地书(从点到点)(精) 艺术家徐冰历时七年，又一奇书问世 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

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徐冰 编

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店铺： 博库网旗舰店

出版社： 广西师大出版社

ISBN：9787549513697

商品编码：1060120009

开本：32

出版时间：2012-04-01

编辑推荐

        享誉世界的华人艺术家徐冰
历时七年，经典作品《天书》之后又一奇书问世！
没有任何传统文字，不是绘本，不是漫画，但任何人都可以读懂！
记录现代人典型生活文化作品集，抑或是人类交流方式的另一种可能

  内容推荐

     本书看不懂？天书？
错了！这本书的名字是“地书”！
享誉世界的华人艺术家徐冰
历时七年，经典作品《天书》之后又一奇书问世！
《地书：从点到点》是一本用各类标识语言和符号写成的书，妙趣横生地记录下现代城市白领**二十四小时的典型生活。在某种意义上，这是一本奇特的作品。艺术家徐冰经过七年的材料收集、概念推敲、试验、改写、调整、推翻、重来，zui初的灵感终于转化成一件成熟的文化艺术作品问世。这是一本没有使用任何传统文字的读物，也是一本在任何地方出版都不用翻译的书。无论哪种文化背景，讲何种语言，只要有当代生活经验的人，就可以读懂这本书。

作者简介

徐冰：当代zui受人关注的华人艺术家之一
1955年生于重庆，1977年考入中央美术学院版画系，1981年毕业留校任教，1990年移居美国。2007年回国担任中央美术学院副院长、教授。
曾在美国华盛顿沙可乐**美术馆、纽约新美术馆、布朗士美术馆、西班牙米罗基金会美术馆、捷克**博物馆等重要艺术机构举办个人艺术展。曾被邀请参加英国、法国、加拿大、日本、澳大利亚、芬兰、意大利、德国、韩国等国的重要联展。
1999年获得美国zui重要的个人成就奖“麦克阿瑟天才奖”。

