《Optical Illusions 错视之美》+《对话日本设计》套装平面视觉设计书籍 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

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店铺： 高色调图书专营店

出版社： sandu

ISBN：111111111111

商品编码：11090396261

描述信息

【基本信息】

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【内容提要】

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作者：   sandu publishing  
基本资料：   210×285mm，240P , 英文
定价：280元  
人的经验和视觉很容易欺骗自己，营造假象，构成虚假但视觉效果强烈的图像。《错视之美— 视错觉手法创意应用》就是一本表现设计师如何利用简单的线条和简约的图形，创作出令人印象深刻的视觉图像，从而有效地推动品牌推广或加深作品影响力。通过平面构成、参照物的构思以及重叠的手法，设计师创作出四种欺骗视觉的方法：线条和曲面；重叠图像；3D视错觉；失真空间体验，让简单的元素表现出强烈的冲击力。这本书精选了全球超过100个案例，为设计学生、视觉创作者以及追求强烈视觉表现的设计师提供优秀的参考元素。
  
  
  
  
  
  


  
作者：   sandu publishing  
基本资料： , 中文  
定价：49元    
三度出版集团2015年度力作，记录日本设计的现在进行时。
设计大师深泽直人、靳埭强、李永铨连袂推荐。
香港EDITED首席书籍设计师胡卓斌担纲设计。
《对话日本设计》收录了与“负建筑理论”的建筑大师隈研吾，MT和纸胶带创意指导居山浩二，NDC新锐色部义昭，以“爱和关怀”进行设计的SPREAD，当代日本一流广告创意人青木克宪，平面设计大师、真正的视觉创作者中岛英树的对话。
特种纸张，全彩印刷，精美装帧，一百多张高清彩图，分享了日本设计大师较新的案例、创意、思考以及哲学，领略日本一线设计工作者的坚持与追求，以及对传统与新生的思考。    
  
  
  
  
  
 

