书法经典放大·铭刻系列17：褚遂良雁塔圣教序（二） pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

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上海书画出版社 编

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• 书法
• 褚遂良
• 雁塔圣教序
• 楷书
• 书法经典
• 放大
• 铭刻
• 唐朝
• 书法临摹
• 艺术

出版社： 上海书画出版社

ISBN：9787547908211

版次：1

商品编码：11526312

包装：平装

丛书名： 书法经典放大·铭刻系列17

开本：8开

出版时间：2014-08-01

用纸：胶版纸

页数：1

正文语种：中文

内容简介

　　《书法经典放大·铭刻系列17：褚遂良雁塔圣教序（二）》所选法帖多是原文字较小者，因而“放大”也就具有了价值。这些碑帖都是佳作杰构，赵孟俯在《兰亭十三跋》中说：“昔人得古刻数行，专心而学之，便可名世。”《书法经典放大·铭刻系列17：褚遂良雁塔圣教序（二）》字数远非“古刻数行”可比。放大本不仅追求原色，而且尽量做到保持原帖的点画、字形、行气、章法之“真貌”，使原作由于字“小”而不易见的韵致得以充分展现。如此既利于了学习，也增强了欣赏的多元性。

内页插图

前言/序言

翰墨流芳：中国古代书画鉴赏与研究 本书旨在为广大书法、绘画爱好者及专业研究人员提供一本深入、全面、富有洞察力的中国古代书画鉴赏与研究指南。 本书不侧重于单一书家或作品的技法解析，而是着眼于中国艺术史宏观脉络的梳理，通过对不同历史时期、不同地域书画艺术风格的演变、核心思想的探讨，以及与社会、哲学、宗教的互动关系进行详尽的剖析。全书结构严谨，内容涵盖面广，力求以严谨的学术态度和生动的叙述方式，带领读者领略中国传统艺术的博大精深。 第一部分：中国书法艺术的源流与风格变迁 本部分首先从文字的起源与书体的演变入手，追溯甲骨文、金文直至秦代统一文字——小篆的形成过程。重点阐述了篆书的审美特征及其在后世复古浪潮中的意义。 紧接着，本书深入探讨了隶书的“隶变”——这一中国书法史上最关键的转折点。通过对汉代碑刻的细致考察，解析隶书如何从早期稚拙的“古隶”过渡到成熟、雄浑的“八分书”，以及其在结构和用笔上所体现的方正、厚重之美。 魏晋南北朝：自觉与蜕变 本部分将篇幅着重置于魏晋南北朝，这一书法艺术从实用工具向独立审美学科转变的关键时期。不同于聚焦于某一位大家（如王羲之、颜真卿）的常规论述，本书侧重于分析“时代精神”如何影响书风。我们将探讨玄学思想对士人书写姿态的影响，以及北方碑学与南方帖学的分流与各自的文化背景。通过对比北碑的雄强峻拔与二王一脉的妍美流便，揭示艺术风格背后的地域文化差异与审美取向的冲突与融合。 盛唐气象与中晚唐的转折 唐代作为书法艺术的巅峰期，本书将从多个维度进行考察。盛唐书风的恢弘大气，不仅是国力强盛的体现，更是法度森严、意态开张的审美高峰。