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[美] 查尔斯·罗森（CharlesRosen）著杨 著

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出版社： 华东师范大学出版社有限公司

ISBN：9787567543546

商品编码：10285183714

出版时间：2016-01-01

作  者:(美)查尔斯·罗森(Charles Rosen) 著;杨燕迪 译 著作 定  价:138 出 版 社:华东师范大学出版社有限公司 出版日期:2016年01月01日 页  数:616 装  帧:精装 ISBN:9787567543546 ●中译者序
●中译本导读
●初版前言
●扩充版前言
●致谢
●参考文献说明
●谱例说明
●卷一导论
●1、18世纪晚期的音乐语言
●时代风格与群体风格；调性；主-属对极；转调；平均律制；线型形式的削弱
●2、形式的理论
●19世纪的奏鸣曲式概念；20世纪的修正；申克尔；动机分析；常见的错误
●3、古典风格的起源
●古典风格的戏剧性格；1755-1775年间各种风格的能力范围；公众性音乐与私密性音乐；矫饰风格时期；初期古典风格的对称与模式；形式的决定因素
●卷二古典风格
●1、古典音乐语言的聚合性
●周期性乐句；对称与节奏转换；同质的（巴洛克）节奏体系对异质的（古典）节奏体系；力度与装饰；节奏与力度转换（海顿四重奏Op.33No.3）；和声过渡（转调）；装饰性风格对戏剧性风格；惯例性材料；调性稳定与解决；再现和张力的表达；重新诠释与第二群组；下属调性；主题的对比；对比矛盾的和解，对称的解决；大型曲式与乐句的关系，扩展技巧（海顿钢琴三重奏，H.19）；单音、和弦、与转调的对应；节奏的清晰表述[articulation],单个节拍的份量；奏鸣曲风格和异乎寻常的材料：幻想曲（莫扎特的幻想曲，K.475）；可听形式对不可听形式；非音乐的影响；音乐中的机智。
●2、结构与装饰
●奏鸣曲式概说；结构装饰；18世纪晚期的装饰音处理；装饰功能的激烈变化。
●卷三海顿：从1770年到莫扎特逝世
●部分目录

内容简介

这是一位音乐奇人书写的一部音乐奇书。这是迄今为止，仅有的获美国国家图书奖的音乐书籍。这是近五十年来，认可的影响力、引用率方面“无有比肩者”的西方经典音乐论著，为音乐文脉的著述和音乐分析的批评确立了崭新的标杆与尺度。
《古典风格（修订版）》新增杨燕迪教授的导读一篇，供读者进一步认识作者深刻的音乐思想和洞见。
西方学界已有共识，查尔斯·罗森的《古典风格：海顿、莫扎特、贝多芬》一书是近五十年以来认可的影响力、引用率方面“无有比肩者”的西方经典音乐论著——没有之一（至少在英语世界）。此书于1971年出版，翌年即获得美国国家图书奖[National Book Award]，迄今没有第二本音乐书籍获得过此项殊荣，其在音乐书中的“塔尖”地位俨然不可撼动。
《古典风格》分为八个部分（中译本分“八卷”）的总体布局，前两卷是对18世纪音乐语言和古典风格的概貌总览，为等
(美)查尔斯·罗森(Charles Rosen) 著;杨燕迪 译 著作 查尔斯·罗森，美国钢琴家，作家。他出生于纽约的一个建筑师之家，自幼习琴，少年时拜钢琴家罗森塔尔为师，可算是李斯特显赫谱系的“嫡传”。他的正式职业身份是音乐会钢琴家，成名后频频在欧美各重要音乐舞台和音乐节上亮相，并留下为数甚多的唱片录音。傅聪先生曾经用“音乐中的钱钟书”来定位罗森。

杨燕迪（1963-），音乐学家、音乐评论家、音乐翻译家，现任上海音乐学院副院长、教授。 初版前言

    笔者并不想对古典时期的音乐进行全面综述，只是想对该时期的音乐语言进行一番描述。在音乐中与在绘画和建筑中一样，人们对所谓“古典”艺术的原则进行总结梳理（如果你愿意，不妨称之为“古典化”[classicized]），恰是在其创造动力消失以后。笔者力图想做的是重新恢复古典风格仍具有自由生命力的某种感觉。笔者的论述范围只涉及古典时期的三位大师，因为笔者坚持一种似乎过时的立场：必须以这三位大师的成就为标准，才能认识这一时期的音乐语言。也许可以区分1770年间的英语和（比如说）约翰逊博士[Dr. Johnson]的文字风格，但在18世纪后期的音乐语言和海顿的风格之间做出区别，不仅困难重重，而且很值得怀疑是否有必要这样做。
有人相信，ZUI伟大的艺术家必须以周围的平庸之辈为反衬背景，才会彰显突出的效果。换言之，等

