古典建筑与雕塑装饰艺术 第3卷 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

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[奥] 理格耐特（A.Raguenet） 著

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• 装饰艺术
• 艺术史
• 建筑史
• 雕塑史
• 西方艺术
• 艺术设计
• 建筑装饰
• 雕塑装饰

出版社： 江苏凤凰科学技术出版社

ISBN：9787553754550

版次：1

商品编码：11827469

包装：平装

开本：16开

出版时间：2015-12-01

用纸：胶版纸

页数：376

正文语种：中文

编辑推荐

　　古典艺术分门别类，但却皆闪耀着人类智慧的光芒。其中建筑与雕塑这两个重要的分支在人类文明的发展历史中，相互辉映，紧密联系。在不同的政治、宗教、地域以及文化的影响下，构成了世界文明艺术中独特而耀眼的篇章。古典建筑与雕塑最早追溯到尼罗河畔的建筑浮雕，从古埃及到古希腊，再到法国路易王朝，以及整个欧洲文艺复兴时期，其艺术的魅力不仅影响了十几个世纪人们的审美修为，其实用价值更是深入到整个欧亚大陆的街头巷陌——屋檐、壁饰、外墙建筑以及室内装饰。直至今日，这些古典的建筑与雕塑也对现代人的生活和艺术水平起着不可磨灭的影响。现代的很多种艺术形式，包括绘画、雕塑以及建筑和室内装饰无不受到古典风格与流派的影响，在此基础上才得到发展和延伸。古代建筑大师和雕塑家的作品是人类文明发展历史上无价的瑰宝。

内容简介

　　本套汇编丛书《古典建筑与雕塑装饰艺术》是欧洲建筑师及雕塑家Raguenet历经长达十多年的时间游历欧洲等多个国家和地区，精心挑选并编纂的一套古典建筑与雕塑手绘图片资料合集。收录了从公元10世纪以前至20世纪初的不同风格国家和地区的建筑雕塑作品，介绍了埃及、印度、希腊以及欧洲大陆其他国家不同时期的建筑雕塑风格。内容详尽，分类详细，从宏大的城堡、闻名的雕塑作品，到窗饰、门柱等细节的内部装饰。这些画作大都出自各个时代著名的建筑师和雕塑家，绘画精美，表现力丰富，真实记录了20世纪以前大量珍贵而杰出的艺术作品。本套汇编按照不同种类的英文名称首字母顺序排列，内容丰富，可以说是古典建筑雕塑艺术的百科辞典，为当代建筑师、设计师、雕塑家甚至考古学家提供了极具价值的参考资料。

　　本书是本套汇编丛书的第3卷，收集了千张古典建筑与雕塑艺术珍贵的手绘资料，详细分类包括了藻井、烛架饰、拱顶、柱头、人像柱、涡形边饰、圆形装饰以及座椅。

作者简介

　　A.Raguenet，是19世纪末20世纪初欧洲著名的建筑师、画家及雕塑家。他多年游历于欧亚大陆很多国家，研究古典建筑的风格和特色。实地写生的同时，也收集大量的手绘资料。同时A.Raguenet也是当时欧洲著名的雕塑家、画家。

