视唱教程（第2册·第1分册）（2A） pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

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[法] 亨利·雷蒙恩，[法] 古斯塔夫·卡卢利 著

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• 视唱练耳
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• 音乐理论
• 高等教育
• 教材
• 音乐专业
• 视唱
• 乐理
• 第二册
• 分册

出版社： 人民音乐出版社

ISBN：9787103000205

版次：1

商品编码：11934835

品牌：人民音乐出版社（PEOPLE’S MUSIC PIBLISHING HOUSE）

包装：平装

开本：32开

出版时间：2015-01-01

用纸：胶版纸

页数：77

内容简介

　　《视唱教程》共十册；收编有大量古典及近代作家的单声部、二声部、三声部及四声部的作品。各分册按深浅程序循序渐进地予以分类：第1册第1分册至第5册第3分册为单声部；第6册第1分册至第9册第2分册为二、三四声部；第10册带有歌词；是一部相当完整、实用的视唱教程。由它的分类科学、合理；编排由浅至深；因此不仅适合于音乐初学者或音乐爱好者音乐入门之用；也适合于音乐院校学生及广大音乐工作者深造之用。这套书共采用七个谱号：第二线的Sol谱号；第1、2、3、4线的Do谱号及第3、4线的Fa谱号：除了第二线Sol谱号与第四线Fa谱号是几乎所有的学音乐的学生都要用的谱号以外；例如大提琴演奏还要用第四线Do谱号；中提琴演奏要用第三线Do谱号；声乐则男声还要熟悉第四线Do谱号；女声还要熟悉第一线、第三线Do谱号；又例如作曲及指挥；为了总谱阅读的移调读谱；应该全部掌握上述七种谱号的读谱技能等等。总之；五线谱使用了上述七种谱号后；每条线上及其上加一线与下加一线都可以记谱为中央Do：因而可以适用于各种音域的声乐或器乐的记谱；并可用来作为移调读谱的有效工具；而各个以音乐为专业的学生；根据其专业特点的需要；可以部分地或全部地掌握这七种谱号的读谱技能；这套《教程》正是这些方面为他们做了切合实用的安排。

