中国书法名迹赏析：书谱 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

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杨勇 著

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出版社： 人民美术出版社

ISBN：9787102059198

版次：1

商品编码：11014631

包装：平装

开本：16开

出版时间：2012-04-01

用纸：胶版纸

页数：151

正文语种：中文

内容简介

　　 《中国书法名迹赏析：书谱》为孙过庭所著，出现在大唐垂拱三年（687），是古代草书范本中字数较多的名作之一，且以草法严谨著称，向来被认为是王羲之草书比较忠实的继承者。其用笔、结字颇得王字精神，后世学习草书者，莫不从孙过庭《书谱》中汲取营养。不仅在我国书论史上具有里程碑意义，而且在书法史上有着举足轻重的地位。
　　 《中国书法名迹赏析：书谱》是人民美术出版社出版的大型丛书——“中国书法名迹赏析”之一。该书从碑帖由来、历史掌故、书学理论到用笔规则、章法结构及碑帖释文、集字释例、名家临摹诸方面对历代名碑名帖做深入细致的梳理和分析。并附有高清的碑帖墨迹和拓片。是有志于书法临习、研究及广大学生、爱好者的学书必选。

前言/序言

翰墨丹青：中国古代绘画艺术的流变与审美 一、 引言：凝固的诗意与无声的语言 中国古代绘画，作为中华文明数千年薪火相传的瑰宝，绝非仅仅是对自然景物的简单摹写，它是一种哲学思考、一种人格精神的寄托，更是一种“以形写神”的艺术追求。本书旨在深入剖析中国古代绘画艺术的发展脉络、核心精神、关键流派及其审美范式，带领读者穿越时空，领略从远古岩画到近现代转型时期的恢弘画卷。我们不以断代史的枯燥罗列为目的，而是力求在对经典作品的细致品鉴中，揭示出中国艺术精神的独特性与永恒魅力。 二、 史前与先秦：萌芽期的神秘与图腾 中国绘画的源头深植于远古的生存需求与精神信仰。在史前时代，如岩画和陶器纹饰中，我们看到了早期人类对生命、狩猎和神灵的原始崇拜。线条尚未完全脱离实用性，但已显现出强烈的象征意义。 进入商周时期，绘画开始服务于礼仪和权力。《周礼》中记载的“典雅”与“庄重”，奠定了后世“法度”的雏形。青铜器上的饕餮纹和蟠螭纹，虽然是装饰，却蕴含了极强的秩序感和狞厉之美。虽然实物留存不多，但文献记载为我们提供了探寻早期绘画面貌的线索。 三、 秦汉魏晋：气韵生动的起点与士人精神的觉醒 秦汉时期，随着帝国统一和审美意识的提高，绘画开始走向成熟。墓室壁画（如马王堆汉墓）和帛画（如《人物御龙图》）展现了初具规模的人物造型能力和对“气韵”的初步探索。此时的线条愈发流畅，色彩开始用于表达情感和空间关系。 魏晋南北朝是思想大解放的时代，玄学与佛教的盛行深刻影响了艺术观念。顾恺之以其“以形写神”的理论，标志着中国肖像画和人物画的里程碑。他提出的“传神写照，贵在似与不似之间”，强调的不是生理上的相似，而是精神气质的捕捉。同时，山水画的雏形也开始出现，为后世的宏大叙事奠定了基础。 四、 隋唐：盛世气象与工笔重彩的辉煌 唐代，国力强盛，文化开放包容，绘画艺术进入了全盛时期。 1. 人物画的鼎盛： 阎立本、吴道子是这一时期的代表。吴道子被誉为“画圣”，其画风雄健飘逸，笔法多变，“吴带当风”形容的衣袂飘举之态，极富动感和生命力。周昉的“周家仕女”，则以丰腴华美著称，展现了大唐的雍容气度。 