中国高等院校艺术设计专业教材：平面构成 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

简体网页||繁体网页

☆☆☆☆☆

孙彤辉 著

图书标签:

• 平面设计
• 构成原理
• 艺术设计
• 高等教育
• 教材
• 设计基础
• 视觉传达
• 色彩构成
• 形式美学
• 艺术院校

出版社： 湖北美术出版社

ISBN：9787539426068

版次：1

商品编码：10204485

包装：平装

开本：16开

出版时间：2009-04-01

页数：119

正文语种：中文

内容简介

　　《平面构成》主要阐述了形式美的基本原理和如何根据形式美的形式法则进行形象创造及组合构成，并将构成的理论与设计实践相结合，用大量的设计实例来诠释构成原理，条理清晰，深入浅出，简洁易懂，通过学习，可以开阔我们的视野，丰富我们的知识，活跃我们的思维。

作者简介

　　孙彤辉，1953年生于上海。1981年毕业于江西赣州师范学院美术系，2000～2001年任Sannancisco State Univelsity Department 0f Designand Industry访问学者。现任上海师范大学关术学院设计系副教授，中国关术家协会会员。作品入选全国美展、全国水彩水粉画展、全国陶艺展、全国新人新作展、华人平面设计大赛等，并获2001年上海走向21世纪艺术设计大展银奖，2002年纪念延安文艺座谈会发表60周年全国美术人展优秀奖，2002年第七届全围陶瓷设计创新评比三等奖，2003年上海版画艺术奖，2004年首届全国工艺美术大展优秀奖，2005年上海艺术大展艺术奖。2004年和2005年出版《书装设计》、《平面设计》、《版式设计》等设计书籍。本书图例提供：毛玉怡、汤春燕、曲强、林住敏、陈谦、许伟、胡嘉逸、陈励学、赵崴菁、吴熠、蔡彬、邢佳露、陆丽霞等。在此，一并表示感谢。还有一部分同学的名字如被遗漏，敬请谅解!

内页插图

目录

导言
第一章概述
一、平面构成的确立与发展
二、平面构成的概念与目的
三、平面构成研究与解决的问题
四、从具象到抽象的训练

第二章形式美的原理与法则
一、平衡
二、对比
三、调和
四、节奏
五、变异

第三章造型的基本要素
一、点
二、线
三、面
四、形与形的关系
五、形与空间的关系

第四章形象的构成
一、基本形
二、规定形中的变化
三、单形切除
四、形的群化
五、多形组合

第五章平面构成的基本形式法则
一、重复与近似
二、分割与比例
三、渐变与发射
四、对比构成
五、特异构成
六、空间构成
七、打散重构
八、肌理

精彩书摘

　　色彩的调和
　　要达到色彩关系的调和：首先就是明暗关系的调整，将明暗对比强烈的形象进行适当的排列推移，让形象的明暗有秩序起来。其次是整体上色相的调和，与类似形象相同，类似色相因为存在明显的共性，所以，最容易调和。如果色相对比强烈，应注重画面的色调。有明显色调的画面，即使对比强烈也感觉协调。色调的形成，主要在于主色在画面中占有主要面积，对比色相占小面积，由于主色调有着共同因素，所以，让人感到协调。再次是当色相处于强对比时，可以调整色彩的纯度，也可以运用无彩色系的黑、白、灰、金或银进行调和。
　　方向的调和
　　一旦形象带有长度特征，便具有了方向性。另外，多个形象一经组合，也会产生方向感。方向在设计构成中有着重要作用，方向的变化往往表现着形象的情感和决定着设计版面的效果。方向的对比给版面带来活力和动感，但要注意在整体中，必须有一个主流方向，按照这主旋律，调整安排其它局部形象的位置如果主流方向把握不当，方向对比过多，就会引起杂乱、无序。因此，调和统一在此显得尤为重要。