【书摘和插图】

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《Optical Illusions 错视之美》 探索视觉的边界，解构我们所“见”的真实 这是一本关于视觉感知奥秘的深度探究之作，它以严谨的科学态度和艺术家的敏锐视角，带领读者深入人类视觉系统的迷人领域。我们习以为常的“看见”，实则是一系列复杂的大脑解读过程。本书旨在系统梳理和呈现那些挑战我们日常经验、揭示大脑处理信息的内在逻辑的经典与新颖的错视现象。 第一部分：错视的科学基石——从生理到心理 本部分将从神经科学和认知心理学的角度，为读者建立理解错视的理论框架。我们将探讨眼睛如何接收光信号，以及这些信号在大脑皮层经过怎样的处理、整合与“猜测”后，形成了我们最终感知到的二维或三维世界。 视觉系统的运作机制： 详细介绍视网膜上的感光细胞、视觉通路，以及大脑视觉皮层的分工，解释为什么某些特定的图像结构能够“欺骗”这些高度进化的系统。 感知与知觉的张力： 区分“感觉”（Sensation）的物理输入和“知觉”（Perception）的主观建构。错视正是揭示了知觉并非对现实的精确复刻，而是大脑基于经验、期望和上下文进行的快速预测。 时间与运动的错觉： 深入分析斯坦纳错觉（Stroop Effect）、赫尔姆霍兹的“无意识推断”理论，以及运动轨迹与静止图形结合时产生的动态错觉，理解大脑如何填充信息缺失的部分，以保持连续性的感知。 第二部分：几何与结构的魔术——经典的几何错视分析 几何错视是最为直观、也是研究最为深入的一类错觉。本书将细致解构一系列著名的几何图形，不仅展示它们的奇特效果，更剖析其背后的几何原理和对比效应。 长度、大小与角度的误判： 对庞氏错视（Ponzo Illusion）、米勒-莱尔错视（Müller-Lyer Illusion）进行详尽的几何测量和分析，探讨环境参照物（如透视线索）如何影响我们对物体尺寸的判断。 明度与色彩的相对性： 介绍赫尔曼网格（Hermann Grid）、同时对比效应。解析人眼对亮度变化的敏感性，以及颜色在不同背景下的剧烈变化，揭示了视觉恒常性（Color Constancy）的局限性。 形状与透视的陷阱： 剖析阿姆斯特朗房间（Ames Room）的原理，解释三维空间信息是如何被二维平面上的透视线索误导，以及人脑对规则性（如直线、平行线）的强烈倾向如何被利用。 第三部分：艺术与设计的交汇点——错视在美学中的应用 错视不仅仅是科学实验的对象，它更是艺术创作中强大的表达工具。本部分聚焦于错视在视觉艺术、雕塑、建筑和平面设计中的实践与哲学意义。 从文艺复兴到现代艺术： 追溯艺术史中对透视法和光影运用的探索，这些技术本身就是对视觉规律的精妙操控。探讨文艺复兴时期画家如何利用精确的几何透视来营造深度感。 动态与抽象艺术的运用： 分析后印象派、立体主义和欧普艺术（Op Art）如何直接利用视觉错觉原理制造运动感、振动感或空间扭曲感。重点解析布里奇特·莱利（Bridget Riley）等艺术家的作品，理解抽象几何如何直接作用于观看者的神经系统。 雕塑与空间体验： 探讨三维艺术中如何通过雕塑的非欧几里得几何形态，或在特定观看点设置的“魔术点”，来创造出只有从单一角度观看时才成立的完美图像，模糊了物体本体与其表象之间的界限。 第四部分：错视的延伸与未来——认知边界的拓展 本书的最后部分将视野投向错视现象在更广阔的认知科学、人机交互和未来设计中的潜在价值。 错视与学习： 探讨通过分析错视，我们可以更好地理解儿童的视觉发展，以及如何设计更有效的教育工具。 虚拟现实与错视工程： 在沉浸式技术（VR/AR）日益成熟的背景下，精确控制错视成为创造逼真虚拟环境的关键技术。解析如何利用错觉来模拟重力、距离和光照。 