钢琴即兴伴奏简明教程（套装上下册） pdf epub mobi txt 电子书 下载 2026

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王敬强，王永刚 著

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• 实用技巧
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出版社： 上海音乐学院出版社

ISBN：9787806928295

版次：1

商品编码：11158650

包装：平装

开本：16开

出版时间：2013-01-01

用纸：胶版纸

页数：272

套装数量：2

正文语种：中文

内容简介

　　《钢琴即兴伴奏简明教程（套装上下册）》是一部有关歌曲即兴伴奏学习的实用型速成教材。学习者需要具备一定的键盘弹奏技能、伴奏音型及伴奏织体运用的掌握、键盘和声等综合音乐知识等，才能学习得更为快捷。同时本书对于不同音乐综合技术水平的学习者有着不同讲授即兴伴奏的方式方法，比较能够适应广大学习者的学习需求。全书五章节，内容包括绪论、调式、调性中的学习重点、伴奏音型与伴奏织体综述等。本书给供相关学者参考阅读。

目录

第一章 绪论
第一节 即兴伴奏与即兴演奏
一、即兴伴奏
二、即兴演奏
第二节 关于歌曲即兴伴奏的作用
第三节 即兴伴奏速成的三大要素
第四节 学习即兴伴奏的准备练习以及注意事项
第五节 固定唱名法与首调唱名法
一、固定唱名法
二、首调唱名法
第六节 学习键盘和声的五项原则
第七节 和弦标记法
第八节 常用和弦的“色彩”分类
第九节 为歌曲配置和弦的基本方法及注意事项
第十节 和弦一览表
一、常用和弦表
二、24个大小调正和弦一览表
三、24个大小调正和弦原位与转位表

第二章 调式、调性中的学习重点
第一节 调式与调性
常用音阶一览
第二节 调式与调性中练习的重点
一、24个大小调音阶的练习
二、24个大小调中大三和弦与小三和弦的琶音练习
三、12个属七和弦（大小七和弦）的琶音练习
四、12个减七和弦的琶音练习

第三章 伴奏音型与伴奏织体综述
第一节 伴奏音型与伴奏织体
第二节 常用伴奏音型与伴奏织体练习
第三节 即兴伴奏中常用节 奏型的使用
一、欧美现代风格常用节 奏型
二、中国民族歌舞曲常用节 奏型

第四章 键盘和声的连接以及实际运用
第一节 大调正三和弦、属七和弦的概念以及伴奏使用
一、大调正三和弦的概念
二、大调正三和弦、属七和弦的连接练习
三、大调正三和弦、属七和弦的原位与转位
四、左右手正三和弦、属七和弦在大调中的简易连接方式
五、运用正三和弦、属七和弦为大调音阶配置和声
六、歌曲伴奏的终止式
七、歌曲伴奏练习
第二节 小调正三和弦、属七和弦的概念以及伴奏使用
一、小调正和弦的概念
二、小调正三和弦、属七和弦的连接
三、小调正三和弦、属七和弦的原位与转位
四、左右手正三和弦、属七和弦在小调中的简易连接方式
五、运用正三和弦、属七和弦为小调音阶配置和声
六、歌曲伴奏练习
第三节 如何快速掌握24个大小调式中正和弦的方式方法
第四节 大调式与小调式中副和弦的概念及使用
一、大调式与小调式中副三和弦的概念
二、大调式与小调式中副三和弦的连接练习
三、副三和弦在歌曲伴奏中的应用
四、大调式与小调式中副七和弦的概念及使用
第五节 更多和声语汇的变化使用
一、大小调式交替的和声使用
二、大调式与小调式中副属七和弦的概念及使用
三、重属和弦（DD）与IV级副属和弦（sD）的概念及使用
四、大调中bⅢ、bⅥ、bⅦ级的使用
五、那坡里和弦的使用
六、离调和弦的简易使用
七、减七和弦（副属导七和弦）的运用
八、重属增六和弦与属变和弦
九、九和弦、十一和弦、十三和弦的弹奏方法以及应用
第六节 中国民族调式的和声编配方法
一、宫调式歌曲和声编配方法
二、商调式歌曲和声编配方法
三、角调式歌曲和声编配方法
四、徵调式歌曲和声编配方法
五、羽调式歌曲和声编配方法