前言/序言

音乐理论与实践的深度探索：高级和声与对位入门 专为有志于深入音乐艺术殿堂的学习者设计，本书构建了一座坚实的理论桥梁，连接基础知识与复杂的音乐创作实践。 第一部分：高级调性体系的构建与精炼（约500字） 本书伊始，便带领读者超越传统大小调式的范畴，进入更为广阔的调性世界。我们细致剖析了调式功能与色彩的微妙变化，特别是围绕调性中心重建的复杂性和声手法。 一、超三度与扩充和声： 我们将重点研究如何利用三度音程以上的叠加来创造丰富而深邃的音响效果。深入探讨九和弦、十一和弦、十三和弦的结构原理、转位特征及其在不同音乐时期（尤其浪漫主义晚期至二十世纪初）的实际应用。我们不仅关注和弦的垂直构造，更强调其在乐句进行中的功能转换和色彩渲染，例如如何利用属九和弦的导向性，结合减七和弦的模态模糊性，实现平稳或戏剧性的调性转换。 二、半音化与色彩和弦的运用： 本章是理解后期浪漫主义和声的关键。详细解析那不勒斯六和弦（Neapolitan Sixth Chord）的起源、功能及其在主调音乐中的替代作用。随后，着重讲解增六度等效和弦（Augmented Sixth Chords）——意大利式、德国式、法国式——它们的音响特性、解决倾向，以及在转调连接中的枢纽作用。我们通过分析大量乐例，展示这些“色彩和弦”如何打破传统功能和声的束缚，赋予音乐以强烈的方向感和情感张力。 三、平均律体系下的调性边缘： 探索等音现象与调性模糊。讨论在半音音阶背景下，如何利用音高集合理论来分析和声的内在逻辑，而非仅仅依赖传统功能。引入非功能性和声（Non-functional Harmony）的概念，分析如李斯特、德彪西等作曲家如何利用和弦的堆叠和并置来营造纯粹的音响氛围。这部分内容要求学习者具备扎实的传统和声基础，以便更好地理解这些突破背后的理论逻辑。 第二部分：复调思维的深化——对位法的进阶（约600字） 对位法不再是简单的旋律线条交织，而是结构性思维和织体控制的艺术。本部分侧重于巴赫晚期风格与对位逻辑的拓展。 一、严格对位法的精修： 系统回顾并深化二声部至四声部严格对位的训练。特别加强对不协和音程的引入、解决的时机与规则的掌握。在三、四声部中，如何处理平行性问题（如平行五度、八度的规避）的例外情况，以及在不同声部密度下的织体平衡。课程将训练学生在面对复杂节奏和固定音型时，依然能保持清晰的旋律线条。 二、赋格曲的结构解析与写作： 赋格曲是复调艺术的巅峰体现。我们将从主题（Subject）的构建入手，分析其节奏特征、音程轮廓与“可塑性”。深入学习呈示部、展开部与再现部的结构功能，重点剖析应答（Answer）的类型（移位应答与移调应答）及其对调性布局的影响。 接下来的重点是展开部技巧：详尽解析插入句（Episodes）的写作，它们如何利用主题的片断或新的材料进行转调和连接；重点研习主导技巧（Middle Entries）的安排。同时，细致区分紧密模仿（Stretto）的各种类型——如时值紧缩、音高紧缩，以及它们如何增强乐章的戏剧性高潮。 三、自由对位与织体设计： 将严格对位法（如赋格）的逻辑延伸至自由创作领域。探讨自由对位（Free Counterpoint）在交响配器和室内乐中的应用。分析如何通过声部代换（Voice Crossing）、旋律的隐性使用以及节奏的错位来创造现代的复调织体，例如在荀伯格早期作品中体现出的对位思维。理解对位如何服务于整体的音乐表达，而非成为束缚。 第三部分：曲式结构的宏大视野（约400字） 本部分将曲式分析提升至结构心理学的层面，关注宏大乐章的布局与材料的逻辑发展。 一、奏鸣曲式的深层剖析： 超越对呈示部、展开部、再现部的基本认知，深入研究主题群（Thematic Groups）之间的内在冲突与统一性。着重分析发展部的“浓缩”与“离心化”过程，即材料如何被分解、重组并导向新的调性中心。同时，探讨再现部调性恢复的策略（如主调主题在主调再现，副主题在主调再现），以及尾声（Coda）如何作为独立的高潮结构出现，完成对全曲的总结与升华。 二、变奏曲的内在逻辑： 探究变奏曲（Variations）中“统一性”与“多样性”的辩证关系。系统分类变奏的类型：包括和声变奏（Harmonic Variation）、旋律轮廓变奏（Melodic Contour Variation）以及节奏变奏（Rhythmic Variation）。分析如何通过控制这些要素的单一变化或组合变化，使得一系列看似不同的片段能够保持其有机联系。重点研究如勃拉姆斯晚期变奏曲或拉赫玛尼诺夫的帕格尼尼主题变奏中的结构性创新。 三、回旋曲与复合曲式： 分析回旋曲（Rondo）中主部（A）的回归逻辑，它在不同位置的调性归属变化。最终，将所学的和声、对位与曲式知识融会贯通，分析如奏鸣曲-回旋曲式等复合结构的内在驱动力。理解音乐的结构布局如何映射了人类思维的逻辑推理过程。 --- 本书旨在培养学习者独立分析和系统构建复杂音乐作品的能力。通过严谨的理论训练与大量的实例解析，确保学习者不仅“知道”规则，更能“运用”规则，最终形成成熟的音乐判断力。

评分☆☆☆☆☆

这本书简直是我的音乐启蒙“神器”！我一直对音乐有着浓厚的兴趣，但总感觉视唱练耳这块是我的“软肋”。市面上也看过不少教材，但总觉得要么过于枯燥，要么难度跨度太大，很难找到一本既系统又易于入门的。直到我遇到了这本书，它就像一位循循善诱的老师，一点一点地引导我进入视唱练耳的世界。 我特别喜欢它循序渐进的学习方式。第一部分从最基础的音程、节奏训练开始，每一个概念都解释得非常清晰，配以大量生动形象的例子，让我这个零基础的初学者也能轻松理解。它并没有一开始就扔给你一堆复杂的乐谱，而是从最基本的乐理知识入手，让你打下坚实的基础。而且，书中还配有二维码，扫码就能听到例子的演奏，这对于我这样听觉记忆比较强的人来说，简直是福音！每次学习完一个新概念，我都会迫不及待地去听，反复对比，慢慢就能找到感觉。 更让我惊喜的是，这本书的练习设计非常合理。它不是那种“一刀切”的练习，而是根据不同的学习阶段，设计了不同难度的练习题。从简单的单音模唱到复杂的旋律视唱，每一个练习都紧密联系着前面学过的知识点。我发现，通过这些有针对性的练习，我不仅巩固了理论知识，更重要的是，我的耳朵变得越来越“灵敏”，能够分辨出更细微的音高和节奏变化。有时候，我甚至会把练习中的旋律当作一种游戏来玩，不知不觉中就提升了视唱能力。 这本书的编排也十分用心。每章的结构都很清晰，知识点之间的衔接也很自然。它不会让你感到学习的压力，而是让你在不知不觉中享受学习的过程。我经常会在碎片时间里翻看这本书，哪怕只是看几页，也能学到新的东西。它的排版设计也很舒服，字体大小适中，图片清晰，看起来一点都不费力。而且，书的材质也很好，拿在手里很有质感，感觉是一本值得珍藏的书。 总而言之，这本书就像一位耐心细致的音乐导师，它不仅仅是教授视唱练耳的技巧，更是点燃了我对音乐学习的热情。它让我认识到，视唱练耳并非高不可攀，只要有正确的方法和持之以恒的练习，每个人都能掌握这项重要的音乐技能。我强烈推荐给所有对音乐有兴趣的朋友，尤其是那些像我一样，想要系统学习视唱练耳，但又苦于找不到合适教材的音乐爱好者们。