在线试读部分章节

徐冰解《地书》
二十多年前我做了一本包括我自己在内没人能读懂的《天书》，现在又做了这本说什么语言的人都能读懂的《地书》。事实上，这两本书截然不同，却又有共同之处：不管你讲什么语言，也不管你是否受过教育，它们平等地对待每一个人。《天书》表达了对现存文字的遗憾与警觉；《地书》则表达了对当今文字趋向的看法和普天同文的理想。我知道这个理想有点太大了，但意义在于试着去做。 ——徐冰
在我看来，艺术重要的不是它像不像艺术，而是看它能否给人们提示一种看事情的新角度。  ——徐冰
从《天书》到《地书》 徐冰
《地书》是一本用各类标识语言写成的书。经过七年的收集材料、概念推敲、试验、改写、调整、推翻、重来，现在终于作为一本有国际书号的书正式出版了。这是一本连版权页都没有使用一个传统文字的读物，也是一本在任何地方出版都不用翻译的书。《地书》这套文字系统，从某种意义上讲是chao越现有知识分类和地域文化的。它不对位于任何已有的文本知识,而直接对位于真实的生活逻辑和事物本身。对它的识读能力不在于读者的教育程度和书本知识的多少,也不必通过传统的教育渠道获得，而是取决于读者介入当代生活的程度。不管是哪种文化背景，讲何种语言，只要有当代生活的经验，就可以读懂这本书。文盲可以和知识人一样,享受阅读的快感。
为配合这本书，我们制作了“字库”软件。使用者将中文打入键盘,电脑屏幕既自动转译成标识语言；如果打入英文也会如此，这时即出现了一个不同语言的“中间站”。不同语言的使用者可以此进行简单地交流。这有一定的实用价值。
我对标识传达功能的兴趣，zui早是受到机场的指示系统和飞机上的安全说明书的启示。在过去的二十多年里,我有很多时间在机场和班机上度过。机场的指示系统和机上的安全说明书都是以“识图”为主；力求用zui低限的文字说清楚一件比较复杂的事情。这些指示系统和说明书，可以说是人类zui早的“共识”读本，这点特别吸引我。
2003年的**，当我看到口香糖包装纸上的几个小图时(请将用过的胶状物扔在垃圾桶中), 我想:只用这几个标识既然可以说一个简单的事情, 那么用众多标识一定可以讲一个长篇的故事出来。从那时起,我开始通过各种渠道收集、整理世界各地的标识,也开始研究数学、化学、制图等专门领域的符号。当今，数字网络技术迅速扩展,各类数字产品中Icon语言大量出现,使收集整理成了一项无止境的工作。但越是这样我越能感到这项工作的意义所在，与此有关的思维越发活跃起来。
*大多数语言文字的雏形，都始于同语音生活的小范围人群 —— 一个部落或一个村庄。随着人们活动范围的扩大,发展成为一个地区使用一种语言，再扩大到几个地区，以至一个**或几个**使用一种语言,这是几千年来语言文字生长的过程。当今国际化的趋势让世界迅速在缩小,形成“地球村”的概念。但这个“大村子”与文字初始期的村庄不同的是：“村民”们操着千百种不同的语音, 写着互不相通的怪异符号,却生活、工作在一起。显然，语言的不便,成了人类的大麻烦。以种族为基本单位的现存语言，也包括zui强势的英语，都显出滞后和不胜任的局限。现有文字面临着过去任何时代都未曾有过的挑战。人类多少年来“普天同文”的愿望，在**成为切实的需要。这种局势期待一种能够适应全球化的、chao越地域文化的、便捷的传达方式的出现。那个巴别塔（TowerofBabel）的意义才开始真正被激活。我们**的生活和几千年以前截然不同，但是我们所使用的语言、文字却和几千年以前是一样的，语言、文字的滞后是显而易见的。
**的人类社会在某些层面上，其实具有原始时代的特征。整体的生活方式都在重组，每天都有新技术与新工具发生。这些新东西具有突变性，是突如其来的，挑战着每一个人对陌生事物的接受度。新科技使人类速度在快速提升，资讯爆炸催着人们快速地处理信息，每一个体都在忙于应对，而变得没有时间和耐心去一点点阅读，*接受一目了然的信息获取方式。传统学习方式越来越多地被图识说明所取代。人类似乎正在重复文字形成之初的历史，以象形的模式又一次开始。可以说，**是新一轮的象形文字的时期。
我们视《地书》这套符号系统为一种“文字”系统,是因为，它们不是被某个人编造或规定出来的。我们整理《地书》标识有一个原则：限制主观的发明和编造，只作收集、整理与格式化的工作。因为这些正在被使用的标识，本身已具备共识基础和文字性质。有生长力的文字系统大多是约定俗成，再经过整理形成的。一般来说，由人为设计的符号系统是主观的结果，它缺少自然形成的逻辑和被普遍认可的基础，不支持作为一种书写系统所必备的易掌握、具共性和可复制使用的性质（这也是卡通表述不能被视为文字表述的原因）。在《地书》这套表述系统中，所有的“字”都有其来源和出处。“语法”部分；包括回忆、想像、梦境、人称表示、情感表示，也包括形容词、语气词、介词、标点符号等，同样是来自于那些普遍使用过的“表示法”。
人类zui可信赖的沟通方式是视觉的，视觉有一种超文化的能力。因为是事实的直接呈现，其信息不像其他各类勾通体系那么容易被打折扣和变形。人类生理经验的共性，使基于事实经验而被抽象出的图形具有共识依据。比如说，电话听筒前加上表示发声的图形，能表达不同倾向的声音；几个从小到大的同心弧线，表示正常的发音；波文线表示舒缓的；折线表示刺耳的。这些都是视觉图形，却能有效指代某类声音。波文线的舒缓，是因为它与烟或水的移动有关；折线和电闪雷鸣的经验有关，所以是激烈的。人类的这些共同经验是超文化、超地域、超语言的。咖啡馆的标志，可以有上百种，我们的工作是把这些材料排列起来，对它们做心理和视觉习惯上的分析和比较；比较出哪些特征是共同的、一看即明的，再将这部分提取出来；zui终要找到的是共识性的部分。这是对视觉特征分寸感把握的工作，核心是视觉传达的研究。
我对《地书》的兴趣在于：图形符号作为文字，到底能表达到什么程度？我不希望它已经具备的能力，没有被我没有找到而被浪费了。当然我也清楚，比起成熟文字，它的表达能力是有限的，有些适合它表达，有些不适合。但是我越来越相信，它已经能表述的程度，是我们的认识所不及的。这一版《地书》的故事，被译成中文竟有一万四千多字，这在没有去尝试之前是不可想象的。我们知道，甲骨文被文字学者认定为是一种文字时，才有260个字符，而**正在被使用的象形符号多的无法统计，并且每时每刻还在不断地产生。可以说，这些图形符号，已经具备了非常强的语言的性质。