内页插图

精彩书评

　　★建筑师必定是伟大的雕塑家和画家，如果他不是雕塑家和画家，他只能算个建造者。

　　——贝聿铭

　　★所谓大师，就是这样的人，他们用自己的眼睛去看别人见过的东西，在别人司空见惯的东西上能够发现出美来。

　　——罗丹

目录

藻井

烛架饰

拱顶

柱头

人像柱

涡形边饰

圆形装饰

座椅

前言/序言

　　序言

　　从起源至今，建筑雕塑的发展历程可以大体分为三个阶段：

　　1. 宗教风格；

　　2. 自然主义雕塑风格；

　　3. 现实主义雕塑风格。

　　第一种雕塑风格——宗教风格有几种主要的雕塑样式，并从中生化出变化无穷的风格，其艺术灵感来源于那些历史悠久的东方文明：埃及文明和印度文明。

　　宗教风格的雕刻手法看起来完美无缺，但它的艺术创造性却经常被无法摆脱的狭隘思想所包围、禁锢，往往沦为模式化的复制。

　　建筑一旦丧失了创造性，便缺少了触动心灵的力量，注定不会拥有持久的生命力。

　　第二种雕塑风格——自然主义雕塑风格应归属于希腊艺术的范畴。希腊人很早就开始探索和研究大自然，并尝试着表达他们对大自然的印象。可以说希腊人在古埃及的宗教风格中注入了大自然的灵气和精髓。

　　在法国，早期的雕刻作品水平还比较低，只能算是对外国建筑的粗略模仿、对古罗马建筑的简单复制。

　　直到11世纪，在拜占庭艺术和高卢罗马艺术的影响下，法国建筑雕塑艺术开始觉醒。

　　12世纪中期，法国建筑雕塑艺术才真正自成一体，克吕尼（Cluny）在其中发挥了举足轻重的作用。这一时期的建筑尽管依然尚未完全摆脱拜占庭艺术的影子，但其自我意识已经越来越明确，取得了长足的进步。雕刻的素材不再局限于传统因素，而是开始从大自然中汲取灵感，雕刻技艺也取得了重大发展。

　　随着13世纪的到来，法国雕塑艺术达到了前所未有的高峰。艺术家们自觉地从大自然中获取创作灵感，而不再原班照抄外国既有的雕塑风格。这一时期出现了植物装饰图案，各种本土植物激发了艺术家们的创作潜力。

　　14世纪，法国出现了现实主义雕塑风格。这一时期的植物装饰图案几乎看不出人工雕琢的痕迹，活灵活现，巧夺天工，仿佛是雕刻师信手摘下直接安放在石头上一样。

　　15世纪，建筑雕刻技艺本身看起来完美无缺，但构图样式开始矫揉造作，日渐繁芜。

　　随着16世纪的到来，法国进入了文艺复兴时期。这是属于意大利花叶饰风格的建筑时代，也是属于锯齿状叶饰的时代，花叶饰的枝条极其纤巧，这样的雕塑风格集中体现在弗朗索瓦一世时期的都兰地区。

　　在亨利二世时期，沉重的几何元素占据了主导地位。

　　17世纪，也就是路易十三时期，建筑雕塑的特点是艺术形式夸张而烦冗，这一时期是锯齿状装饰艺术的统治时期。

　　路易十四时期，建筑物上的雕塑出现了复古样式的图案。在路易十四统治初期，雕刻样式稍显凝滞，但到了末期，雕刻样式开始灵动起来，变得越来越优美，为路易十五时期的风格转变埋下了伏笔。

　　18世纪，雕塑艺术的发展可以分为两个完全不同的时期。第一个时期的特点是雕刻线条柔美顺和、蜿蜒玲珑，这个时期被称为“洛可可风格”时期或“岩石风格”时期，但这段追求极致的风格只持续了很短的时间。不久之后，复古风潮再度兴起，为人们带来了源源不断的创作灵感。到了路易十六时期——准确地说，自路易十五时期就已开始——艺术风格日趋优雅完美、收放有度而饶有品位。路易十六时期的装饰性雕刻，其精美程度足以与文艺复兴时期的花叶饰相媲美。

　　到了拿破仑帝国时期，虽然建筑水平越发完善，但艺术的创造力趋于贫乏，灵感枯竭，一直在复制罗马时期的古建筑，几乎没有任何新的艺术表现力。

　　从拿破仑帝国时期至今，没有再出现新的雕刻形式。但艺术家们为创造出一种完全不同于以往的风格而殚精竭虑，做了大量值得称道的努力。

　　如今，艺术家们重新回到大自然中，不断寻找新的植物装饰图案。或许他们并没能创造出全新的现代艺术形式，但从某种程度上来说，他们的工作体现了充分的创造性和品味。从另一角度来看，路易十六时期的雕塑风格在当前的复苏，让我们似乎看到了希望——现在的努力都不会白费，我们会在未来见证雕刻艺术的复兴。