评分☆☆☆☆☆

一直以来，我对视唱练耳这个概念都有些畏惧，总觉得它是一项需要天赋才能掌握的技能，自己恐怕难以企及。然而，当我拿起这本书时，这种顾虑便荡然无存。它用一种极其友善和启发性的方式，带领我走进了这个曾经让我感到遥不可及的音乐领域。 这本书最打动我的地方在于它的“趣味性”。它没有采用生硬的理论灌输，而是将学习过程设计得像一场有趣的音乐探险。每学习一个新概念，都会伴随着一些小故事、小游戏，甚至是富有想象力的场景描绘。比如，在讲解节奏型的时候，它会把不同的节奏比作不同的脚步声，让我们通过想象来感知节奏的律动。这种方式，极大地激发了我学习的积极性，让枯燥的视唱练习变得充满乐趣。 我尤其喜欢它在训练过程中所提倡的“情境化”学习。它不仅仅是让你去唱音符，而是鼓励你去想象音符背后的故事，去体会旋律的情感。它会引导你去思考，这段旋律表达的是什么样的情绪？是喜悦？是忧伤？还是神秘？这种将情感与音高、节奏联系起来的方式，让我觉得视唱不再是一项机械的练习，而是一种富有表现力的艺术创作。 这本书还非常注重培养学习者独立解决问题的能力。它不会直接告诉你答案，而是通过引导性的问题，让你自己去思考、去探索。例如，当遇到一个不熟悉的旋律时，它会告诉你应该从哪些方面入手去分析，应该注意哪些关键点。这种“授之以渔”的教学方式，让我受益匪浅，不仅学会了如何视唱，更学会了如何去“学”视唱。 而且，这本书的结构设计非常人性化，逻辑清晰，内容循序渐进。即使是初学者，也能轻松跟上学习的步伐。它就像一位循循善诱的老师，在你需要的时候给予恰到好处的指导，在你遇到困难的时候给予及时的鼓励。我真心认为，这本书不仅是一本优秀的视唱教材，更是一本能够点燃音乐梦想的启迪之书。

评分☆☆☆☆☆

对于许多想要深入学习音乐的人来说，视唱练耳往往是绕不开的门槛。我曾经也因此感到过困惑和瓶颈，市面上虽然有不少相关书籍，但总感觉缺乏系统性，或者与实际应用脱节。直到我偶然发现了这本书，它以一种颠覆性的方式，让我重新认识了视唱练耳。 这本书最吸引我的地方在于它的“工程化”思维。它并非仅仅教授技巧，而是将视唱练耳视为一项需要系统构建和不断优化的“工程”。它从最基础的“构建模块”（音高、节奏）开始，逐步搭建起更复杂的“建筑”（旋律、和声）。这种结构化的学习方式，让我能够清晰地看到整个学习过程的脉络，也更容易找到自己的薄弱环节。 我特别欣赏它在讲解过程中所使用的“拆解分析”方法。当遇到一个复杂的乐句时，它不会让你直接去“硬啃”，而是教你如何将其分解成更小的、易于理解的部分，然后逐个攻破。这种方法，就像外科医生解剖人体一样，让我们能够深入到音乐的肌理之中，理解每一个音符、每一个节奏的意义。 而且，这本书非常注重“实操性”和“应用性”。它提供的练习不仅是为了训练技术，更是为了让你能够将所学应用于实际的音乐演奏和创作中。它会引导你去分析不同风格的音乐，去理解不同作曲家的创作手法，并将这些理解融入到你的视唱练习中。这让我觉得，视唱不再是孤立的技能，而是连接音乐理论与实践的桥梁。 这本书的编排也十分严谨，每一章节的知识点都得到了充分的展开和论证，并且提供了大量的拓展性内容，供有兴趣的学习者深入研究。它不仅仅是一本入门教材，更是一本能够陪伴你长期学习和进步的“宝典”。我强烈推荐给所有对音乐有追求，想要在视唱练耳领域有所突破的朋友们。

