时装画实用表现技法 零基础学时装画技法绘制书 时装设计入门自学基础服装手绘技法教程 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

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黄嘉 著 著

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出版社： 中国纺织出版社

ISBN：9787518020393

商品编码：11315817580

开本：16

出版时间：2017-01-01

页数：152

字数：1

书名：时装画实用表现技法

作者：黄嘉 著

定价：49.8

出版社： 中国纺织出版社 

ISBN：9787518020393

版次：1

包装：平装

丛书名： 服装高等教育“十二五”部委级规划教材 

开本：16开

出版时间：2017-1-01

用纸：铜版纸

页数：152

《时装画实用表现技法》一书不仅讲解了时装画的人体表现、服装外轮廓及内部构造、服装色彩运用、线条表现等，而且详细展示了各种服装面料、工艺细节、重要配饰的绘制方法和步骤，后有针对性地介绍了采用马克笔、彩色铅笔、水彩、色粉笔、油画棒等工具绘制时装画的方法和步骤。 

《时装画实用表现技法》由浅入深地讲解了时装画绘制的全过程，分阶段、分层次、分种类地呈现了时装画绘制的方法和技巧，案例多样、步骤清晰、实用性强。只要跟着本书一步步地练习，就能切实掌握各种绘制技巧，感受绘画带来的乐趣和成就感。 

本书既可作为高等院校服装专业的教学用书，也可作为服装企业人员、服装设计师等专业人士的参考用书。

第1章 时装画人体与着装基础 / 9 

节 人体绘画 / 10 

一、人体基本结构与时装画常用人体比例 / 10 

二、人体各部位结构 / 13 

三、人体动态 / 32 

第二节 人体与着装 / 34 

一、服装和人体的关系 / 34 

二、服装的局部造型/ 35 

三、衣纹与衣褶的表现 / 44 

 

第2 章 时装画着色基础 / 47 

节 色彩的基本知识 / 49 

一、色彩三要素 / 49 

二、色调 / 50 

三、色彩情绪 / 52 

第二节 色彩的运用 / 59 

一、服装色彩的特性 / 59 

二、时装画的配色 / 60 

 

第3 章 时装画手绘表现技法 / 67 

节 基础表现技法 / 68 

一、线的表现 / 68 

二、黑白灰的表现 / 74 

三、色彩的表现 / 77 

第二节 面料的表现技法 / 82 

一、常用面料图案的表现 / 82 

二、常用面料质地的表现 / 86 

第三节 工艺细节的表现技法 / 96 

一、打褶工艺 / 96 

二、蕾丝工艺 / 98 

三、刺绣工艺 / 100 

四、填充绗缝工艺 / 102 

五、钉珠工艺 / 103 

六、拼接工艺 / 104 

七、镶嵌工艺 / 105 

第四节 服装配饰的表现技法 / 106 

一、鞋 / 106 

二、帽 / 107 

三、包 / 108 

四、珠宝 / 110 

 

第4 章 时装画不同工具表现技法 / 115 

节 马克笔表现技法 / 116 

一、马克笔工具介绍 / 116 

二、马克笔时装画绘制案例 / 118 

三、学生习作 / 120 

第二节 彩色铅笔表现技法 / 123 

一、彩色铅笔工具介绍 / 123 

 

 