哲学反思： 错视提醒我们，我们所感知的世界并非“客观存在”的全部，而是一个由我们的大脑主动构建的模型。本书鼓励读者对“眼见为实”这一信条进行深刻的反思，培养一种批判性的视觉素养。 《Optical Illusions 错视之美》 不仅是一本视觉享受的画册，更是一部深入探索人类心智与感官互动边界的智力冒险。它将改变你观看世界的方式。 《对话日本设计》 从手工艺的温度到极简的哲学：洞察日本设计思维的精髓 本书并非对日本设计风格的肤浅罗列，而是一次深入其文化、历史和哲学内核的系统性对话。它旨在解析“日本设计”（Japanese Design）这一复杂而迷人的概念，探究其背后驱动力——如何将传统美学原则，如侘寂（Wabi-Sabi）、留白（Ma）和自然和谐，转化为具有全球影响力的现代设计语言。 第一章：设计的精神底色——根植于历史与宗教的土壤 日本设计的独特性，无法脱离其历史脉络和精神信仰。本章追溯设计理念的源头。 神道、禅宗与空间意识： 探讨神道教万物有灵的观念如何影响了对材料的尊重和对自然的敬畏。深入分析禅宗思想中对“空”（Void）与“不完美之美”的推崇，如何塑造了对极简主义的独特诠释。 “间”（Ma）的艺术： 详细解析“间”——不仅仅是空间上的留白，更是一种时间上的停顿、情感上的留余。探讨“间”如何在建筑、平面布局乃至人际交往中扮演核心角色。 传统工艺的传承与演变： 聚焦于漆器、陶艺、和纸等传统技艺，分析这些强调手工、缓慢制作和材料本真的方式，如何潜移默化地影响了现代设计师对“真实性”（Authenticity）的追求。 第二章：现代设计的觉醒与冲突——战后重建与西方影响的融合 二战后，日本设计在快速工业化和吸收西方现代主义的过程中，经历了一场深刻的自我重塑。 从民艺运动到现代主义的过渡： 梳理柳宗悦的民艺思想如何为本土设计奠定基础，并解析其与柯布西耶等西方现代主义思潮的碰撞与融合。 “设计四十年”的黄金时代： 重点分析1950至1980年代，日本设计走向世界舞台的关键时期。探讨以“日本设计中心”为代表的机构如何推动设计标准化和国际化。 科技与人性化的平衡： 分析索尼、丰田等企业如何在其产品设计中，成功地将尖端技术与细致入微的用户体验相结合，创造出既高效又充满人情味的产品哲学。 第三章：设计美学的核心原则——极简、克制与细节的极致 本章提炼出日本设计中最具辨识度的美学特征，并结合具体案例进行剖析。 克制的优雅（Restrained Elegance）： 探讨日本设计如何通过材料的选择、色彩的运用（如灰度、大地色系）和形态的简化，实现一种不张扬但极具力量感的视觉表达。 细节的强迫症： 分析日本设计对“完美”的追求，体现在对连接件、接缝、字体排印等微小元素的偏执级打磨。例如，对工具人体工学的精细考量，以及在包装设计中对开合体验的重视。 材料的叙事性： 探讨如何让材料本身说话。例如，暴露木材的纹理、金属的氧化过程，甚至在建筑中使用未加过多修饰的混凝土，让时间与自然成为设计的一部分。 第四章：当代设计的前沿对话——全球化语境下的新探索 当代日本设计师正如何回应全球性挑战，并在保持本土精神的同时，探索新的设计领域。 建筑与场所精神： 聚焦安藤忠雄、隈研吾等建筑大师的作品，分析他们如何通过光线、水体和自然材料，在严格的基地限制下，创造出与环境深度对话的场所精神。 新一代的颠覆者： 考察年轻一代设计师在平面设计、时尚和交互设计领域中的创新，他们如何在保持对传统的敬意时，融入了后现代的复杂性与全球性的议题。 可持续性与循环设计： 探讨日本在“减法设计”中蕴含的循环经济潜力，以及他们如何通过延长产品寿命、注重材料的再利用，实践一种内在的可持续性。 《对话日本设计》是一部深度访谈录，它邀请读者超越符号化的认知，去理解构成日本设计生命力的文化代码。它提供的不仅是设计案例，更是一套看待事物、对待生活和构建秩序的全新思维模型。