第五章 歌曲即兴伴奏中其他需要解决的重要问题
第一节 歌曲的前奏、间奏、尾奏如何布局
一、前奏
二、间奏
三、尾奏
第二节 即兴伴奏中旋律常用的表现手法
一、单音旋律式
二、左手旋律式
三、用双音方式弹奏歌曲的旋律
四、用装饰性手法弹奏旋律
五、用省略个别音的方式弹奏旋律
六、八度方式
七、用和弦的方式弹奏歌曲的旋律
第三节 如何填充加花——乐句长音、休止处的伴奏处理
一、歌曲伴奏填充加花
二、填充加花的具体方法
第四节 复调式伴奏方式的常用手法
第五节 歌曲即兴伴奏中常用转调的方式方法
一、近关系转调
二、远关系转调
第六节 单声部五线谱即兴伴奏快速入门的方法
第七节 合唱谱即兴伴奏的要点
第八节 Blues、爵士、流行歌曲即兴伴奏入门的简易方法
第九节 歌曲的体裁、结构与即兴伴奏的关系
第十节 即兴伴奏中歌曲的分类 显示部分信息

前言/序言

古典音乐的殿堂：巴赫到德彪西的钢琴艺术探索 本书旨在为钢琴学习者提供一个系统而深入的视角，探索自巴洛克时期到印象主义时期，西方古典音乐发展脉络中的核心技巧、风格特征与演奏实践。我们专注于分析那些塑造了钢琴音乐史的重要作曲家，并提供实用的练习方法，以提升演奏者对不同历史时期作品的理解与再现能力。 第一部分：巴洛克时代的逻辑与结构——键盘上的秩序与对位 本卷首先将目光投向键盘音乐的奠基时期——巴洛克时代。这一时期的音乐以其严谨的结构、清晰的和声逻辑以及精妙的复调技巧而著称。我们将重点剖析这一时期最重要的音乐体裁与技术。 一、巴赫的键盘世界：对位法的精粹 约翰·塞巴斯蒂安·巴赫（J.S. Bach）无疑是这一时期的集大成者。本书将深入解析《平均律键盘曲集》（The Well-Tempered Clavier）中的赋格曲结构，探讨其主题的呈示、展开、插入与转调等核心要素。我们不满足于表面演奏，而是致力于揭示赋格曲中隐藏的数学般精准的逻辑关系。 赋格曲分析实例： 以C大调第一号赋格为例，详细剖析主部、间奏、中段、再现段落的划分，以及如何通过声部线条的独立性来体现“众声部”的对话感，而非简单的旋律叠加。 托卡塔与前奏曲的即兴精神： 探讨巴赫作品中“即兴”成分的体现——如何运用连续的跑动、和声模进与装饰音来营造一种持续推进的能量感，这与后世浪漫主义的即兴有本质区别。 二、意大利与法国的键盘风格：组曲的装饰与自由 除了巴赫，我们还将考察乔治·弗里德里克·亨德尔（G.F. Handel）以及多梅尼科·斯卡拉蒂（D. Scarlatti）的作品。 斯卡拉蒂奏鸣曲的“西班牙风味”： 分析斯卡拉蒂单乐章奏鸣曲中频繁使用的快速琶音、颤音、大幅度的跳跃与右手与左手的模仿，这些技术是当时西班牙民间音乐影响的结果。我们将指导读者如何运用手指的独立性和手腕的放松来高效完成这些技术挑战。 组曲的规范化： 深入探讨巴洛克组曲（Suite）的固定结构——阿勒曼德（Allemande）、库朗特（Courante）、萨拉班德（Sarabande）和吉格（Gigue）的节奏特征与情感基调。学习如何根据不同舞曲的律动来调整触键力度与速度的细微变化。 三、演奏实践：指法与触键的时代性 巴洛克音乐的演奏要求清晰的声部分离和对位线的保持。本书将详细指导如何通过精确的指法设计，确保低声部、中声部和高声部各自独立且清晰地发出声音。触键方面，强调“颗粒感”和“清晰度”，避免浪漫派的“揉”与“融”。 第二部分：古典主义的平衡与形式——奏鸣曲结构与清晰的表达 进入十八世纪中后期，音乐进入了以平衡、清晰的结构和清晰的旋律轮廓为标志的古典主义时期。海顿、莫扎特和贝多芬奠定了现代钢琴演奏曲目的基石。 一、奏鸣曲式的解构与重建 奏鸣曲（Sonata Form）是古典主义音乐的骨架。