我们不仅会分析楷书（如欧阳询、虞世南、褚遂良的承继与区别），也会深入探讨草书（如张旭、怀素）如何将书写提升至近乎舞蹈的动态表现。 中晚唐时期，书风开始出现细微的变化。本书将解析“尚意”思潮的兴起，探讨颜真卿“雄浑”之外，所蕴含的儒家伦理的重量感。同时，探讨晚唐诸家如何开始探索笔墨的个人情感表达，为宋代书风的转向埋下伏笔。 宋代尚意与元明的复古与创新 宋代书法以“意”为核心，强调书写者内在的情感和学识的流露。本书将详细剖析宋四家（苏轼、黄庭坚、米芾、蔡襄）的艺术主张，特别是黄庭坚的“长枪大戟”结构与米芾的“刷字”技法，阐释他们如何挑战唐代的“法度”束缚，开创了强调个性和内在精神的全新局面。 元代艺术在承接宋代“尚意”的基础上，更倾向于对晋唐传统的追溯与继承，特别是赵孟頫对晋人典雅风格的复兴，展示了文人政治理想在艺术中的投射。明代则呈现出多元化的态势，从台阁体的严谨到吴门画派中书法的自由挥洒，体现了晚期封建社会中士人群体的复杂心态。 清代碑学的勃兴与近现代的变革 本书将详尽论述清代“碑学”的兴起，它不仅仅是书体的选择，更是一种文化态度的转变——从“帖学”向“金石学”的回归，是对被忽视的民间和民间书写力量的重新发现。通过对邓石如、包世臣、康有为等碑学大家的个案研究，分析他们如何将金石趣味融入笔墨，为近现代书法艺术的革新奠定了基础。 第二部分：中国绘画艺术的哲学意蕴与笔墨语言 本书的后半部分专注于中国绘画，强调绘画并非简单的视觉再现，而是哲学思想、文人情操与笔墨技巧的综合体现。 山水画的“卧游”世界 本书从“气韵生动”的“六法”入手，探讨中国绘画的本体论。重点分析山水画的生成逻辑，即“外师造化，中得心源”。我们不仅会研究董源、巨然等早期山水画家的地域风格（如江南平远、荆浩/关仝的雄伟），更会深入探讨“斧劈皴”、“披麻皴”等皴法背后所象征的自然观和审美判断。 “文人画”的独立宣言 本书将详细区分“院体画”与“文人画”的根本差异。文人画的兴起，标志着艺术开始强调画家的主体性与学养。我们会剖析“墨分五色”的境界，探讨倪瓒的“折 উপেক্ষা皴”、王蒙的“苔点”等技法如何服务于画家“避世”、“清高”的内在精神表达。 花鸟画的写意精神 花鸟画部分，将聚焦于对生命力和瞬间美的捕捉。从黄荃的“富贵”到徐熙的“野逸”，再到宋代院体画的精妙写实，最终抵达明清写意花鸟画的笔墨游戏。本书强调写意花鸟画中，草书笔法在枝干上的运用，以及墨韵变化如何传达季节的更迭和生命的哲学。 卷轴与扇面的空间处理 最后，本书将讨论中国绘画在不同载体上的空间结构差异。长卷（手卷）的“散点透视”如何引导观者的视线进行时间性的游历；立轴如何强调主体的崇高性；以及扇面这一微观载体上，画家如何在有限空间内实现意境的无限延展。 结语：古法今用 全书最后一部分，总结中国古代书画在笔墨、结构、意境方面的核心价值，探讨在当代多元文化背景下，如何传承和创新这些宝贵的艺术遗产，使之在当代语境中焕发出新的生命力。本书所选案例皆为中国艺术史上的关键节点与里程碑式的成就，旨在为读者提供一个系统而富有深度的艺术视野。