评分☆☆☆☆☆

作为一名长期从事平面设计工作的人士，我深知理论学习与实践灵感的同等重要性。这套书恰好完美地平衡了这两个需求。《错视之美》提供了强大的视觉底层逻辑和分析工具，让我能更好地理解信息层级和焦点控制；而《对话日本设计》则提供了丰富的设计语境和人文思考，让我明白“为什么要做”比“怎么做”更为关键。以前我可能过于关注软件技巧和流行趋势，但这套书让我重新审视了设计的本质——它是如何影响人的感知，又是如何承载文化的。我计划将书中的一些案例拆解出来，重新绘制和分析，尝试用日本设计中的“留白”概念去处理那些原本拥挤的错视图形，看看能否创造出既有冲击力又保有呼吸感的全新作品。这套书不仅仅是知识的堆砌，更像是两把风格迥异的钥匙，分别打开了感官的迷宫和文化的心门，对于提升设计师的综合素养具有不可估量的价值。

评分☆☆☆☆☆

从装帧和印刷质量来看，这套书的制作水准绝对称得上是精品。纸张的选择非常到位，无论是展示那些色彩鲜艳的错觉图形，还是重现日本设计中那些低饱和度的、富有肌理感的摄影作品，都表现出了极佳的色彩还原度和清晰度。尤其是《错视之美》中那些需要精确对位的图形，印刷一旦稍有偏差就会完全失去效果，但拿到手的这本成品，线条干净利落，过渡自然，可见印刷环节是下了大功夫的。而《对话日本设计》中的高质量照片，无论是建筑内景还是产品特写，都将材质的细微差异表现得淋漓尽致。对于视觉工作者而言，书籍本身的质感也是一种不可或缺的体验。摸着书页，感受着纸张的厚度和温度，本身就是一种对设计媒介的尊重和体验，这套书在这方面绝对没有让人失望，它本身就是一套优秀的视觉作品。

评分☆☆☆☆☆

这两本书放在一起，产生的化学反应是令人兴奋的。一边是探索视觉的极限与欺骗性，另一边则是沉浸于东方设计的沉静与内敛。我的工作室里现在时常播放着一些轻柔的日本民乐，然后我就翻开《错视之美》研究那些动态的几何结构，试图在那种动感中寻找一种视觉的平衡点。这种对比非常有趣：错视艺术挑战了我们的既定认知，而日本设计则教导我们如何与空间和谐共处。我发现，当我试图将错视艺术中那种强烈的、对抗性的视觉冲击，用日本设计中那种温和的、层次分明的处理方式来中和时，往往能产生非常新颖且富有张力的视觉效果。这种跨文化的碰撞和融合，极大地拓宽了我的设计语言，让我的作品不再是单一维度的表达，而是融合了理性的视觉科学和感性的文化内涵。

评分☆☆☆☆☆

《对话日本设计》这本书，则为我的设计视野打开了一扇通往东方美学的大门。相较于西方设计更强调功能和效率，这本书里展现的日本设计哲学，那种对细节的极致追求和对“间”的深刻理解，给我带来了极大的震撼。我尤其欣赏书中对几位重量级设计师的深度访谈，他们对于材料的敬畏、对于手工技艺的坚持，以及如何在现代主义的框架下融入传统文化的精髓，这些思考都非常具有启发性。阅读过程中，我仿佛能感受到那种侘寂（Wabi-sabi）的美学精神——接受不完美，欣赏自然和时间的痕迹。书中对字体设计和排版的处理也极为考究，每一页的留白、每一处文字的间距，都体现了“少即是多”的精髓。对于那些希望在自己的作品中注入更多人文关怀和文化深度的创作者来说，这本书提供了极佳的参照和灵感源泉，它教导我们如何用更克制、更诗意的方式来表达设计思想。

评分☆☆☆☆☆

这套《Optical Illusions 错视之美》与《对话日本设计》的组合，简直是为视觉艺术爱好者量身定做的一场盛宴。我拿到手时，首先被《错视之美》的封面吸引住了，那种线条的交织和色彩的碰撞，本身就带有一种令人着迷的魔力。这本书的内容非常扎实，它不仅仅是简单地罗列那些经典的错觉图片，而是深入浅出地解析了人眼和大脑是如何被“欺骗”的。从阿姆斯特朗的视错觉到彭罗斯三角的悖论，作者用清晰的图例和易懂的语言，带我走进了一个充满视觉陷阱的奇妙世界。我特别喜欢它对心理学原理的阐述，理解了为什么我们会看到那些“不存在”的图案，那种豁然开朗的感觉非常棒。这本书让我对日常生活中那些习以为常的视觉经验产生了深刻的怀疑，也让我开始以一种全新的、更具批判性的眼光去审视周围的图像信息。它不仅仅是视觉娱乐，更是一堂关于感知和认知的生动课程，非常适合设计师、艺术家，以及任何对人类视觉系统感到好奇的人。

评分☆☆☆☆☆

是不错

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书本案例不错

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看着不错。

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还没看，还不错

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评分☆☆☆☆☆

书很棒，印刷很漂亮，也让我多了一些设计灵感

评分☆☆☆☆☆

书很棒，印刷很漂亮，也让我多了一些设计灵感

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