《现代设计思潮：从后现代到数字时代的视觉语言》 一部深入剖析近五十年设计领域演变脉络的权威著作 本书核心内容简介： 本书旨在全面梳理自20世纪70年代中期“后现代主义”思潮兴起，直至当前“数字媒介与体验设计”主导的格局中，视觉艺术、平面设计、工业设计以及建筑领域所经历的深刻变革与核心驱动力。它并非对既有风格的简单罗列，而是着重于探究驱动这些风格演进的社会、技术和哲学基础，揭示设计语言如何适应并重塑我们对真实与虚拟世界的感知。 --- 第一章：告别乌托邦——后现代主义对现代主义的解构与反思（约300字） 本章深入剖析了1970年代中期西方设计界对现代主义“形式追随功能”教条的反叛。我们不再将设计视为解决所有社会问题的万能钥匙，而是开始关注意义、历史语境和符号的复杂性。重点探讨了诸如孟菲斯集团（Memphis Group）对实用主义的戏谑、意大利的“激进设计”（Radical Design）如何挑战工业化生产的美学规范，以及符号学和解构主义哲学如何渗透到视觉传达的肌理之中。设计不再追求纯粹的、普世的美，而是拥抱了地方性、拼贴和装饰的回归。本章详细分析了这一时期文本与图像之间张力的重塑，以及设计如何开始承担起文化评论的职能。 第二章：全球化与多元文化的设计语境（约350字） 随着全球化进程加速，设计的话语权开始从西方主导转向更加多元的视角。本章聚焦于探讨非西方文化（尤其是亚洲和拉丁美洲）的设计实践如何以其独特的历史遗产和手工艺传统，挑战了西方中心主义的设计叙事。我们审视了全球供应链对设计伦理的影响，以及设计如何试图在标准化的工业流程中，保护和弘扬地方性的文化记忆。同时，深入分析了“简约主义”（Minimalism）在不同文化背景下的差异化解读——它在西方可能意味着对消费主义的抵抗，而在某些语境下则可能被迅速商品化。本章引入了批判性设计（Critical Design）的概念，探讨设计师如何利用设计对象本身来提出社会、政治和环境问题的尖锐质询。 第三章：技术跃迁：数字时代的降临与媒介的融合（约400字） 2000年以后，互联网和移动技术的普及彻底颠覆了设计的载体和传播方式。本章的核心在于分析“媒介即信息”的时代特征如何重塑了用户体验（UX）和界面设计（UI）。我们探讨了从桌面排版到动态、响应式界面的范式转移，以及“拟物化”（Skeuomorphism）到“扁平化”（Flat Design）再到“材料设计”（Material Design）的演变路径，这背后反映的是对信息获取效率和美学追求的持续拉锯。重点分析了交互设计中“可用性”与“愉悦性”之间的平衡，以及动态图形和微动效如何成为叙事的新语言。本章还讨论了算法和大数据在设计决策中的介入，以及这给设计师的创造性和原创性带来的伦理挑战。 第四章：可持续性、体验与共创：面向未来的设计伦理（约350字） 进入当前阶段，设计议题已不再局限于“美观”或“有效”，而是深度嵌入到气候变化、社会公平和长久福祉的宏大叙事中。本章考察了“服务设计”（Service Design）和“系统思维”如何超越单一产品，关注用户与服务网络的全流程体验。我们详细阐述了“循环经济”原则在产品设计中的具体应用，以及如何通过材料选择和生命周期规划来减少环境足迹。此外，本章还重点探讨了“共创设计”（Co-creation）模式，即设计师不再是高高在上的决策者，而是赋能社区和用户参与到设计过程中的引导者。讨论了增强现实（AR）和虚拟现实（VR）技术如何开辟出新的、沉浸式的设计空间，并对物理世界的设计提出了新的挑战和可能性。 第五章：设计的边界消融与跨学科的未来（约100字） 最后，本章总结了设计领域日益明显的学科边界消融现象。我们看到，设计思维正被广泛应用于商业战略、医疗流程优化和城市规划。设计不再是一个孤立的审美活动，而是成为一种解决复杂问题的元工具。本书展望了未来设计教育和实践的可能走向，强调对复杂系统理解能力和跨文化交流能力的重要性，以迎接一个更加模糊、更具流动性的创造性未来。 --- 本书特色： 深度理论框架： 不满足于风格的表面描述，力求追溯每一设计转向背后的哲学根源。 案例精选： 选取了大量跨越工业、平面、数字媒介的标志性案例进行剖析，展现设计的整体性。 批判性视角： 始终保持对技术乐观主义和市场驱动的警惕，鼓励读者以审慎的态度审视设计的作用。 适合读者： 设计专业学生、资深从业人员、艺术史研究者，以及任何对当代视觉文化和技术演变感兴趣的读者。