前言/序言

图书简介：建筑设计原理与创新实践 本书并非《中国高等院校艺术设计专业教材：平面构成》，而是聚焦于建筑设计领域的核心理论、经典案例分析与前沿技术应用的专业著作。 一、 聚焦建筑本体：从理论基石到空间感知 本书深入探讨建筑设计的底层逻辑与核心原则，旨在为读者建立扎实而全面的理论框架。我们摒弃了对平面图形元素（如点、线、面）的抽象讨论，转而关注构成建筑实体和空间体验的尺度、比例、韵律与肌理。 1. 建筑尺度的哲学解析： 详细分析人尺度（Anthropometry）、构件尺度（Component Scale）与城市尺度（Urban Scale）之间的动态关系。探讨如何通过精妙的尺度控制，实现从个体感受的亲密性到群体环境的宏大叙事之间的无缝转换。书中包含大量案例分析，剖析不同文化背景下对“宜人尺度”的理解与实践，例如对古代神庙和现代公共空间的对比研究。 2. 比例体系的演变与应用： 系统梳理了自古希腊“黄金分割”到文艺复兴时期维特鲁威体系，再到现代主义中基于模数化（Modulor）的比例研究。重点阐述了比例在建筑立面韵律、内部空间划分以及结构逻辑中的决定性作用。不同于平面构成对二维比例的探讨，本书强调比例在三维空间中的体积感、层级感与视觉引导性。 3. 空间叙事与场所精神： 核心章节探讨了建筑如何通过空间序列的设置来“讲述故事”。分析了入口的仪式感、流线的引导性、光影的戏剧性处理，以及封闭与开放空间的转换策略。深入解读了“场所精神”（Genius Loci）的内涵，即建筑如何通过材料、文脉和纪念性，锚定特定地域的文化与记忆。这部分内容强调的是体验的深度和场所的独特性，而非图形的组合关系。 二、 结构逻辑与材料真实性 建筑设计本质上是对力的平衡与材料性能的驾驭。本书将大量的篇幅投入到结构逻辑如何形塑空间形态的探讨中，这是平面构成所不涉及的物理和工程维度。 1. 结构美学的表达： 分析了梁柱体系、剪力墙体系、框架结构、壳体结构以及张拉结构等不同结构形式如何直接影响建筑的内部空间形态、立面表现以及表皮的开启度。例如，探讨悬臂结构所带来的“漂浮感”是如何在视觉上打破体量的沉重感。 2. 材料的触觉与叙事性： 深入研究混凝土、钢材、木材、玻璃和石材在建筑中的应用哲学。重点不在于材料的色彩或纹理的平面布局，而在于其耐久性、保温性、可塑性以及随时间推移而产生的物质性变化（老化、锈蚀、风化）。书中通过剖析路易·康、彼得·卒姆托等大师的作品，展示材料“言说自身”的力量。 三、 创新实践：数字工具与可持续发展 本书紧跟时代脉搏，将当代建筑设计中不可或缺的数字技术和可持续性理念融入理论框架，指导未来的设计实践。 1. 参数化设计与形态生成： 探讨Grasshopper、Rhino等参数化建模工具如何帮助设计师探索超越传统几何约束的复杂形态。强调参数化不是为了制造复杂的表皮，而是为了优化结构受力、自然采光模拟或场地适应性。这涉及到算法逻辑与物理约束的深度结合，与平面构成的规则集合有本质区别。 2. 场地响应式设计与生态策略： 详细阐述了如何将气候数据（风向、日照轨迹、降雨模式）融入到建筑布局和表皮设计之中。内容涵盖被动式设计（Passive Design）策略，如遮阳系统的设计、自然通风导流、雨水收集系统等。重点在于建筑与环境的能量交换与共生关系，而非纯粹的视觉平衡。 3. 城市文脉的介入： 分析当代建筑师如何在快速城市化进程中，对现有城市肌理进行尊重和介入。这包括对退界、容积率、天际线控制等城市规划法规的理解，以及如何通过体块的切分与穿插，实现建筑在城市网络中的有效连接和身份认同。 四、 案例深度剖析：从地域到全球 本书精选了横跨不同历史时期和地域风格的标志性建筑，进行细致的解构分析，以印证前述理论。这些案例的分析维度包括： 功能流线图解： 追踪使用者在三维空间中的路径与停留点。 结构受力模型分析： 展示主要承重构件的工作状态。 光照与阴影分析： 评估不同时间段内空间的光环境质量。 材料节点的构造图示： 揭示不同材料如何精确地连接和支撑。 这些分析维度均指向实体建筑的建造逻辑、空间体验的层次感以及环境的互动性，与平面构成中对二维构成要素的分析方法论截然不同。 总结： 《建筑设计原理与创新实践》致力于培养设计师对三维空间、物质实体、结构逻辑以及社会文化场域的深刻理解和驾驭能力。它是一本面向未来建筑师的、强调技术、哲学与场所精神相结合的工具书，旨在帮助学习者从二维的图形思维跃升至四维（含时间维度）的实体设计思维。本书所涵盖的知识体系，旨在构建宏大、精确且富有生命力的建成环境。

评分☆☆☆☆☆

这本书的视角选择非常独特，它似乎有意避开了当前设计界最热门的那些潮流元素和软件插件的介绍，反而将目光投向了更深远的源头。我特别欣赏其中关于“材质与肌理”的章节，作者没有停留在平面上对纹理的模拟，而是追溯到了不同材料在自然界中的形成过程，以及它们在人类工艺历史中的演变。例如，探讨陶土的粗粝感如何转化为版画中的颗粒感，再到数字设计中通过噪点和纹理叠加来实现的类比，这种层层递进的关联性，极大地丰富了我对“质感”的理解。它让我意识到，即便是最简单的黑白灰构图，通过对内部肌理的处理，也能传达出截然不同的情感温度。这本书的专业性体现在它对基础原理的尊重和挖掘上，它不追逐风尚，而是致力于打磨读者的“内功”。这种朴实而深刻的教学方法，对于在信息爆炸时代容易迷失方向的设计学子来说，无疑是一剂清醒剂，提醒我们设计的根基永远在于对“形式”本身最本质的把握。