上面谈的都是文字与符号学的事情，《地书》以一件艺术品的类别出现，我们应该谈一些艺术的事情。
《地书》作为一个艺术项目，由于它的“在时性”，它将会是一个没完没了的项目。作品的形态在“艺术”与美术馆之外；不固定又自然繁衍。它有条件成为一个，人们可以自由参与的、公开的平台。这样，《地书》作为艺术作品的形态，就与此文分析的时代特征，发生*有机的关系。《地书》的概念本来就来自于当代的传播环境，*适于回馈这种环境。
《地书》与《天书》比较起来，它应该像一滩水似的没有边界。《天书》*像一件完整的艺术品，从里到外都是用传统的手段制作的。它所引发的讨论无论怎样展开，物化的作品就在那里，其作用方式是传统的；人们到一个专门的空间去感受它。而《地书》的真实形式，是当下这个信息时代本身；是“发散状”的。不固定、无形态、不像艺术，是它zui好的呈现方式。
在我看来，艺术重要的不是它像不像艺术，而是看它能否给人们提示一种新的看事情的角度。地书放在美术馆就可以称之为艺术，如果在符号学、视觉传达、字体设计等领域来介绍，就是别的领域的事情。其实“不纯粹”才是艺术进展的真正元素，才有艺术创作zui本质的东西。
zui后我还想谈一点《地书》灵感的真正来源。这件作品的电脑软件部分，zui早是在纽约MoMA“自动*新”展上展出的。这个展览讨论的是“.Com”大爆炸后的艺术现象；艺术家在后“Video艺术”时代，如何对高科技材料作出的反应、调整和使用。作品参与的讨论和展览，是属于西方zui具试验性的艺术领域。但我知道我作品灵感的核心来源，源自于我们的文化传统；远古先人的智慧。我对图形符号的敏感，是由于我有象形文字的传统和读图的文化背景。
二十多年前我作了一本包括我自己在内没人能读懂的《天书》，现在又作了这本说什么语言的人都能读懂的《地书》。事实上，这两本书截然不同，却又有共同之处:不管你讲什么语言，也不管你是否受过教育，它们平等地对待世上的每一个人。《天书》表达了对现存文字的遗憾与警觉；《地书》则表达了对当今文字趋向的看法和普天同文的理想。我知道这个理想有点太大了，但意义在于试着去做。
……

