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☆☆☆☆☆

蒋鑫 编

图书标签:

• 设计
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• 图像处理
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出版社： 化学工业出版社

ISBN：9787122140388

版次：1

商品编码：11059667

包装：平装

开本：16开

出版时间：2012-07-01

用纸：胶版纸

页数：99

正文语种：中文

内容简介

《图形创意》将学生创作设计的作品与成熟经典的作品结合起来，针对艺术设计专业的教学特点，既阐述了图形训练入门各阶段的步骤、练习过程，又较全面地介绍了图形设计的原理、表现手法和形式语言。书中精心收录了标识、招贴、包装、书籍、商业广告、展示设计、时尚类等各个领域中的优秀图形作品，并加以说明与分析，文字简练，内容翔实，信息量大，参考性强。
《图形创意》适合普通高等院校艺术设计类师生使用，也可作为相关从业人员、爱好者自学使用或参考用书。

内页插图

目录

第一章 概述
一、图形创意课程的基本内容
二、图形创意课程的目的和意义
三、图形创意课程与其他课程的关系

第二章 图形与图形创意
第一节 关于图形
第二节 图形的起源与发展
第三节 图形的传达优势
一、图形是传播信息的形象简语
二、图形是最易识别和记忆的信息载体
三、图形是世界通用语言
四、图形具情绪感染力和精神浸透力
第四节 现代图形的特征
第五节 现代图形的设计观念和原则
一、现代图形的设计观念
二、现代图形设计的原则
第六节 关于图形创意

第三章 图形创意的思维挖掘
第一节 图形创意的思维基础
第二节 图形创意的思维方式
一、常规性思维
二、创造性思维
三、思维的表达
四、思维的主要形式

第四章 图形创意的联想与想象
第一节 联想的定义
第二节 想象的定义
第三节 联想的方式
一、相似性联想
二、关联性联想
第四节 单一形态的想象创新
一、打散重构
二、材质异化
第五节 多个形态的组合创新
一、超现实组合
二、技巧型整合
第六节 图形中的空间转换
一、混维图形
二、矛盾空间图形
三、虚画图形

第五章 图形分类与构成形式
第一节 同构图形
一、同构图形概念
二、同构图形分类
三、同构图形构成方法
第二节 元素替代
一、元素替代概念
二、元素替代设计方法
第三节 解构图形
一、解构图形概念
二、解构图形构成方法
第四节 影子构成
一、影像图形分类
二、影子图形构成方法
三、影子图形构成特点与难点
第五节 延异图形
一、延异图形的概念
二、埃舍尔作品中的渐变图形
三、渐变图形的设计特点
第六节 超越时空
第七节 矛盾空间构成
一、矛盾空间图形的含义
二、埃舍尔作品中的矛盾空间图形
三、矛盾空间图形的造型特征与构成方法

第六章 民间图形创意
第一节 中国古代民族图案中的图形
一、中国古代民族图案在造型与表现上的特点
二、中国太极图
三、龙纹
四、金乌与太阳
五、哈木尔图案
六、四喜连娃图与三兔共用耳图形
七、中国结
八、八吉祥图案
第二节 国外图案中的创意元素
一、国外象形文字与字母体系的发展
二、国外纹章图案
三、西方占星术中的星座图形
四、部落图腾
五、几何图形

第七章 图形创意的应用
第一节 图形创意在标识上的应用
一、标识概念阐述
二、标识设计的原则
第二节 图形创意在广告设计上的应用
一、广告设计3I标准
二、广告设计中要遵循的原则
三、广告设计步骤
四、创意及手段
第三节 图形创意在书籍装帧上的应用