二、彩色铅笔时装画绘制案例 / 124 

三、学生习作 / 125 

第三节 水彩表现技法 / 129 

一、水彩工具介绍 / 129 

二、水彩时装画绘制案例 / 130 

三、学生习作 / 131 

第四节 色粉笔及油画棒表现技法 / 132 

一、色粉笔及油画棒工具介绍 / 132 

二、色粉笔时装画绘制案例 / 135 

三、学生习作 / 136

好的，这是一本关于时装画技法的图书简介，内容详实，不包含您提供的书名信息，旨在为读者提供一个全新的学习视角。 --- 书籍简介：《立体剪裁的艺术：从二维到三维的服装形态解析》 书籍核心定位： 本书并非传统意义上的“零基础入门速成”或“纯粹的线条描摹教程”。它是一本深入剖析服装结构、材料特性与人体动态之间复杂关系的专业参考书。本书的核心目标是引导读者跨越平面绘画的表层技巧，直抵服装形态的“内在逻辑”，理解为何面料会以特定方式垂坠、褶皱和塑形。我们聚焦于将二维的平面图稿转化为具有真实体积感和质感的立体表达。 第一部分：服装形态学的解构与重塑 本部分旨在建立读者对服装与人体之间关系的深刻理解，超越简单的比例尺和线条勾勒。 第一章：人体的内在骨架与动态解剖 超越比例尺的动态捕捉： 探讨“动态平衡”而非静止的“标准比例”。详细分析行走、坐姿、转身等常见动态下，人体骨骼与肌肉群的张力如何影响服装的承载点和受力线。 结构线与张力线： 引入服装结构线（Seam Lines）和张力线（Tension Lines）的概念。学习如何通过精确的结构线走向来预示面料的物理行为，这比单纯的轮廓描绘更为关键。 透视在服装中的应用： 深入讲解高位透视（High Perspective）和低位透视（Low Perspective）对服装整体视觉效果的影响。重点分析在不同视角下，服装的领口、腰线和下摆的收缩与变形规律。 第二章：面料的物理属性与视觉表达 面料的“性格”研究： 详细分类阐述不同纤维（如棉、麻、丝、羊毛、合成纤维）的物理特性。重点不在于化学成分，而在于它们在绘制时应呈现的“视觉性格”——例如，硬挺的丹宁与轻盈的雪纺在光照下的高光和阴影差异。 褶皱的生成机制： 本章是本书的重点之一。我们不教授“画褶子的技巧”，而是教授“褶皱的原理”。深入解析三种主要褶皱类型（自然垂褶、受力褶、装饰性褶）的形成条件，包括引力、剪裁形状和缝合方式。通过分析“受力点”来推导出褶皱的起始点和结束点。 材质肌理的模拟： 针对特殊材质（如皮革的光泽、蕾丝的镂空、粗花呢的颗粒感）的绘制方法。强调使用笔触的控制、排线的疏密以及光影的锐度来区分材质的表面质感，而非依赖于固定的符号标记。 第二部分：从草图到三维体积的转化 本部分将绘画技法与立体思维紧密结合，旨在训练读者在二维平面上“构建”出三维形态的能力。 