　　***

　　下面让我们谈谈这套汇编集录。没有任何同类作品能够与本套丛书丰富而全面的文献相匹敌。这套集录不仅涵盖了法国雕塑一路走来的重要艺术家的作品，还包含了其他国家不同时期的大约14 000幅图样，为建筑师、雕刻师、装饰工作者以及考古学者提供了珍贵的资料。

　　本套丛书以字母顺序排列，检索更为方便。想要查阅关于柱头、梁托、檐口、檐壁、雕像等装饰艺术的文献，打开本套丛书即可坐拥这一切。该“词典”可以非常便捷地让您查找到所需要的内容，不同时期、不同国家的大量作品会一一呈现在您眼前。

　　辑录本套丛书的目的是希望它能够为艺术家所用，为其研究工作提供便利，使其无须花费巨大代价即可拥有丰富而实用的素材。这便是我们一以贯之的追求。

19世纪欧洲艺术思潮与风格演变研究 内容提要： 本书聚焦于19世纪欧洲艺术领域所经历的深刻变革与复杂图景，尤其侧重于探讨在工业革命、社会动荡与民族主义兴起的大背景下，艺术思潮如何从古典主义的严谨殿堂中挣脱，最终迈向现代主义的多元开端。全书系统梳理了浪漫主义、现实主义、自然主义、象征主义乃至早期印象派的发生、发展脉络及其相互间的张力与影响。 第一章：古典余晖与浪漫主义的勃兴（1800-1848） 本章首先回顾了拿破仑战争结束后，欧洲社会对秩序与理想的回归渴望，以及这种渴望如何催生了新古典主义在建筑与雕塑领域最后的辉煌。然而，这种对理性与古典范式的过度推崇很快引发了反思。 1820年后，以法国的德拉克洛瓦、英国的透纳和康斯特布尔为代表的浪漫主义艺术思潮开始占据主导。本章将深入剖析浪漫主义如何将“情感”、“想象力”、“异域风情”和“崇高”置于艺术表达的核心。在文学影响下，艺术家们转向对中世纪骑士精神、东方主义（Orientalism）以及自然界宏大力量的描绘。 建筑方面： 重点分析哥特复兴运动（Gothic Revival）在英国的兴起，特别是阿古斯塔斯·普金（A.W.N. Pugin）关于“道德建筑”的理论。这一时期，建筑不再是单纯地模仿古希腊罗马的柱式，而是转向对本土历史风格的重新发掘，体现出民族身份认同的需求。 雕塑方面： 探讨浪漫主义如何挑战新古典主义的静态美学。例如，对动态瞬间的捕捉、对剧烈情感的表达（如罗丹的前身）开始在一些先驱作品中显现。 第二章：社会转型与现实主义的崛起（1848革命前后） 1848年革命标志着欧洲社会结构性矛盾的集中爆发，也直接催生了艺术领域对“真实”的追求。现实主义艺术（Realism）坚决反对浪漫主义的逃避与虚饰，主张直接描绘当代生活，特别是工人阶级、农民和普通市民的艰辛日常。 本章详细考察了法国画家库尔贝（Courbet）的“石破天惊”的艺术宣言，以及米勒（Millet）对田园劳作的虔诚描绘。他们将原本被排斥在“高雅艺术”之外的主题——如死亡、劳动、贫困——提升到了严肃艺术的地位。 