评分☆☆☆☆☆

我是一名音乐爱好者，多年来一直想系统学习视唱练耳，但总是因为找不到一本合适的教材而搁置。市面上的书籍大多内容陈旧，或者过于理论化，很难引起我的学习兴趣。直到我发现了这本书，它以一种全新的视角和方法，彻底改变了我对视唱练耳的认知。 这本书最让我印象深刻的是它的“可视化”教学方式。它不仅仅提供乐谱和讲解，更重要的是，它将抽象的音高和节奏转化成一些易于理解的图像和概念。例如，在讲解音程的时候，它会用不同长度的线条来表示音程的大小，甚至会用不同的颜色来区分音程的性质。这种直观的呈现方式，让我这个对抽象概念比较吃力的人，也能迅速抓住核心要点。 而且，这本书非常注重培养学习者的“内听”能力。它不是让你死记硬背音程的名称和大小，而是通过大量的听辨练习，让你在脑海中形成对不同音程的“感觉”。每当我跟着书中的音频进行练习时，我都会闭上眼睛，去感受声音在空间中的流动，去体会不同音程带来的情感色彩。久而久之，我发现自己对音高的敏感度大大提高，即使是听到一段陌生的旋律，也能大致捕捉到其中的音高走向。 这本书还有一个非常棒的地方，就是它非常强调“音乐性”的培养。它不仅仅是教你如何“唱准”，更是教你如何“唱好”。它会引导你关注乐句的呼吸、情感的表达，甚至是如何处理乐句的起伏和停顿。这些细节的处理，让我的视唱不再是生硬的音符堆砌，而是充满了生命力和感染力。我感觉自己不仅仅是在练习视唱，更是在用声音进行一次次小型的情感交流。 最后，这本书的练习题设计得非常精妙，环环相扣，难度递增。它不会让你感到挫败，而是让你在不断的练习中，感受到自己每一次的进步。我非常喜欢它提供的反馈机制，能够让我及时了解自己的不足，并进行针对性的改进。这本书绝对是我近年来遇到的最棒的视唱练耳教材，没有之一。

评分☆☆☆☆☆

我一直对音乐有着莫名的情愫，但碍于基础薄弱，很多乐谱对我来说都是天书。偶然间，我听朋友推荐了这本书，抱着试试看的心态入手了。刚拿到手的时候，我以为会是那种枯燥乏味的理论堆砌，但翻开之后，我简直眼前一亮。这本书的视角非常独特，它并没有一开始就钻研那些复杂的乐理术语，而是从最直观的“听”和“唱”出发，试图将抽象的音符变得生动形象。 我尤其欣赏它在引导过程中所使用的类比和比喻。比如，它在讲解音程的时候，会把它比作人与人之间的距离，高八度的音就像远方的呼唤，短三度就像亲切的耳语。这种形象的比喻，一下子就拉近了我与音乐的距离，让我觉得视唱不再是冰冷的符号，而是充满情感的表达。它不是在教你死记硬背，而是在培养你的音乐感觉。 这本书还特别注重实践的结合。每讲完一个概念，后面都会紧跟着配套的练习。而且，这些练习的设计也非常巧妙，从模仿到创造，循序渐进。我尝试跟着书中的指示去练习，发现自己的耳朵似乎开始“听懂”了音乐的语言。以前只是凭感觉哼唱，现在我能更准确地把握音高，也能更清晰地分辨节奏的细微变化。这让我非常有成就感。 更重要的是，这本书并没有把视唱练耳孤立起来，而是将其与整体的音乐学习相结合。它会让你理解，视唱练耳不仅仅是为了准确地唱出音高，更是为了更好地理解音乐的结构和情感。它就像一把钥匙，打开了我理解音乐的另一扇门。通过练习，我发现自己对乐曲的感受也更加深刻了，能够更好地体会作曲家想要表达的情感。 总的来说，这本书为我打开了一个全新的音乐世界。它用一种非常人性化、易于理解的方式，将视唱练耳这门看似高深的学问变得触手可及。它不仅提升了我的视唱能力，更重要的是，它让我找到了学习音乐的乐趣和自信。我真心觉得，这本书不仅仅是一本教材，更是一位能与你共同成长的音乐伙伴。

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OK

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东西好，速度快，就是我想要的，给个大大的赞字！

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很好，清晰

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好的

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老师要求买的 不错

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太慢了，包装还算可以，不过书有一点点的破损

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价格便宜 还不错

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有用的书，浅简易懂的知识！

评分☆☆☆☆☆

嗯