第三章：光影的逻辑：服装的体积塑造 单一光源下的体积感知： 详细解析光线如何与服装的曲面、褶皱和悬垂部分互动。重点讲解“高光”、“亮面”、“灰面”、“暗部”和“反光”在服装绘制中的准确位置。 褶皱边缘的光影处理： 褶皱内部的阴影往往是决定画作真实感的关键。学习如何精确控制褶皱内壁的渐变和交界线的清晰度，以模拟面料的厚度和折叠的锐度。 立体结构的阴影投射： 针对复杂的结构，如垫肩、褶裥（Pleats）和荷叶边（Ruffles），分析其自身结构产生的“自投射阴影”，以及这些阴影如何落在主体面料上，从而增强画面的空间深度。 第四章：时装的“工程”与“表达”的融合 结构图与表现图的桥接： 探讨如何将技术图（Technical Flats）中的精确结构信息（如省道、袋口、门襟）无缝地融入到表现性手绘中，确保设计意图的准确传达。 细节的聚焦与简化： 学习在不同表现需求下（如设计展示、面料确认、细节说明），对细节的取舍。何时需要极致的写实来表现刺绣或印花，何时需要高度概括的线条来突出廓形。 色彩在结构中的作用： 颜色不仅仅是装饰。分析不同色调（冷暖色）对服装体积感的影响。例如，深色如何“收缩”体量，浅色如何“膨胀”视觉效果。 第三部分：高级应用与风格化表达 本部分面向有一定基础，希望提升表现力和个人风格的进阶学习者。 第五章：复杂服装形态的绘制策略 动态长裙与流动性面料： 针对婚纱、晚礼服等需要表现大量流动感和半透明质感的服装，提供分层绘制和多次叠加的技巧，重点解决“层次感”和“轻盈感”的平衡。 盔甲式剪裁与硬挺结构： 研究具有强烈结构感的外套、夹克和箱型轮廓。如何使用刚硬的线条和强烈的对比光影来表现面料的挺括和结构对人体的“塑造”作用。 配饰与整体造型的统一： 分析鞋履、包袋、头饰等配饰如何通过材质和光影与主体服装形成视觉呼应或对比，从而完成一个完整的造型表达。 第六章：绘制工具的多样性探索 本章不局限于单一媒介，而是探讨不同工具在表现“立体感”上的独特优势： 墨水与笔触的力度： 利用不同粗细的针管笔和钢笔，表现面料的清晰轮廓与褶皱的精确边界。 水彩与湿画法的层次叠加： 探讨水彩颜料在表现面料的透明度、光泽和湿润感的潜力，以及如何控制水渍来模拟自然的面料纹理。 马克笔的快速塑造与融合： 深入分析酒精马克笔的“叠色”和“晕染”技巧，如何快速建立大面积的明暗关系，实现体积的初步构建。 --- 本书受众定位： 服装设计专业学生及初级设计师，希望从“画得像”提升到“理解其为何如此”的阶段。 对时尚造型有高度兴趣，希望系统掌握服装形态绘制逻辑的自学者。 对材料科学与视觉表达交叉领域感兴趣的艺术爱好者。 本书承诺： 本书将摒弃快速上手的口号，专注于提供一套严谨的、基于物理和结构的服装视觉表达体系。通过本书的学习，读者将能够自信地面对任何新型面料和复杂剪裁，并将其转化为富有体积感和说服力的专业图稿。