雕塑与城市规划： 这一时期，城市面貌开始发生巨变，尤其在巴黎奥斯曼男爵的主导下，城市空间被重新规划。雕塑开始更多地融入公共纪念碑和喷泉设计中，但其风格仍带有新古典的官方气息，与新兴的现实主义绘画形成了有趣的对话与脱节。 第三章：科学、技术与艺术边界的模糊（1860-1880） 随着科学认识论的发展（如实证主义、达尔文进化论的传播），艺术家们开始关注光线、色彩的客观物理属性，以及瞬间视觉感受的捕捉。 印象派的诞生： 本章分析了莫奈、雷诺阿等艺术家如何将工作室的传统搬至户外（Plein Air），通过对光影的瞬时记录，彻底颠覆了学院派对形体稳定性的执着。这种对“视觉印象”的优先权，为现代艺术的抽象化铺平了道路。 摄影术的冲击： 摄影术在这一时期成熟，它极大地解放了绘画对“再现客观世界”的责任。摄影术可以更“真实”地记录瞬间，迫使绘画必须探索摄影无法企及的精神领域。 装饰艺术的复兴与挑战： 探讨威廉·莫里斯（William Morris）领导下的工艺美术运动（Arts and Crafts Movement）。莫里斯猛烈抨击工业化生产带来的低劣美感和工人异化，呼吁回归中世纪手工艺的精湛技艺与作品的实用性、美观性的统一。这不仅仅是风格上的复古，更是对工业资本主义社会结构的反思。 第四章：颓废、象征与精神的回归（1880-1900） 进入世纪末，对工业化成果的幻灭感加剧，艺术思潮转向了对内心世界、梦境、神秘主义和非理性力量的探索，即象征主义（Symbolism）。 象征主义者，如古斯塔夫·莫罗和奥迪隆·雷东，认为外部世界只是内在精神的符号。他们偏爱神话、寓言和象征性的母题，色彩和线条不再服务于描绘对象，而是直接表达情绪和观念。 建筑与室内设计： 这一时期，新艺术运动（Art Nouveau，或称风格派）在欧洲各国展现出强大的生命力。建筑师和设计师如维克多·霍塔（Victor Horta）和赫克托·吉马尔（Hector Guimard）将自然界流动的、有机的线条引入到建筑的结构、铁艺、玻璃和家具设计中。他们试图创造一种“整体艺术作品”（Gesamtkunstwerk），将生活空间的美学提升到前所未有的高度，挑战了僵硬的古典复兴风格。 结论： 19世纪是欧洲艺术“自我解构”与“重塑身份”的百年。它完成了从对古代完美的模仿（古典主义）到对人类情感的极度放大（浪漫主义），再到对当代社会细致入微的观察（现实主义），最终转向对视觉科学的探索（印象派）以及对内在精神世界的深入挖掘（象征主义）的复杂历程。这一百年的探索，为20世纪艺术的彻底转型（如立体派、抽象艺术的出现）奠定了必要的理论基础和视觉语言储备。本书旨在通过对绘画、雕塑、建筑及工艺设计多领域交叉的分析，描绘出这股洪流的全貌。