第八章 图形创意赏析

参考文献

艺术之维：光影与形式的深度探索 《艺术之维：光影与形式的深度探索》 是一部致力于剖析西方艺术史中，特别是自文艺复兴至现当代艺术思潮变迁过程中，视觉语言如何从模仿自然转向对内在精神和抽象形式的极致追求的学术专著。本书旨在为艺术史爱好者、专业研究者以及对视觉文化抱有深厚兴趣的读者，提供一个多维度、跨学科的解析框架，用以理解图像背后的哲学基础与审美逻辑。 本书的结构围绕三大核心主题展开：光影的叙事功能、形式的本体论转向，以及空间观念的解构与重塑。我们坚信，艺术的进步并非孤立的技术革新，而是人类认识世界、表达存在状态的哲学深化。 第一部分：光影的叙事力量：从自然主义到表现主义 本部分聚焦于光线作为核心表现手段的历史演变，考察其在不同艺术运动中扮演的角色。 第一章：文艺复兴的数学之光——透视与明暗对比的科学性 我们首先回溯到透视法的发明及其在文艺复兴盛期绘画中的应用。本章详细分析了阿尔伯蒂和布鲁内莱斯基所确立的单点透视原则，如何将画面构建为一个理性、可测量的宇宙。重点讨论了达芬奇对“晕染法”（Sfumato）的精妙运用，这种技法模糊了形体边缘，赋予了人物以生命的气息和心理深度，标志着光影不再仅仅是描绘体积的工具，而是渗透个体情感的介质。伦勃朗的戏剧性光照（Chiaroscuro）被作为晚期巴洛克时期光影叙事的巅峰进行剖析，考察他是如何利用强烈的明暗对比来引导观者视线，烘托宗教或历史场景的崇高感与紧张感。 第二章：浪漫主义的内在之光——情感的晕染与氛围的营造 进入浪漫主义时期，光影的焦点从外部世界的准确再现，转向了艺术家主观情感的投射。本章研究了特纳（J.M.W. Turner）的水彩与油画中，光线如何成为一种近乎抽象的力量，吞噬清晰的轮廓，象征着人类面对自然宏伟力量时的敬畏与迷失。我们探讨了“光即是情绪”的观念是如何取代“光即是知识”的启蒙理想，以及这种主观性如何为后来的印象派和象征主义铺平了道路。 第三章：印象派的光线革命——时间切片的科学与美学 印象派对瞬间光线的捕捉是艺术史上的一次重大飞跃。本章深入分析了光学理论（如色彩互补和视觉混合）对莫奈等画家的影响。我们不仅仅将其视为对户外景色的记录，更将其视为对“观看行为”本身的研究。通过对同一主题（如鲁昂大教堂或干草堆）系列作品的对比分析，揭示了艺术家如何通过细微的光线变化来捕捉时间流逝的维度，从而将画布转化为一个记录光子撞击感官的动态场域。 第二部分：形式的本体论转向：从再现到构建 第二部分将视角转向艺术形式的内在结构，探讨艺术家如何开始质疑“像不像”的传统标准，转而探索线条、平面、色彩块自身的物质性和精神性。 第四章：后印象主义的形式提纯——结构、色彩与象征 塞尚、梵高与高更构成了从印象派到现代主义的桥梁。本章细致考察塞尚如何通过几何体（圆柱、球体、圆锥）来“解构”自然，预示了立体主义对形式的几何化处理。同时，高更在塔希提岛的实践，则展示了色彩如何脱离描绘对象的限制，直接传达原始的、异域的生命力。梵高对旋涡状笔触的运用，则被解读为对内在心理张力的视觉化表达，光影与形式的融合达到了一种狂热的统一。 第五章：立体主义的维度错位——多重视角与时间并置 立体主义是形式本体论探讨的高峰。本章详细梳理了毕加索和布拉克的分析立体主义（Analytical Cubism）如何系统性地打破了文艺复兴以来建立的单一视点框架。我们分析了如何通过切割、重叠和透明化处理，将物体在空间中展开，实现“时间的并置”。这不是对现实的描绘，而是对“理解”现实这一认知过程的视觉模型化。 第六章：抽象表现主义的行动与物质性——行动绘画的物理维度 进入20世纪中期，艺术的重心彻底转向了艺术家的“行动”与媒介的物质属性。本章重点讨论了波洛克（Jackson Pollock）的“滴画”技术。我们探讨了如何理解画布不再是“窗户”，而是“竞技场”。行动绘画的意义在于记录了身体与材料之间、重力与偶然性之间的物理互动，这是一种去中心化的、无意识的生成过程，直接挑战了传统绘画的构图法则。 第三部分：空间观念的解构与重塑：从无限到封闭 本书的第三部分探讨了艺术家如何操纵或消除空间错觉，以创造新的观者体验。 第七章：形而上画派的空间焦虑——静止的永恒与不确定的深度 本章分析了德·基里科（De Chirico）作品中那种奇异的、无人的广场场景。这些画面常常运用拉长的阴影和不合逻辑的透视，营造出一种既熟悉又陌生的“形而上学”空间。我们研究了这种空间如何表达了现代人对城市化、理性主义破产后的存在性焦虑，以及对古典秩序消逝的追忆。 第八章：极简主义的去除与物质的在场——空间的去叙事化 极简主义（Minimalism）是空间观念的终极清洗。本章分析了唐纳德·贾德（Donald Judd）和卡尔·安德烈（Carl Andre）的作品，考察他们如何通过工业材料和简单的几何体，消除绘画中的任何叙事或象征负载。重点在于讨论“特定物”（Specific Object）理论，以及极简艺术如何迫使观者面对作品作为物理实体的直接在场感，空间不再是背景，而是作品定义自身边界的一部分。 第九章：观念艺术与空间的消解——从物质到思想的转移 最后，本章讨论了观念艺术（Conceptual Art）如何将“空间”的载体从视觉和物质性中彻底解放出来。当艺术成为一种思想或指令时，作品的“空间”便转移到了观者的心智领域。我们以约瑟夫·科苏斯（Joseph Kosuth）的作品为例，探讨了语言如何取代了传统的视觉空间，使得艺术的讨论转向了符号学和语言哲学领域。 结语：未来的视觉场域 全书的结论部分总结了从光影到形式，再到空间观念的渐进式转变，强调了每一次视觉范式的革命，都对应着人类心智对世界理解方式的深层重构。本书最终引导读者认识到，艺术史是一部关于“观看”与“理解”的连续辩证过程，而未来的视觉场域，将是在技术与哲学不断碰撞中诞生的全新体验。 本书插图丰富，包含大量高清艺术作品的细节放大图和对比图，并配有详尽的术语表和参考书目，为深入研究提供了坚实的基础。本书的语言风格力求学术的严谨性与阅读的流畅性相结合，避免了空洞的赞美和晦涩的行话，旨在还原艺术史家对视觉语言的冷静而热烈的求真过程。