评分☆☆☆☆☆

坦白说，我之前买过几本所谓的“时装画入门”书籍，结果发现内容大多是临摹那些已经非常成熟的作品，对于如何“独立思考”并“创造”新的设计语言帮助不大。但这本书的结构似乎更倾向于建立一种“思维框架”。它花了不少篇幅讲解如何观察面料的特性——比如真丝的轻盈感和羊毛的厚重感在画面上应该如何用笔触和阴影来体现。这对我后续进行面料选择和设计深化至关重要。我特别欣赏它在配饰和细节处理上的讲解，比如如何用最简单的线条勾勒出包包的皮革光泽，或者如何表现鞋子的轮廓和跟高。这些看似是小地方，却是决定一件设计是否“高级”的关键。书里的排版也非常舒服，留白恰到好处，不会让人产生信息过载的感觉。我发现自己不再是机械地复制书上的图案，而是开始尝试用书中学到的技法去表现自己对某种特定面料的想象。对于想要自学并最终能将手绘稿用于打版或与工厂沟通的设计师助理来说，这种注重“质感表现”的训练是无可替代的宝贵财富。它教会了我如何用绘画去“说话”，让我的设计意图清晰明确。

评分☆☆☆☆☆

这本关于时装画的书简直是为我这种完全没有绘画基础的新手量身定做的！我一直对服装设计充满热情，但看到那些复杂的透视和人体结构图就望而却步。市面上很多教程要么太学术化，要么就是只针对有一定基础的人群。这本书的切入点非常接地气，它没有一上来就要求你掌握高深的解剖学知识，而是从最基础的线条和形体开始教起。我特别喜欢它讲解“动态”的部分，作者用非常直观的方式拆解了服装在模特身上不同姿态下的褶皱和垂坠感，这对我来说是全新的视角。比如，当模特抬高手臂时，肩部的面料如何拉伸，腰部的线条如何变化，这些细节书里都有非常详尽的图例配合文字说明。而且，它似乎非常注重“实用性”，从最初的火柴人草图到逐步添加细节的步骤，每一步都像是有人在旁边手把手地教你。我尝试着画了几件基础的A字裙和直筒裙，发现仅仅是掌握了书中的基础轮廓画法，我的作品立刻就有了“时装感”，而不是那种呆板的、像挂在衣架上的衣服。这种由浅入深的引导，极大地增强了我的学习信心，感觉自己真的能在不借助复杂软件的情况下，把脑海中的设计构思有效地转化到纸面上。

评分☆☆☆☆☆

我一直期待一本能系统性地将“色彩”与“造型”结合起来的书籍，而这本恰好满足了我的期望。很多基础教材往往把色彩作为单独的一章草草带过，但本书在不同的服装材质和光影处理中，都融入了色彩运用的技巧。比如，在表现丝绒的深沉感时，它会建议使用饱和度较低的深色系并强调高光的锐利度；而在表现轻薄的雪纺时，则会强调色彩的透明度和边缘的模糊处理。这种结合实际绘画步骤的色彩指导，比单纯的色轮理论要实用得多。我特别喜欢书中对“阴影”和“立体感”的强调，它清晰地展示了不同光照角度下，服装的明暗交界线是如何形成的。通过学习这些，我开始有意识地在我的作品中运用色彩的冷暖对比来增强视觉焦点，让原本可能平淡的草图瞬间变得生动起来。对于想从黑白线稿进阶到彩色表现的初学者来说，这本书提供的色彩应用策略是建立自信和提升作品专业度的重要阶梯。

评分☆☆☆☆☆

最让我感到欣慰的是，这本书的编排逻辑仿佛是为“零基础自学者”精心设计的职业规划图。它并非只是教你“怎么画”，更是在潜移默化中培养你的“设计眼光”。在讲述了基础的衣身结构和动态表现之后，它开始引导读者去思考“风格化”的问题。例如，它会对比展示两种不同风格的T恤：一种是休闲运动风，其线条更流畅、结构更松弛；另一种是朋克摇滚风，其线条则更硬朗、金属配饰的体积感更强。这种对比分析，让我明白了绘画技法是为设计风格服务的工具。我不再只是被动地跟着步骤画，而是开始主动思考：“如果我想画一件更现代感的时装，我应该在哪几个关键点上加强或简化笔触？” 书中的一些高级小贴士，比如如何快速添加人物发型和面部表情以烘托整体氛围，也非常精炼到位。总而言之，这本书成功地将一门看似高冷的技艺，拆解成了一系列可执行、可量化的学习任务，真正实现了从“看懂”到“会做”的质的飞跃。

评分☆☆☆☆☆

这本书在“人体结构简化”方面的处理简直是神来之笔，解决了困扰我多年的核心难题。我一直觉得时装画最难的是画人体，一旦人体比例失调，再华丽的服装也显得不伦不类。这本书并没有要求读者去成为专业的人体艺术家，而是提供了一套高效的“时装人体骨架”绘制法。它用几个关键的几何形体和轴线来构建人体，这种方法快速且稳定，即便我心情不好手抖的时候，也能画出一个比例尚可的模特基础。更让我惊喜的是，它将服装的绘制和人体的绘制完美地结合了起来，比如在讲解裙摆时，它会非常细致地指出，裙摆的线条走向必须符合模特正在做的支撑动作，这使得最终的画面充满了生命力。我尝试着挑战了一些复杂的服装造型，比如长风衣和带有大量荷叶边的礼服，通过遵循书中的人体定位原则，我发现服装的“流动感”自然而然地就出来了，不再是生硬地贴在人身上。这种“先搭骨架，再披衣服”的逻辑，极大地提升了我整体手绘的效率和准确度，让我的入门学习过程少走了很多弯路。