评分☆☆☆☆☆

这本书的排版设计本身就体现了一种古典的克制与和谐，大量的留白让那些复杂的图文信息得到了有效的呼吸空间，减轻了阅读的疲劳感。我原本关注的重点是古代石刻上的铭文风格演变，这本书在这方面的处理非常专业。它不仅仅展示了字体的变化，更结合了铭刻的技术难度——是直接雕刻还是浅浮雕填充——来分析不同时期对信息传播效率的要求。章节之间的过渡处理得极其自然，从公共纪念碑转向私人住宅的装饰主题，过渡得毫无生硬感。我惊喜地发现，书中收录了一些鲜为人知的拜占庭时期教堂的内部照片，这些照片光影效果极佳，完美捕捉了马赛克在不同光源下的色彩波动，这比许多博物馆的展品陈列更具冲击力。总的来说，这是一部集学术严谨性、视觉美感和历史洞察力于一体的杰作，是任何严肃的古典艺术爱好者书架上不可或缺的镇馆之宝。

评分☆☆☆☆☆

作为一名专业的艺术史研究人员，我通常对市面上那些“大而全”的图册抱持审慎态度，因为它们往往在深度上有所欠缺。然而，这本厚重的文献集却给我带来了不小的惊喜。它最成功之处在于，没有简单地罗列作品，而是深入挖掘了装饰艺术背后的社会功能和哲学背景。例如，书中对中世纪雕塑中“寓言性符号”的解析，不再满足于传统的圣经故事解读，而是结合了当时的城市规划和行会结构，这为理解中世纪艺术的功能性提供了新的钥匙。我对其中关于建筑材料选择与地方性信仰关联性的章节印象尤为深刻，作者引用了大量一手文献资料，比如某个石匠行会的记录，使得论证具备了无可辩驳的说服力。虽然书籍的开本很大，不太方便携带，但这种沉浸式的阅读体验，更像是在一个专业的档案馆里翻阅珍贵档案，让人心无旁骛，完全沉浸于历史的细节之中。

评分☆☆☆☆☆

我手里这本关于古代装饰艺术的专著，其内容广度着实令人咋舌，几乎涵盖了从美索不达米亚到巴洛克盛期所有主要的装饰母题和技法。我关注的焦点主要集中在罗马帝国晚期和早期基督教的镶嵌画风格上，这本书对于不同时期图案的演变轨迹梳理得非常清晰，特别是它深入探讨了不同地域的工匠如何在遵循既有范式的前提下，巧妙地融入地方性的色彩和象征意义，这一点非常有启发性。我原本以为关于“卷草纹”的研究已经到了瓶颈，但作者提供了一个全新的视角——通过分析这些纹饰在不同尺度上的应用（从微观的珠宝到宏观的壁画），揭示出一种跨越时代的秩序感。阅读过程中，我常常需要停下来，对照着我收藏的一些古代文物拓片进行比对，从中得到的印证感和满足感是无与伦比的。这本书的目录结构严谨得像一座哥特式教堂的拱券系统，逻辑支撑有力，层层递进，绝非泛泛而谈的通识读物。

评分☆☆☆☆☆

我购买这本书主要是想系统学习一下洛可可风格在室内设计中的具体应用案例，尤其是那些复杂的壁板和家具细部的处理方式。坦白说，这类书籍往往充斥着大量华而不实的彩绘图片，但这一本的重点似乎放在了“工艺的秘密”上。它详尽地展示了镀金、漆艺和木雕工艺之间的协同作用，甚至涉及到当时颜料的配方和耐久性测试。我特别喜欢书中对“非对称美学”的阐释，是如何在严格的对称框架内创造出视觉上的动态平衡，这对于我目前正在进行的现代主义设计简化尝试有很大的借鉴意义。作者的叙事风格非常平实，没有过多的理论渲染，更多的是以一种“工匠的视角”去描述美学是如何被物化和实现的。唯一的遗憾是，关于巴洛克后期向新古典主义过渡阶段的案例分析稍显仓促，如果能再增加一些关于彼得·保罗·鲁本斯晚期装饰项目的数据会更加完美。

评分☆☆☆☆☆

这本书的装帧简直是艺术品，厚重的纸张和精美的插图让人爱不释手，光是捧在手里就能感受到那种沉淀了历史厚重感的仪式感。我原本以为这仅仅是一本教科书式的图录，但翻开第一页就被那些恢弘的建筑照片深深吸引住了。特别是那些关于古希腊神庙的剖面图和细节放大，简直是细致入微，连石块的纹理和凹槽的比例都标注得清清楚楚。对于一个痴迷于建筑史的业余爱好者来说，这不仅仅是知识的积累，更是一种视觉的享受。虽然我主要关注的是文艺复兴时期的风格演变，但书中对于早期古典主义的铺陈，为理解后世的演变提供了极其坚实的基础。我特别欣赏作者在描述建筑语汇时所采用的那种近乎诗意的语言，将冰冷的几何结构与人文精神巧妙地结合起来，让人在学习技术细节的同时，也能感受到古典美学的灵魂所在。唯一美中不足的是，有些图片的分辨率在放大到极致时略显不足，不过考虑到印刷的难度和成本，这已是极高的水准了。