内核面临的冲击与重塑。重点分析了徐悲鸿的写实主义对传统笔墨的冲击，以及国画现代化运动中，花鸟画如何被定位为“民族艺术”的象征之一。 2. 五十年代的集体创作与规范化： 详述了建国初期，学院教育体系对花鸟画的规范化影响，尤其是对“健康向上”主题的追求。分析了如何从民间艺术和革命题材中汲取营养，建立起一套新的“时代主题”的审美规范。 3. 老一辈艺术家的坚守与融合： 深入研究了齐白石、潘天寿等大师晚年创作中，对笔墨语言的提纯与强化。特别剖析了潘天寿“大写意”中对结构、体量的重构，如何为后来的抽象化探索提供了潜在的可能性。 第二部分：转型——变革浪潮中的笔墨实验 (约 10 万字) “文革”结束后，艺术思潮的解冻为花鸟画带来了前所未有的活力。本部分聚焦于 1980 年代至 1990 年代初期，艺术家们在“回归传统”与“面向世界”之间的艰难抉择与大胆尝试。 核心内容包括： 1. “笔墨等于零”思潮下的花鸟画应对： 探讨了受西方现代艺术理论冲击后，花鸟画在“形式美”探索上的各种路径。部分艺术家开始着重于色块的构成、线条的力度与节奏的重组，淡化了传统花鸟画的诗意，强化了视觉的冲击力。 2. 学院派的“学院化”反思： 详细分析了中央美术学院等高等学府在教材更新、教学理念转变过程中，对花鸟画的教学改革。讨论了如何将西方解剖学、色彩学等知识融入传统笔墨的训练，以期培养出既懂传统又具国际视野的画家。 3. 地域流派的深化与扩散： 关注了除京津、江南传统体系外，西南、西北地区艺术家如何以其独特的地域文化（如高原的色彩、沙漠的苍劲）来革新花鸟画的题材与气韵，形成具有鲜明“边塞感”或“生命力”的风格。 第三部分：探索——当代写意语言的多元化突围 (约 14 万字) 进入新世纪，随着全球化和信息爆炸，花鸟画不再受制于单一的地域和理论框架，呈现出前所未有的个体化表达。本部分是本书的核心，着重分析了当前活跃在学术前沿的几类代表性探索方向。 核心内容包括： 1. 极简主义的“留白”哲学再建构： 研究了部分画家如何将传统的水墨“计白当黑”推向极致，用最少的笔触、最少的颜色，探讨空间、时间与精神的内涵。这部分对章法布局中“负空间”的意义进行了深入的哲学剖析。 2. 观念性花鸟画的兴起： 探讨了花鸟形象如何被用作探讨生态环境、城市化进程中人与自然关系的载体。例如，对濒危物种的描绘，不再停留在物象的记录，而是上升到批判与反思的层面，作品带有强烈的社会学意味。 3. 新材料与媒介的融合试验： 记录了部分先锋艺术家将传统水墨技法与油画颜料、丙烯、甚至数字化处理相结合的实践。分析了这些跨界尝试如何拓展了花鸟画的视觉边界，却也引发了关于“水墨本质”的激烈争论。 4. 对“雅”与“俗”的颠覆： 考察了部分艺术家如何主动引入民间艺术的粗犷、装饰性元素，打破传统文人画对“清雅”的苛求，使作品更具生活气息和大众感染力。 第四部分：新声——传承与未来的对话 (约 12 万字) 本书的最后部分，聚焦于当代青年一代花鸟画家的创作面貌，并对未来趋势进行了展望。 核心内容包括： 1. “数字原住民”的审美取向： 分析了在网络和多媒体环境中成长的年轻一代，他们的审美如何受到动漫、游戏等视觉文化的影响，如何在传统笔墨中融入更现代、更强烈的色彩对比和动态结构。 2. 师承关系的演变： 传统的“师徒相承”正在向“理论学习+自由探索”转变。本部分通过案例分析，展示了当代艺术家在学术导师指导下，如何快速形成个人面貌，并积极参与国际艺术交流。 3. 对“笔墨本体”的回归与重申： 尽管探索之路宽广，但仍有一批坚定的实践者致力于深挖传统笔墨的内在规律。他们强调，真正的创新必须建立在对水墨特性、用笔力道和传统审美的深刻理解之上。本书对这些“守正创新”的实践者给予了高度评价。 总结： 《繁花似锦》以其宏大的视野、翔实的个案分析和严谨的理论框架，为读者提供了一部理解中国当代写意花鸟画发展史的权威参考书。它不提供现成的笔墨口诀，而是引导读者去思考——在现代性与全球化的冲击下，中国文人画中最富生命力的“花鸟”一科，是如何承载民族精神，并在笔墨的有限空间内，开辟出无限的艺术可能。本书是艺术评论家、历史学者、专业画家及所有对中国当代艺术感兴趣的精英读者的必备藏书。

评分☆☆☆☆☆

这本书带给我的惊喜，在于它对于“创新”的思考。它并不是一味地强调遵循古法，而是鼓励读者在传承传统的基础上，融入自己的理解和创造。书中在讲解基础技法之余，还穿插了许多关于如何打破常规、如何寻找个人风格的探讨。我特别喜欢其中关于“墨分五色”的运用，它并没有局限于简单的浓淡干湿，而是引导你去探索墨色在不同湿度、不同笔触下所能产生的丰富变化，以及如何通过墨色的变化来表现物体的质感和体积感。它会让你去尝试用枯笔来表现岁月的痕迹，用湿笔来表现露水的晶莹，让你在创作中体会到笔墨的无穷魅力。而且，书中还列举了许多不同风格的花鸟画家的作品，并对他们的创作思路和技法进行了简要的分析，这让我看到了花鸟画发展的多样性和可能性。我觉得，这本书不仅仅是教你如何画，更是在启发你如何去思考，如何去探索属于自己的艺术道路。它鼓励读者走出舒适区，大胆尝试，在实践中不断突破和进步。