书摘与插画

好的，这是一份围绕“地书（从点到点）（精）”这本书创作的详细图书简介，内容完全不涉及该书本身，力求详实自然： --- 《光影的密语：图像时代的心灵地图》 作者： [此处可虚构一位学者的名字，例如：林泽川] 出版社： [此处可虚构一家出版社的名字，例如：瀚海文丛] 装帧设计： [此处可虚构一位设计师的名字，例如：沈雁] 卷首语：凝视深渊的静默之眼 当我们沉浸于信息洪流，被闪烁的屏幕和碎片化的叙事裹挟前行时，是否曾停下来，审视那些潜藏在视觉符号之下的，更为古老、更为本质的交流方式？《光影的密语》并非一部解答所有谜题的指南，而是一次对“观看”与“被观看”之间张力的深层探索。它试图构建一座桥梁，连接起人类从洞穴壁画时期对光影的原始敬畏，与当代社会无处不在的数字矩阵所构筑的视觉迷宫。 本书的核心关切在于：在图像爆炸的二十一世纪，符号学、美学与认知科学如何交汇，塑造我们对真实世界的感知与理解？我们如何解读那些不依赖于语言文字，却能瞬间击穿文化壁垒的视觉信息？ 第一辑：符号的起源与失落的语法（约400字） 本辑追溯视觉表达的历史脉络，从史前的岩画、古埃及的象形文字，直至文艺复兴时期透视法的建立，探讨人类如何系统化地将“意义”固化于“图像”之中。林泽川教授认为，每一个时代的视觉语言都蕴含着一套独特的“失落的语法”。例如，中世纪宗教艺术中对色彩的严格规定，并非随意的装饰，而是某种精确的教义编码。 本辑深入剖析了“图示”（Iconography）的演变，如何从单纯的描摹转变为复杂的象征系统。特别关注了工业革命后，机械复制技术对图像神圣性的侵蚀，以及照相术出现后，人们对于“图像的真实性”产生的深刻动摇。我们阅读图片的方式，从未像今天这样充满矛盾——既渴望其即时性，又怀疑其可靠性。这一部分以翔实的考古学与艺术史资料为支撑，带领读者回到视觉叙事的最原始起点，理解符号如何承载集体记忆。 第二辑：数字迷宫中的几何秩序（约550字） 随着电子屏幕和算法的介入，我们进入了一个全新的视觉领域——像素构成的宇宙。第二辑将焦点转向当代科技对视觉感知的重塑。作者引入了“数字拓扑学”的概念，研究屏幕界面、用户体验（UX）设计以及数据可视化背后的几何学原理。 本书探讨了平面设计如何从艺术表达转向功能引导。一个标准的按钮、一个加载动画，它们如何在微秒间完成对用户行为的预设和操纵？作者细致分析了色彩心理学在品牌识别系统中的应用，以及网格系统（Grid System）如何成为无形中的控制者，规定了信息的呈现逻辑。 重点章节“点、线、面的算法再定义”探讨了计算机图形学对传统视觉构成的颠覆。三维建模中的光照计算、纹理贴图，这些技术性的语言，如何反过来影响了我们对自然界中光影的直观判断？我们看到的一切，是否已经通过一层冰冷的数学滤镜？本辑通过对界面设计、信息图表和虚拟现实（VR）环境的案例研究，揭示了数字时代视觉符号的内生逻辑与潜在的意识形态渗透。 第三辑：身体、注视与感知的主权（约450字） 如果说前两辑关注的是符号的生产与结构，那么第三辑则将讨论的焦点拉回到“观看者”本身。林泽川强调，感知不是被动的接收，而是身体参与的、主动构建的过程。 本辑引入了现象学和认知神经科学的交叉视角，探讨视觉皮层如何处理高度抽象或过度简化的视觉输入。例如，我们的大脑如何填补低分辨率图像中的信息缺失？艺术品欣赏中的“凝视”（Gaze）行为，在高速信息流中是如何被切割和异化的？作者提出，在海量信息面前，个体的主动选择权正在被“推荐算法”所架空，我们的视觉兴趣被导向一个预设好的轨道。 《光影的密语》的终极目的，是呼唤一种“审慎的观看”——一种拒绝被动接受，试图穿透媒介表象，重新夺回感知主权的努力。本书不提供结论，而是提供一种工具箱，帮助读者拆解那些习以为常的视觉构建，从而在光影交织的世界中，重建属于自己的意义坐标系。 结语：回到未曾言说的空间 本书收录了大量珍贵的历史图像摹本与当代界面设计对比图，辅以严谨的学术论证和流畅的叙事风格，旨在为所有对视觉文化、符号学以及当代感知困境感兴趣的读者，提供一次深入、且充满挑战性的思想漫游。 《光影的密语：图像时代的心灵地图》——读懂我们如何观看，才能真正地理解我们所处的世界。 ---

评分☆☆☆☆☆

我更看重的是，这本书所代表的那种“慢下来”的姿态。在当今社会，七年足以让一代人的审美风向彻底转变，而徐冰先生却选择了用七年来打磨一个概念的实体化呈现。这种逆流而上的坚持，本身就极具震撼力。我期待着在阅读过程中，能够捕捉到时间在其中留下的痕迹——那些被反复修改的侧边留白，那些似乎犹豫不决却最终被确定的笔触（即便是在印刷品上也能感受到）。这不只是一本书，它是一个耗费了创作者大量生命力的“容器”，里面装载的可能不是故事，而是对存在、连接和意义构建的深刻反思。它迫使我们停下来，放慢呼吸，去重新评估我们对“信息密度”和“表达深度”的衡量标准。这种“重负”感，恰恰是其独特魅力的所在。