评分☆☆☆☆☆

这本书的装帧设计确实挺下功夫的，封面那种灰调子的几何图形搭配烫金的字体，给人的感觉就不是那种烂大街的入门读物，更像是一本可以放在书架上镇得住场面的专业工具书。我一开始还担心内容会过于枯燥，毕竟“构成”这两个字听起来就挺理论化的，但翻开目录才发现，它对基础知识的梳理非常细致。比如在讲到“点线面”的组织关系时，作者并没有直接甩出一堆枯燥的定义，而是穿插了大量不同历史时期、不同文化背景下的视觉案例进行对比分析，从古希腊的建筑比例到日本的枯山水意境，这种跨学科的引用，极大地拓宽了我的思路，让我意识到平面构成绝不仅仅是把方块和圆圈摆在一起那么简单，它背后蕴含着深刻的哲学和审美规律。特别是关于“节奏与韵律”那一章，作者用动态的图示清晰地展示了如何通过疏密变化和方向引导来制造视觉上的运动感，这一点对于我目前在做海报设计时遇到的僵硬感，简直是醍醐灌顶，让我找到了打破沉闷的新方向。整体来看，这本书的排版和印刷质量都达到了专业教材应有的水准，即便是反复翻阅，内页的纸张也不会有明显的磨损感，细节之处见真章。

评分☆☆☆☆☆

这本教材在结构安排上体现了极高的逻辑性，读起来像是在进行一场精心设计的智力探险。它最大的特点是，它不只是教你“怎么做”，更重要的是启发你去思考“为什么是这样”。比如在讲解“视觉焦点与引导线”时，它没有直接给出规则，而是先展示了一系列由自然现象（如河流的走向、星空的排列）中提取的线性和动势元素，然后才过渡到人工设计中的应用，这种由宏观到微观的导向，让理论的建立过程显得非常自然和富有说服力。我特别喜欢它在每一章末尾设置的“反思性练习”，这些练习往往不要求学生直接完成一个作品，而是提出一个需要深入剖析的设计悖论，逼迫我们去辩证地看待设计中的“对与错”。这本书的价值在于它构建了一个完整的认知闭环，让你从最初的视觉经验，通过理论的桥梁，最终回归到更成熟、更有深度的创作实践中去，它培养的不是一个执行者，而是一个能够构建自身设计体系的思想者。

评分☆☆☆☆☆

坦白说，这本书的实操指导部分，对我这个习惯了“手把手”教学的人来说，一开始有点吃力。它更倾向于建立一种“设计师的思维框架”，而不是直接告诉你“用PS做A，用AI做B”。书中大量的篇幅放在了对“形式美感”的抽象探讨上，比如“平衡与不稳定”之间的辩证关系，以及如何利用“视觉重量”去引导观众视线流动的心理学基础。我记得有一节专门讨论了“负空间”的应用，作者举了几个大师级的Logo案例，但解释得非常精炼，需要读者自己去反复揣摩图形背后的逻辑。这要求学习者必须具备一定的自主分析和转化能力，不能指望看完就能立马做出惊艳的作品。对我个人而言，这既是挑战也是收获，因为它迫使我跳出了单纯的技术层面，开始思考每一个设计元素的“意图”。如果有人期待这是一本快速掌握软件技巧的书，那可能会失望；但如果你的目标是提升自己的设计语汇和内在逻辑性，这本书提供的理论基石是非常坚实且难以替代的，它更像是一个让你学会如何“思考”视觉语言的导师。

评分☆☆☆☆☆

从图书馆借来看了这本书，感觉它的内容密度非常高，每一页都塞满了需要反复阅读和消化的信息。最让我印象深刻的是其中关于“色彩的构成”部分的处理方式。它没有落入俗套地罗列色轮和三原色理论，而是将色彩的运用放在了“情绪传达”和“文化符号”的框架下去解析。作者引用了大量非西方的色彩体系，比如传统中国绘画中的设色原则，以及某些民族服饰的色彩禁忌与偏好，这使得原本枯燥的色彩理论变得生动有趣且具有全球视野。我曾经一直苦恼于如何让我的作品在保持现代感的同时不失文化厚度，这本书通过对色彩符号学的梳理，直接点亮了我眼前的困惑。它教我们如何有目的地“使用”色彩，而不是被色彩“控制”。当然，这本书的文字风格略显学术化，对于初学者来说，可能需要配合其他更偏向操作指南的资料一同阅读，才能更顺畅地消化这些深层的理论知识，但其提供的深度是毋庸置疑的。

评分☆☆☆☆☆

(80%好评)l

评分☆☆☆☆☆

清华大学美术学院设计基础教程：平d面构成

评分☆☆☆☆☆

(100%好评)

评分☆☆☆☆☆

(100%好评)

评分☆☆☆☆☆

四、从具象到抽象的训练

评分☆☆☆☆☆

设计师生存手册IllustIrator

评分☆☆☆☆☆

13条

评分☆☆☆☆☆

艺术设c计基础：平面构成b

评分☆☆☆☆☆

导言