评分☆☆☆☆☆

这本书最让我印象深刻的是它的“写意”精神贯穿始终。它不仅仅是告诉你如何勾勒花瓣、描绘叶片，更是强调如何去捕捉花鸟的“神”，那种内在的生命力、动态和情感。我尤其喜欢书中关于“以形写神”的讲解，它告诉我们，花鸟画的关键在于“神似”，而不仅仅是“形似”。它会引导你仔细观察花鸟的姿态，去体会它们在自然界中的生存状态，然后用简练的笔墨将这些神韵捕捉下来。比如，在画一只绶带鸟时，它会让你去感受它在林间穿梭的灵动，去体会它那飘逸的长尾所带来的视觉冲击力，然后用笔墨将这些感觉融入画中。书中还会讲解如何运用皴法来表现不同植物的纹理，如何运用渲染来丰富画面的层次感，这些技巧的运用，都是为了更好地服务于“写意”的目标。而且，书中还分享了许多关于如何让画面“活起来”的经验，比如如何运用飞白来表现动感，如何通过构图来营造画面的呼吸感等等。我觉得，这本书真的能够帮助读者从“技”走向“道”，真正理解中国花鸟画的精髓所在。

评分☆☆☆☆☆

说实话，我之前对国画花鸟一直有一种“可远观而不可近触”的感觉，觉得它既高深莫测，又好像离我的生活很遥远。但这本书彻底改变了我的看法。它就像一位耐心而又充满智慧的引路人，将复杂的花鸟画技法分解成一个个易于理解的步骤。我特别欣赏书中对于“意境”的阐述，它不像一些教程那样只讲皮毛，而是深入到如何通过笔墨的虚实、色彩的浓淡来营造画面的氛围和情感。它会教你如何运用飞白来表现轻盈的翅膀，如何用积墨来塑造厚重的花瓣，甚至还会探讨如何通过构图来引导观者的视线，让他们在欣赏画作时，能感受到一种流动的美感。我之前尝试过自己临摹一些花鸟画，但总是感觉“画形不像，神韵全无”，看了这本书后，我才明白，原来画花鸟的关键在于“写”，在于抓住物象的精神气质，而不是仅仅停留在对客观形态的描摹上。书中还分享了许多关于如何从生活中汲取灵感的方法，比如去公园写生，去花鸟市场观察，去感受四季的变化等等，这让我觉得，绘画不再是一件枯燥的训练，而是一个充满乐趣的探索过程。

评分☆☆☆☆☆

这本书真的让我眼前一亮，刚拿到手就迫不及待地翻阅了。它并不是那种枯燥的理论堆砌，而是以一种非常直观、接地气的方式，带你一步步走进中国花鸟画的世界。我特别喜欢它在介绍基础技法时，那种循序渐进的讲解，从最基本的线条、墨色晕染，到如何勾勒出花瓣的层次感、叶片的生动姿态，都讲解得非常细致。书中那些精美的范例，更是提供了绝佳的学习范本，每一幅都看得出作者深厚的功底和对生活的热爱。我尤其对其中关于“写意”的讲解印象深刻，它并没有简单地告诉你“怎么画”，而是引导你去体会花鸟的精神，去捕捉它们瞬间的生命力。比如，它会让你去观察一朵花从含苞待放到盛开的过程，去感受一只鸟在枝头栖息时的动态，然后用笔墨将这些感受表达出来。这种教学方式，让我觉得绘画不再是机械的模仿，而是一种情感的抒发和生命的交流。而且，书中对不同材质的纸张、不同种类的笔墨也有很详细的介绍和使用建议，这对于初学者来说，无疑是省去了不少摸索的时间和精力。我觉得，这本书不仅仅是教你画画，更是在培养你对美的感知和对自然的敬畏之心。

评分☆☆☆☆☆

这本书给我的感觉是，它不仅仅是一本技术性的教程，更像是一部关于如何“看见”美、如何“表达”美的哲学读物。它在讲解技法时，总是会穿插一些关于中国传统文化和哲学思想的内容，让我觉得，学习花鸟画，也是在学习一种生活态度和审美情趣。我尤其喜欢书中对于“气韵生动”的解读，它强调绘画不仅仅是技巧的堆砌，更重要的是要注入画家的生命力和精神。它会引导你去观察花鸟的生长规律，去体会它们内在的生命力，然后用你的笔触将这种生命力表现出来。比如，在画一株竹子时，它会让你去感受竹子“未出土时便有节，及凌云处尚虚心”的品格，然后将这种精神融入到你的笔墨之中。这种讲解方式，让我觉得画画不仅仅是在描绘外在的形象，更是在表达一种内心的感受和对世界的理解。而且，书中还分享了许多关于如何处理画面留白、如何运用题款印章来烘托主题等细节，这些看似不起眼的地方，却能极大地提升画面的整体意境。我觉得，这本书真的能帮助读者在掌握绘画技巧的同时，提升自己的艺术修养和人文素养。