评分☆☆☆☆☆

这套《书法经典放大·铭刻系列》的装帧设计实在令人眼前一亮，光是捧在手里，就能感受到一种沉甸甸的艺术气息。纸张的选择非常考究，那种略带纹理的质感，既能很好地承载墨韵的层次，又在视觉上给人一种古朴典雅的感觉。我特别喜欢它在细节上的处理，比如书脊的烫金工艺，低调却又不失格调，让人在每一次取阅时都有种仪式感。这系列的书籍在排版上也看得出是用心良苦，字体的放大处理，使得那些微小的笔触细节都能一览无余地呈现在我们面前，这对于我们这些想深入研究碑帖、揣摩古人神韵的学习者来说，简直是莫大的福音。尤其是当我翻开某一页时，那种清晰度带来的震撼，远超以往我见过的任何印刷品。它不仅仅是一本临摹的工具书，更像是一件可以细细品味的艺术品。这种对细节的极致追求，让我想起了那些匠人精神，让人不禁感叹，好的印刷出版物，本身就是对经典的一种致敬。这套书的整体感觉，是那种可以伴随我们多年，每次翻阅都能发现新东西的珍藏之作。

评分☆☆☆☆☆

从一个纯粹的“使用者”角度来看，这套丛书在实用性上做到了一个很高的平衡。很多人学习书法，最怕的就是买到的临摹本“失真”——墨色灰暗、边缘模糊，导致我们临摹时，根本无法分辨出原帖的精微之处，很多时候练得不对劲，也不知道是自己学错了，还是印刷厂对不起墨迹。这套书给我的第一印象就是“真”。它用现代的印刷技术，最大程度地还原了原碑刻的质感和墨色变化，那种干湿浓淡的过渡，甚至连纸张被腐蚀后留下的细微斑驳感都得到了保留。这对于我们这些需要对照原碑刻进行精细学习的人来说，至关重要。我甚至愿意花更多的时间去研究这种“放大”带来的视觉冲击，它迫使我必须更仔细地观察，而不是敷衍了事地一划而过。这种强迫性的细节观察，反倒成了进步的催化剂。对于那些正在寻找高清晰度、高保真度临摹资料的书友而言，选择这样的版本绝对是明智之举，它帮你省去了大量时间去辨别真伪，可以直接投入到精研的环节。

评分☆☆☆☆☆

最近在琢磨帖子的“气韵”问题，总感觉自己的笔下少了点什么，像是只学了皮毛，没有抓住那种内在的张力。市面上关于碑帖的解析汗牛充栋，但大多都停留在技法层面的解构，比如“起笔要藏锋”、“行笔要提按”这类基础口诀，听得耳朵都要起茧了。我更渴求的是那种能触及作者心境的解读，知道为什么褚大家的这一笔要如此遒劲，下一笔又为何转得如此灵动。我期待的评价，是能够像一位经验丰富的前辈在旁边耳提面命，帮我打通那些只可意会不可言传的关窍。我想知道，在那个特定的历史背景下，书家是如何调动全身的气力去完成一幅作品的，那种对生命的感悟是如何融入到每一根线条之中的。如果一本关于书法的书，能带我领略到这种“道”的层面，那才是真正有价值的。这不仅仅是练字，更是对一种人生态度的学习和体验，我期待的评价，是能够像一把钥匙，帮我打开通往书家精神世界的大门。

评分☆☆☆☆☆

作为一名长期在书法领域“摸索”的爱好者，我深知工具的质量对学习进度的影响。很多时候，我们需要的不是更多的资料，而是更好、更精炼的资料。这套丛书给我的感觉，就是一种“精准打击”。它似乎深谙书法学习者在不同阶段的需求差异，不像有些大型全集那样包罗万象却缺乏重点。我更倾向于这种“专题化”的深度挖掘。如果一个系列能够聚焦于某一大家或某一特定作品进行系统、深入的剖析和呈现，那么它就建立起了一种难以替代的专业壁垒。我期待的是一种被“策展”过的阅读体验，而不是简单地把碑拓原图堆砌起来。这里的“策展”意味着筛选、组织和引导，引导我的目光从一个点到另一个点，最终汇聚成对整体的深刻理解。这种经过精心策划和编排的资料，极大地提升了学习的效率和乐趣，避免了信息过载带来的学习倦怠。它给我的感觉是，这是一份为严肃学习者量身定制的“精炼版”进阶指南。

评分☆☆☆☆☆

说实话，我一直对“放大”这个概念抱有一种警惕心。毕竟，书法作品的美感往往体现在其整体的结构布局和气势的连贯性上，把一个局部无限拉大，会不会反而破坏了原有的和谐感，让细节变得笨拙和突兀？这有点像把一首交响乐的某个乐段单独拎出来分析，虽然能听清单件乐器的演奏技巧，但可能错过了整部作品宏大的结构。我非常好奇，这套系列丛书是如何处理这种“尺度转换”的艺术难题的。它必然需要一套精妙的选材和编排逻辑，既要让我们能看清“砖块”的纹理，又不能让我们迷失在局部的纹理中，从而忘记了整座“建筑”的雄伟。一个好的放大本，应该像是把显微镜和望远镜结合起来，时而聚焦于毫厘之间的提按顿挫，时而拉远观察整体的疏密欹侧。如果它能成功地在这两者之间搭建起一座坚实的桥梁，那么它就不仅仅是一本临摹帖，更是一本关于书法“结构学”的优秀教材。

评分☆☆☆☆☆

挺好的放大本，适合临习

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很好，可惜内容不全

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好好好

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书不错就是物流太慢啦

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不错

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印刷质量很好，方便临摹，不错不错

评分☆☆☆☆☆

放大质量还可以但可惜不是全文