评分☆☆☆☆☆

第四段评价 这本书的目录结构给我留下了极为深刻的印象。它并非简单的线性叙事，而更像是一张精心编织的知识网络，每一个章节之间都存在着微妙的关联和相互的指引。我注意到它似乎从“观察世界的角度”开始切入，然后逐步深入到“信息捕捉的技巧”，最终导向“输出与反馈的循环”。这种层层递进的设计，体现了作者对知识体系构建的深刻理解。它没有急于展示最终的“惊人成果”，而是花费大量篇幅讨论了前置条件和底层逻辑。这无疑是成熟的标志，它教导读者，比起追求瞬间的灵光乍现，更重要的是构建一个持续产生高质量输入的稳定机制。这种对基础功的重视，在如今这个追求速成的时代，显得尤为珍贵和难能可贵。

评分☆☆☆☆☆

第五段评价 在接触这本书之前，我对于“跨界融合”总是持有一种朦胧的向往，总觉得那是一种天赋异禀者的能力。然而，这本书的某些篇章似乎在挑战这种固有认知。它通过一系列令人意想不到的案例对比，展示了如何巧妙地从完全不相关的领域中提取“结构”或“模式”，并将它们嫁接到自己的创作母体中。我甚至看到了一些关于材料科学与叙事结构结合的讨论，这让我大开眼界。它展现的不是简单的“拼凑”，而是一种深层次的“类比推理”能力。这感觉就像是获得了一把万能钥匙，可以打开不同领域的逻辑大门，从中汲取养分。这本书没有提供现成的答案，它提供的是一套强大的“联想引擎”，鼓励读者主动去建立那些别人尚未发现的连接点，这才是真正意义上的创新驱动力。

评分☆☆☆☆☆

第一段评价 这本书的装帧设计简直是一场视觉盛宴，厚实的纸张，细腻的触感，即便是尚未翻开扉页，就能感受到创作者在每一个细节上倾注的心血。封面那一抹跳跃的色彩，如同某种神秘的符号，让人迫不及待想一探究竟。内页的排版布局也极其考究，留白恰到好处，既不会显得空旷，也不会让人感到压迫。我尤其欣赏它那种克制而又富有张力的设计语言，每一个元素似乎都在讲述一个关于美学和秩序的故事。虽然我还没来得及深入阅读其中的理论或案例，但仅凭其作为一件“物体”的呈现方式，就已经超越了普通书籍的范畴，更像是一件值得收藏的艺术品。它成功地用物理形态向读者发出了邀请函，暗示着即将进入一个精心构建的、充满想象力的空间。这种对载体的极致追求，本身就是一种对“创意”的最高礼赞，让人对手头的这本书抱持着近乎朝圣般的期待。

评分☆☆☆☆☆

第二段评价 我最近在整理我的工作坊资料时，偶然发现了这本书，它散发出一种令人安心的、结构化的气质。虽然我主要关注的是流程优化和效率提升，但翻阅这几页下来，我发现作者对于“系统性思维”的阐述非常到位。它似乎在探讨如何将那些看似随机、散乱的灵感碎片，通过某种逻辑框架进行梳理、提炼，最终形成一套可复用、可迭代的执行体系。那些图示化的表达方式，即便只是匆匆一瞥，也透露出一种严谨的学术底蕴，仿佛在告诉我，伟大的“创意”绝非空中楼阁，而是建立在坚实的方法论之上的。这对于我这种需要将创意落地到实际项目中的人来说，无疑提供了宝贵的参照系。它不是那种泛泛而谈的“心灵鸡汤”，而更像是一本操作手册，指导我们如何将那些脑海中的火花转化为具有实际效能的成果。我期待深入学习其中关于分解与重组的技巧。

评分☆☆☆☆☆

第三段评价 说实话，我原本以为这会是一本偏向理论晦涩的专业读物，毕竟市面上探讨“创意”的书籍往往充斥着大量的哲学思辨，让人望而却步。但这本书的语言风格却异常的亲切和平易近人，仿佛一位经验丰富的老前辈，正坐在你对面，用最朴实的语言，分享他多年摸爬滚打的心得体会。那种娓娓道来的叙事感，让你在阅读时几乎感受不到任何认知上的阻力。它没有故作高深的术语堆砌，而是大量采用生活化的场景和比喻，将抽象的概念具象化。这使得即便是对设计或艺术领域不甚了解的门外汉，也能迅速捕捉到其核心思想。这种“去精英化”的表达策略，极大地拓宽了这本书的受众范围，它成功地将原本高高在上的“创意”拉下了神坛，让每个人都相信自己有能力去进行更高质量的思考和表达。