本书将从结构上彻底解构呈示部、展开部和再现部，帮助演奏者理解作曲家在主题发展中的“戏剧性”处理。 主题的性格化： 分析海顿作品中诙谐（Scherzando）与深刻并存的特点，以及莫扎特乐句中清晰的“歌唱性”（Cantabile）的表达。 贝多芬的结构革命： 重点研究贝多芬如何拓展展开部的长度，甚至在再现部加入“次呈示部”，如何通过调性冲突来制造张力。理解这些结构是为了让演奏者在演奏时，声音的力度和音色能与音乐的结构冲突相匹配。 二、奏鸣曲的演奏技术：重量与线条 古典主义钢琴演奏强调“清晰的线条感”与“平衡的音量控制”。 触键的转变： 随着钢琴音域的拓宽和音量的增大，触键从巴洛克时代的指尖独立，逐渐转变为手臂重量的运用，但这种重量的传递必须是精准和克制的，以保证音符的清晰度而非模糊的“糊”声。 装饰音的处理： 详细区分古典时期的装饰音（如回音、颤音）在不同位置的演奏规范，它们必须服务于旋律的清晰性，而不是成为炫技的工具。例如，莫扎特颤音的起始位置与结束方式，与巴洛克时期有显著差异。 第三部分：浪漫主义的抒情与个性——情感的自由表达与技巧的极致发展 十九世纪，钢琴音乐进入了高度个性化和情感化的浪漫主义阶段。肖邦、李斯特等人的出现，彻底拓宽了钢琴的演奏技法与音乐表现的可能性。 一、肖邦的“歌唱性”与手指的独立训练 弗雷德里克·肖邦（F. Chopin）被誉为“钢琴诗人”。他的作品要求演奏者掌握一种“歌唱的”触键方式，即使在快速的琶音或复杂的段落中，旋律线也必须保持如声乐般连贯。 夜曲（Nocturne）的情绪处理： 探讨如何通过踏板的精确运用和音色的细微变化，来营造夜晚的冥想与忧郁氛围。我们将分析肖邦的踏板标记，并解释其背后的和声逻辑。 练习曲（Études）的技术突破： 详细分析《练习曲》Op. 10和Op. 25中的核心技术点，例如左手和弦的流畅性、跨越式的琶音、极快速的音阶跑动等。强调技术训练的最终目的，是将技术“内化”为音乐表达的工具。 二、李斯特的辉煌与“交响化” 弗朗茨·李斯特（F. Liszt）将钢琴的潜力推向了新的极限，他的作品充满了管弦乐般的宏大和英雄气概。 和声的色彩变化： 研究李斯特如何运用宽广的音域和复杂的和弦色彩来模拟乐队效果。 演奏的“舞台感”： 分析李斯特作品中对“炫技”元素的需求，并提供应对超高难度技巧（如三度、六度音阶、快速重复音）的有效练习策略，重点在于身体的协调与能量的合理分配，避免过度紧张。 第四部分：印象主义的色彩与朦胧——触键的“消融”与音色的探索 十九世纪末至二十世纪初，以德彪西（Claude Debussy）和拉威尔（Maurice Ravel）为代表的印象主义音乐，标志着钢琴演奏技术和美学观的又一次重大转向。 一、德彪西的“水波纹”效果 德彪西的音乐追求瞬间的印象和氛围的营造，而非古典主义的结构逻辑。 和声的解放： 探讨全音阶、五声音阶以及和弦的并置如何创造出“朦胧”的音响效果。演奏者需要学会“模糊”清晰的界限。 踏板的无限可能： 德彪西对延音踏板的运用更为大胆和宽泛，目的是让和声“相互渗透”，制造出光影交错的听觉效果。我们将指导读者如何控制声音的“消融”过程。 二、拉威尔的精确与反光 相较于德彪西的梦幻，莫里斯·拉威尔（Maurice Ravel）的作品则带有更清晰的轮廓，但也融入了复杂的色彩。 键盘织体的复杂性： 分析《镜子》（Miroirs）等作品中，如何通过极快的分解和弦和交织的声部来模拟反射光线或水面的波纹。这要求手指具备极高的灵敏度和独立的控制力。 通过对这些不同历史时期音乐风格、结构、情感表达和核心技术的系统梳理，学习者将能建立起一套跨越数百年历史的全面钢琴演奏知识体系，从而在面对不同作曲家的作品时，都能找到最恰当的演奏方式与声音理念。