评分☆☆☆☆☆

拿到这本厚厚的著作时，我就知道它绝不是市面上那些浮光掠影的“速成指南”。它像一位耐心的导师，一步一步引导我进入古典世界的精妙殿堂。它的叙事方式非常具有个人色彩，行文流畅，带着一种老派学者特有的沉稳和对细节的执着。我特别喜欢作者对文艺复兴时期建筑师们如何“复兴”和“解读”古代遗迹的详细考证。比如布鲁内莱斯基在佛罗伦萨大教堂穹顶上的创新，是如何巧妙地融合了古典的逻辑与新兴的工程技术。书中对于人文主义思潮如何影响建筑形式的分析，也令人耳目一新，它成功地将建筑从纯粹的技术领域提升到了文化和思想的层面。对于初学者来说，可能有些专业术语需要反复查阅，但只要你愿意投入时间，这本书的回报是巨大的。它不是让你快速学会画一个三角楣饰，而是让你理解为什么那个三角楣饰会是那个样子，它背后承载的是什么样的宇宙观和人类理想。读起来非常“扎实”，很有分量感，绝对是书架上需要留出一块重要位置的参考书。

评分☆☆☆☆☆

我是在为我的毕业设计寻找灵感时偶然发现这本书的，起初只是抱着翻阅的心态，但很快就被其严谨的考据和宏大的视野所吸引。这本书最让我震撼的是它对古典建筑“规范”的阐释——那些看似僵硬的黄金比例和模数系统，在作者的笔下焕发出了生机，被揭示为一种对人类尺度和自然韵律的深刻洞察。它没有过度美化古典的“完美”，而是客观地展示了不同历史阶段，工匠和建筑师们在实践中如何灵活运用、甚至突破这些既定规则。其中有一章专门论述了古典元素在不同地域文化中的变异和适应性，比如巴洛克时期对古典语汇的夸张和戏剧化处理，以及新古典主义对简洁的回归，这使得全书的视野不再局限于地中海区域。文字密度很高，但排版和图注的配合非常出色，清晰地标示出了每一个构件的名称和功能。这本书读完后，我感觉自己对“形式追随功能”这句话有了更深层次的理解，因为在古典语境中，形式本身就蕴含着至高的精神功能。

评分☆☆☆☆☆

这本书给我带来的最大感受是“沉静的力量”。它没有激昂的论调，也没有追逐时髦的批判，它只是以一种极其沉稳、近乎冥想的状态，带领我们重新审视那些经历了数千年风雨考验的建筑范式。作者对光影和比例的描述，充满了诗意和数学的精确性。我特别留意了其中关于古典建筑与自然环境和谐共生的章节，书中通过大量的剖面图和轴测图，展示了建筑如何巧妙地利用地形，使人工制品融入地貌，而非生硬地占据空间。这本著作无疑是面向严肃学习者的，它要求读者具备一定的几何学和历史背景知识，但它提供的知识体系是如此的完整和自洽，让人感觉整个西方建筑的演进逻辑豁然开朗。我发现自己开始用一种更慢、更审慎的眼光去衡量设计中的每一个决定。这本书的价值在于，它提供了一个永恒的参照系，让我们在瞬息万变的当代设计浪潮中，依然能找到那份对永恒美的追求和对人类尺度最基本的尊重。

评分☆☆☆☆☆

这本书简直是建筑史爱好者和设计从业者的宝典！我花了整整一个周末沉浸其中，感觉自己仿佛穿越回了古希腊和古罗马的辉煌时代。作者对古典建筑语汇的剖析深入浅出，无论是多立克、爱奥尼克还是科林斯柱式的细微差别，都被描绘得淋漓尽致。书中对比例、对称以及空间序列的讨论，不仅停留在理论层面，更有大量的实物案例支撑，比如万神庙的穹顶结构、帕特农神庙的立面处理，那些高清的图片和精细的测绘图，简直让人爱不释手。我特别欣赏作者在探讨“永恒性”和“理性美”时所流露出的学识与情怀。对于想要了解西方古典美学思想根源的读者来说，这本书提供了坚实的理论基础，它不仅仅是一本建筑图集，更是一部关于秩序与和谐的哲学著作。读完后，我再去看任何现代建筑，都会下意识地去寻找那些隐藏在表象之下的古典基因，这种思维方式的转变，是阅读这本书带来的最宝贵的收获。唯一的遗憾是，某些极为冷门的拜占庭晚期建筑的实例略显单薄，但瑕不掩瑜，对于主流的古典主义脉络的梳理，已然是登峰造极的水准。

评分☆☆☆☆☆

坦白说，这本书的装帧和封面设计透露着一种低调的学术气息，初看之下，可能不会像那些色彩斑斓的图册那样引人注目。然而，一旦你翻开它，就会被其深厚的内涵所折服。这本书的叙事线索非常清晰，它没有简单地按时间顺序罗列建筑，而是选择了几个核心概念——如“人与神的关系”、“公共空间的概念”、“纪念碑性”——来串联起不同时期的古典实践。这种结构使得读者能够跳出单纯的风格比较，而是去探讨建筑背后的社会需求和权力表达。我尤其喜欢作者对材料运用的探讨，比如不同石材的肌理如何影响光影在立面上的表现，这在很多纯理论的书籍中是很少被深入提及的。它教会我如何“看”建筑，而不仅仅是“读”建筑。它对细节的关注达到了近乎偏执的程度，比如拱券的结构力学分析，虽然有些枯燥，但对于理解古典建筑的持久性至关重要。对于那些希望深入研究建筑史而非仅仅停留在皮相鉴赏的人来说，这本书提供了不可替代的深度和广度。