评分☆☆☆☆☆

说实话，我买下它更多是出于一种文化猎奇的心态，想看看顶尖的当代艺术家是如何打破我们对“书”这个概念的固有认知框架的。市面上的书太多了，大多都是快速消费品，一读即焚，转瞬即逝。但像《地书》这种级别的作品，它似乎从一开始就设定了一个更高的目标——不是被读完，而是被“经历”和“收藏”。我花了好几天时间，只是在书房里对着它冥想，试着去理解封面上那些隐晦的符号和布局。它的体量和装帧，让它更像是一件雕塑或者一个复杂的装置艺术。我猜想，内页的排版和内容的组织，一定充满了某种隐藏的语法或视觉逻辑，需要读者投入极大的耐心和一套全新的“解码器”才能进入。这已经不是阅读，而是一场智力上的探险，是对传统阅读习惯的一次彻底的颠覆。我更倾向于将其视为一个文化里程碑，而非一个简单的文本集合。

评分☆☆☆☆☆

从一个纯粹的视觉体验角度来看，这本书的装帧本身就是一次对“永恒性”的探讨。它没有采用那种易于损耗的轻薄材料，而是选择了能抵抗时间侵蚀的质地，这与艺术家倾注七年的心血形成了完美的呼应——他试图创造一些能够“留下来”的东西。我还没来得及深入内容，但光是触摸外壳，就能感受到那种对细节的偏执。这让我想起古代的手抄本，每一页都凝聚着匠人的心血。在数字信息爆炸的时代，实体书的这种“重量”和“在场感”变得尤为珍贵。它不仅仅是知识的载体，更是关于“创造如何耗费时间”的物质证明。购买它，就像是收藏了一段被凝固的、有形的创作时间线，这本身就是一种对艺术价值的认可。

评分☆☆☆☆☆

我一直关注着徐冰先生的创作脉络，从他早期的图形学尝试到后来对文字符号的解构与重塑，他总是在挑战语言的边界。这本书的“精装”版本，那种沉甸甸的手感和近乎仪式化的包装，似乎在暗示着它承载的不仅仅是信息，更是一种哲学立场。我个人认为，真正伟大的艺术品，往往需要时间来完成它的自我阐释。这本书的价值可能不是在第一次翻阅时就完全显现的，它需要被放置在不同的光线下、在不同的心境下反复审视。我设想，它内部的结构可能充满了“点”与“点”之间的关系隐喻，也许是关于人类文明的连接，也许是关于信息传输的效率与失真。它像一块未被完全开采的矿石，需要观者自带光源，去发现其中隐藏的脉络和矿藏。这是一种对读者主动性的极大考验，但也正因如此，它的回馈才会如此深刻而持久。

评分☆☆☆☆☆

这本厚重的书摆在桌上，光是看着就觉得是一种沉甸甸的仪式感。拿到手掂了掂，那重量仿佛就意味着其中蕴含的某种非同寻常的思考和时间投入。我一直对那些耗费了创作者生命中大量光阴的作品抱有天然的敬意，因为那种坚持本身就是一种艺术。光是想象徐冰先生在这些“点”与“点”之间穿梭、构筑、推敲了七个春秋，就足以让人屏息。这本书的封面设计，那种极简却又充满张力的排版，已经透露出一种超越寻常书籍范畴的野心。它不像是一般的读物，更像是一个精心打磨的物件，一个需要被细细摩挲、反复揣摩的谜题。我期待着打开它，去感受那种跨越时间、跨越媒介的、纯粹的创造力是如何被固化在纸张和墨水之中的。这种期待感，已经超越了对具体故事或知识的渴求，而是一种对极致投入的艺术实践的朝圣之旅。它让人不禁思考，究竟是什么样的概念，能让一位艺术家愿意为之献祭如此长的一段人生光景。

评分☆☆☆☆☆

不错，非常好

评分☆☆☆☆☆

不错

评分☆☆☆☆☆

包装袋坏了 有一只角已经全磨坏了 看着顿时什么心情都没有了 也懒得换了

评分☆☆☆☆☆

挺有意思的

评分☆☆☆☆☆

好！！！！！！！！

评分☆☆☆☆☆

客服太差了，不能忍简直

评分☆☆☆☆☆

看不懂啊

评分☆☆☆☆☆

不错

评分☆☆☆☆☆

孩子喜欢很有趣