评分☆☆☆☆☆

作为一个对爵士乐情有独钟，但又苦于无法将其中的即兴元素融入到自己钢琴演奏中的爱好者，我一直在寻找一本能够真正 bridging the gap 的教程。市面上的爵士乐教材，要么过于专业，要么侧重于乐器演奏技巧，对于想要学习即兴伴奏的初学者来说，往往显得门槛过高。而这套《钢琴即兴伴奏简明教程》的出现，无疑是填补了这一市场空白。 这本书最大的亮点在于它系统地讲解了即兴伴奏的常用和弦进行、动机发展以及节奏变化等核心要素，并且以一种非常易于理解和实践的方式呈现出来。我不再需要死记硬背大量的和弦图，而是能够通过书中的讲解，去理解和弦之间的内在联系，去掌握不同风格的伴奏织体。我尤其欣赏它在介绍不同风格（如流行、民谣，甚至一些简单的爵士元素）的伴奏时，都能够提供清晰的范例和分析，让我能够迅速地将理论知识转化为实际的演奏。更重要的是，它鼓励读者进行大量的尝试和探索，培养独立思考和创新的能力，而不是被动地接受。通过这本书，我感觉自己离那个能够随心所欲地在琴键上“玩”音乐的梦想越来越近了。

评分☆☆☆☆☆

这本书的出版，简直是为我这种“半路出家”的钢琴爱好者量身定做的！我一直对即兴伴奏心痒痒，但市面上大多数教材要么过于理论化，要么讲解得云里雾里，学起来总感觉抓不住重点，一头雾水。这套《钢琴即兴伴奏简明教程》却完全不一样，它就像一个经验丰富的老师，循序渐进地引领我走进即兴伴奏的奇妙世界。 我尤其喜欢它从最基础的和弦概念讲起，一点点地铺垫，从单音到简单的三和弦，再到七和弦，每一步都讲解得清晰透彻，而且配有大量生动形象的图示和音频示范，简直是“手把手教学”的典范！我之前学过的那些枯燥的乐理知识，在这本书里仿佛都被赋予了生命，我能真切地感受到它们如何在即兴伴奏中发挥作用。最让我惊喜的是，它并没有停留在理论层面，而是立刻将理论与实践相结合，通过大量的练习曲和案例分析，让我有机会亲手去尝试、去摸索。有时候，我甚至不需要完全理解背后的复杂原理，只要跟着书上的方法去弹奏，就能奏出动听的旋律，这种成就感简直爆棚！而且，上下两册的设置也非常合理，循序渐进，不会让人觉得有压力，而是充满探索的乐趣。

评分☆☆☆☆☆

对于许多对音乐怀有热情，却又被复杂的乐理知识劝退的初学者来说，找到一本能够真正引领入门的教材是一件极其困难的事情。我曾经也经历过这样的迷茫，试过很多方法，都未能真正掌握即兴伴奏的精髓。直到我偶然间接触到了这本《钢琴即兴伴奏简明教程》，我才仿佛找到了“救星”。 这本书最打动我的地方在于它的“简明”与“实用”。它摒弃了繁琐枯燥的理论讲解，而是直接从最实用的角度出发，教你如何去构建一首动听的伴奏。我喜欢它从听觉入手，让你在弹奏中去体会和弦的美妙，在旋律的律动中去感受节奏的力量。书中的每一个章节都充满了丰富的实例，从简单的歌曲改编到复杂的和弦编配，都讲解得细致入微，让我能够迅速地将所学到的技巧应用到实际的演奏中。最让我感到惊喜的是，它不仅仅是教授技巧，更是培养你音乐的“感觉”，让你学会用自己的方式去理解和表达音乐。这套书就像一位循循善诱的老师，一步一步地引领我走进即兴伴奏的世界，让我逐渐建立起自信，开始享受创作的乐趣。

评分☆☆☆☆☆

我一直认为，钢琴的魅力不仅仅在于演奏已有的乐曲，更在于能够即兴创作，随心所欲地表达内心的情感。然而，长期以来，我总是被枯燥的乐理和繁琐的和弦理论所困扰，总觉得即兴伴奏是一项遥不可及的技能。直到我翻开这套《钢琴即兴伴奏简明教程》，我才真正体会到，原来即兴伴奏可以如此直观和易懂。 这本书的讲解方式非常独特，它并没有上来就抛出一堆专业术语，而是从听觉和感觉入手，让你在弹奏中去体会和声的色彩和情绪。我特别欣赏它在讲解每个和弦时，都会配有大量的实际应用范例，让我能够立即将所学到的知识应用到音乐创作中。而且，书中的练习曲设计得也非常巧妙，既有巩固基础的，也有拓展思维的，让我能够在不断的练习中，逐渐掌握即兴伴奏的各种技巧。我最喜欢的是它关于“旋律与和声的融合”的讲解，让我明白了如何让伴奏不再是简单的“和弦堆砌”，而是能够与主旋律产生美妙的共鸣。这套书就像一把钥匙，为我打开了通往自由音乐创作的大门，让我能够自信地在键盘上挥洒创意。