2. 山水画的独立： 李思训、李昭道父子开创的“青绿山水”，以矿物颜料敷色，富丽堂皇，气势恢宏，是宫廷气象的体现。 唐代绘画的特点是重彩、精细、气势宏大，完美映衬了那个时代的时代精神。 五、 宋代：文人画的兴起与院体画的精微 宋代是中国绘画史上最为精微、理性且富含文人情怀的时期。 1. 院体画的极致： 以宋徽宗为代表的皇家画院，对技法进行了空前的规范和细化。画家们在遵循写实基础上，对自然进行高度提炼。如花鸟画中对生态瞬间的捕捉，山水画中对空间层次和光影（皴法、点苔）的精妙处理，达到物我两忘的境界。 2. 文人画的崛起与理论成熟： 以苏轼、米芾为代表的文人士大夫，开始明确提出“论画以形似，见与儿童邻”的观点，强调绘画是抒发个体胸臆、表达学识的工具。他们摒弃了对工匠技法的过度推崇，将书法用笔引入绘画（如米芾的“刷子皴”），使水墨艺术的潜力得到极大释放。 宋代的审美，走向了内敛、含蓄、强调意趣而非表象的深处。 六、 元代：水墨精神的确立与“士气”的宣言 元代，汉族文人遭遇政权更迭，他们的艺术表达从追求“似与不似之间”转向“唯我独尊”的内在精神构建。 “元四家”（黄公望、倪瓒、吴镇、王蒙）将文人画推向了高峰。他们不再满足于描绘具体的山水，而是以“胸中丘壑”为蓝本，将个人的学问、修养和情志，完全融入到笔墨的浓淡干湿之中。水墨语言的纯粹性成为最高标准，书法笔意彻底主导了绘画结构。倪瓒的疏简空寂，更是将“雅”与“逸”的精神推向极致。 七、 明清：流派纷呈与传统的回望 明清时期，绘画艺术进入了多元化与反思期。 1. 明初与吴门画派： 戴进、林良等人继承了院体的精湛技艺，但很快，沈周、文徵明等吴门画家继承了元代遗风，以温润秀雅的笔墨表达江南文人的生活情趣。唐寅以其兼工带写的独特风格，丰富了人物画的表现力。 2. 晚明与“奇肆”： 以徐渭为代表的写意大写意画派，将水墨的解放推向了极端，其狂放不羁的笔法充满了强烈的个性反叛精神，是对儒家传统规范的一种挑战。 3. 清代与“正统”之争： 四王（王时敏、王鉴、王翚、王原祁）主张“以书入画”，力图集前代之大成，是对宋元经典的理性总结，强调“笔墨趣味”和程式化表达。相对地，“四僧”（如石涛、八大山人）则在继承传统的基础上，以怪诞、奇崛、强烈的个人情感来批判僵化的教条，他们的作品充满现代意味的象征性与张力。 八、 结语：永恒的对话 中国古代绘画艺术的魅力，在于它始终围绕着“人与自然”、“有形与无形”的辩证关系展开。从唐代的“气势磅礴”，到宋代的“精微雅正”，再到元代的“水墨抒情”，其核心始终是对“意”的追求。每一笔皴擦点染，都承载着画家的哲学思考和人格温度。本书旨在激活这些沉睡在绢素之上的思想火花，引导读者进行一场跨越千年的艺术对话。

评分☆☆☆☆☆

我一直认为，要真正领会经典，必须跨越时空的限制，与古人进行一场精神上的对话。这本对《书谱》的赏析，无疑提供了一座绝佳的桥梁。它没有固步自封于对单一版本的赞美，而是展现了《书谱》在历史长河中被不同时代书法家如何理解和继承的演变脉络。书中引用的旁证资料非常丰富，涉及到了唐代当时的文风、孙过庭的生平等背景信息，使得整个赏析不再是孤立的文本解读，而是一幅完整的历史图景。读完之后，我感觉自己对“气”、“韵”、“法”、“度”这些看似虚无缥缈的概念，都有了更贴近实践的理解。它引导我去审视自己过去练习中的不足，比如气息不连贯、结体松散等问题，并指明了改进的方向——那正是从《书谱》的精髓中汲取的智慧。这本书不仅是工具书，更是一部能够激发创作灵感和提升审美境界的艺术哲学读物，让我受益匪浅。

评分☆☆☆☆☆

作为一名对中国传统文化抱有深厚热情的业余爱好者，我一直在寻找能将“艺术鉴赏”与“技法解析”完美结合的读物。这本关于《书谱》的赏析集，恰恰满足了我的期待。它的叙事视角非常独特，不再是以传统临帖教材的视角，而是采用了更接近于博物馆导览员的沉浸式体验。它不仅仅展示了《书谱》的字形，更着重于解读孙过庭在书写特定词句时的心境转换。例如，当论及“草不兼行，如地无五谷；今不佐古，如上无贤圣”时，书中配以了极具感染力的图文分析，讲解了行书的流畅感如何支撑草书的跌宕起伏，这种“今古互济”的理念是如何通过线条的张弛表现出来的。这种对创作意图的深度挖掘，让我对如何将个人情感注入笔端有了更具象的认识。它教会我的不是简单地描摹线条，而是如何“思考”线条，如何让线条成为表达内心世界的载体。

评分☆☆☆☆☆

这本书在装帧设计和印刷质量上绝对称得上是精品，这对于赏析类书籍而言至关重要。我收到书后非常惊喜，厚实的纸张保证了即便是墨色变化极其细微的拓片也能得到忠实再现，色彩还原度极高，完全没有市面上一些低成本影印本那种灰暗模糊的感觉。特别是那些需要辨别枯笔、浓墨交融之处，清晰度直接决定了鉴赏的准确性。此外，书中对篇章的划分也十分人性化，它不是简单地按行排列，而是将理论段落与相应的书法范例紧密结合，使得理论和实践的联系一目了然。我发现自己常常停留在某一个局部，对比书中不同版本的细微差异，这种“对读”的体验极大地增强了学习的主动性。相比起那些只提供黑白线条图的字帖，这本书更像是一场精心策划的视觉盛宴，让人在享受艺术美的同时，获得了扎实的理论支持。

评分☆☆☆☆☆

坦白讲，我过去对纯理论的书法书籍总是敬而远之，总觉得晦涩难懂，那些佶屈聱牙的术语让人望而却步。但这本《中国书法名迹赏析：书谱》却成功地做到了“化繁为简，寓理于形”。它的编排逻辑非常清晰，仿佛一位经验丰富的大师在你身边循循善诱。它并没有直接抛出复杂的概念，而是从《书谱》的文本结构入手，结合历代书家的不同版本，对比分析了不同拓本在神韵上的微妙差异。比如，书中对“飞白”的处理，就结合了当时的书写环境和纸张特性进行了跨学科的探讨，这极大地拓宽了我的视野。我过去总以为书法是孤立的技艺，但这本书让我意识到，它深深植根于当时的文化土壤、哲学思想，乃至技术条件之中。阅读体验极其流畅，作者的文笔既有学者般的严谨，又不失文学的韵味，读起来丝毫没有那种枯燥乏味的感觉。每一次翻阅，都能从新的角度去品味那份古朴苍劲之美，实在是一本值得反复咀嚼的佳作。

评分☆☆☆☆☆

这本《中国书法名迹赏析》系列中的《书谱》卷，简直是书法爱好者的福音！我最近沉迷于研究古代墨迹的笔法和章法布局，手里刚好翻开了这本。首先映入眼帘的是它对孙过庭《书谱》的精到解读。不同于市面上那些只罗列字帖、走马观花的介绍，这本书深入挖掘了《书谱》作为一篇书法理论巨著的内涵。它不仅细致地分析了“点、横、竖、撇、捺”等基本笔画在不同语境下的形态变化，还对孙过庭如何将抽象的书法理论——如“气韵生动”、“形神兼备”——融入到具体的行草实践中，做了非常生动的阐述。尤其让我印象深刻的是，书中配有大量的高清局部放大图，那些洇墨的痕迹、笔锋的提按顿挫，都清晰可见，仿佛能触摸到千年前书家的呼吸。我过去对《书谱》的理解多停留在“草书圣经”的表层概念，但读了这本书后，才真正体会到其中蕴含的哲学思辨和对线条语言的极致追求。它不只是教你怎么写，更引导你去思考“为什么这样写”。对于想要从模仿阶段迈向理解和创造的同道中人来说，这本书提供的理论深度和视觉体验是无可替代的。