评分☆☆☆☆☆

作为一个对音乐有着深厚情感，却又缺乏系统训练的业余爱好者，我总是梦想着能够随心所欲地为喜欢的歌曲配上自己的伴奏。然而，现实往往是残酷的，我尝试过一些教程，但要么门槛太高，要么缺乏实操性，总是让我望而却步，渐渐失去了信心。直到我偶然发现了这本《钢琴即兴伴奏简明教程》，我的音乐世界才算真正打开了一扇窗。 这本书的魅力在于它的“简明”二字，它真正做到了化繁为简，将复杂的即兴伴奏技巧分解成一个个易于理解和掌握的模块。我不再需要死记硬背那些晦涩难懂的和弦走向，而是能够通过书中的引导，去理解和声的逻辑，去感受旋律与和声的呼应。它没有给我带来巨大的学习压力，反而是像一位耐心细致的朋友，一步一步地引导我体验即兴的乐趣。我喜欢它在讲解技巧的同时，也融入了大量的音乐审美方面的指导，让我明白，即兴伴奏不仅仅是技术的堆砌，更是情感的表达。我开始尝试用不同的和弦织体去烘托旋律，用不同的节奏型去丰富音乐的层次，每一次的尝试都充满了新奇和惊喜。这本书让我明白，即兴伴奏并非高不可攀，只要方法得当，每个人都能成为自己音乐的创造者。

评分☆☆☆☆☆

这套书内容不错，相见恨晚。

评分☆☆☆☆☆

包装一般，比新华书店便宜一点点，还行吧！！

评分☆☆☆☆☆

第五节 固定唱名法与首调唱名法

评分☆☆☆☆☆

第一节 调式与调性

评分☆☆☆☆☆

书内容不错，刚学伴奏还是有用的！

评分☆☆☆☆☆

七、减七和弦（副属导七和弦）的运用

评分☆☆☆☆☆

古人云：“书中自有黄金屋，书中自有颜如玉。”可见，古人对读书的情有独钟。其实，对于任何人而言，读书最大的好处在于：它让求知的人从中获知，让无知的人变得有知。读史蒂芬?霍金的《时间简史》和《果壳中的宇宙》，畅游在粒子、生命和星体的处境中，感受智慧的光泽，犹如攀登高山一样，瞬间眼前呈现出仿佛九叠画屏般的开阔视野。于是，便像李白在诗中所写到的“庐山秀出南斗旁，屏风九叠云锦张，影落明湖青黛光”。 对于坎坷曲折的人生道路而言，读书便是最佳的润滑剂。面对苦难，我们苦闷、彷徨、悲伤、绝望，甚至我们低下了曾经高贵骄傲的头。然而我们可否想到过书籍可以给予我们希望和勇气，将慰藉缓缓注入我们干枯的心田，使黑暗的天空再现光芒？读罗曼?罗兰创作、傅雷先生翻译的《名人传》，让我们从伟人的生涯中汲取生存的力量和战斗的勇气，更让我们明白：唯有真实的苦难，才能驱除罗曼谛克式幻想的苦难；唯有克服苦难的悲剧，才能帮助我们担当起命运的磨难。读海伦?凯勒一个个真实而感人肺腑的故事，感受遭受不济命运的人所具备的自强不息和从容豁达，从而让我们在并非一帆风顺的人生道路上越走越勇，做命运真正的主宰者。在书籍的带领下，我们不断磨炼自己的意志，而我们的心灵也将渐渐充实成熟。 读书能够荡涤浮躁的尘埃污秽，过滤出一股沁人心脾的灵新之气，甚至还可以营造出一种超凡脱俗的娴静氛围。读陶渊明的《饮酒》诗，体会“结庐在人境，而无车马喧”那种置身闹市却人静如深潭的境界，感悟作者高深、清高背后所具有的定力和毅力；读世界经典名著《巴黎圣母院》，让我们看到如此丑陋的卡西莫多却能够拥有善良美丽的心灵、淳朴真诚的品质、平静从容的气质和不卑不亢的风度，他的内心在时间的见证下折射出耀人的光彩，使我们在寻觅美的真谛的同时去追求心灵的高尚与纯洁。读王蒙的《宽容的哲学》、林语堂的《生活的艺术》以及古人流传于世的名言警句，这些都能使我们拥有诚实舍弃虚伪，拥有充实舍弃空虚，拥有踏实舍弃浮躁，平静而坦然地度过每一个晨曦每一个黄昏。

评分☆☆☆☆☆

三、小调正三和弦、属七和弦的原位与转位

评分☆☆☆☆☆

第二节 小调正三和弦、属七和弦的概念以及伴奏使用