中国篆刻聚珍：汉官印 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

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刘江，曹锦炎，祝遂之 著

图书标签:

• 篆刻
• 印章
• 汉印
• 官印
• 中国古代艺术
• 书法
• 集藏
• 历史
• 文化
• 艺术

出版社： 浙江人民美术出版社

ISBN：9787534037207

版次：1

商品编码：11937473

包装：精装

丛书名： 中国篆刻聚珍

开本：32开

出版时间：2016-06-01

用纸：特种纸

页数：152

字数：10000

正文语种：中文

编辑推荐

适读人群 ：篆刻爱好者 篆刻研究者
　　印史图典，临摹范本，品鉴津梁，进阶编次

内容简介

　　丛书坚持学术性与艺术性的统一，以印学史框架为学术支撑，以历代玺印篆刻遗存及印学文献为基础，荟萃印学史专家、古文字学专家、篆刻创作家的综合视野，紧贴篆刻研习规律，遴选能够体现各个时代、各种形制和各个名家流派风格的典型作品，呈现中国玺印篆刻艺术精华。
　　丛书分三辑，第一辑玺印史系列，第二辑名家流派篆刻系列，第三辑专题印系列，三辑总计约五十卷。每卷由三部分组成，第一部分本卷概述，第二部分印蜕及释文，第三部分相关史料文献，其中第二部分编排以从易到难的临习鉴赏进阶安排，兼顾类型特征和审美倾向。
　　此次第一批推出玺印史系列七种，后续品种近期推出。

作者简介

　　刘江，书法篆刻家、中国美院教授、西泠印社执行社长。曹锦炎，古文字学家、浙江大学教授。祝遂之，著名书法篆刻家，中国美院教授。

内页插图

前言/序言

翰墨流芳：中国书法艺术的千年风华 （全书共八卷，字数约150万字，图版近三千幅，收录作品涵盖先秦至近现代，深度解析中国书法发展脉络与审美变迁） 导言：笔墨的宇宙——探寻东方书写哲学的根源 《翰墨流芳：中国书法艺术的千年风华》并非仅仅是一部关于文字形态演变的图册，它是一部贯穿中华文明数千年兴衰的“线条史诗”。本书以极其宏大的视野和精微的考据，系统梳理了中国书法从甲骨文萌芽到当代探索的完整历程。书法，被誉为“无声的音乐，凝固的舞蹈”，是中国独有的高级艺术门类。本书旨在揭示隐藏在笔墨线条背后的哲学思想、社会结构乃至个体心性。 全书共分八卷，每一卷都围绕一个关键的历史时期或核心艺术流派展开，力求做到“宏观把握时代精神，微观剖析笔法精要”。 --- 第一卷：上古遗风与秦汉的规范（先秦至东汉） 本卷聚焦于汉字系统化的初始阶段。我们将深入探讨殷商甲骨文的卜辞功能与刀刻的原始力量；西周金文（钟鼎文）的庄重典雅及其礼乐制度的关联。重点分析春秋战国时期诸侯国文字的地域性差异，如“蝌蚪文”、“鸟虫篆”等奇特形态的兴起与衰落。 秦系文字的统一： 详细解析李斯主导的小篆规范化过程，阐述其对后世章法布局的奠基作用。 隶变： 这是中国书法史上最关键的转折点。本卷用大量图例，剖析隶书由篆书的圆转变为方折的内在驱动力——适应快速书写的社会需求。重点解析了汉代简牍、碑刻的质地对笔触的影响，从曹全碑的秀美到乙瑛碑的古拙，展示了隶书成熟期的丰富面貌。 --- 第二卷：魏晋风度与书圣的诞生（三国两晋南北朝） 魏晋时期，随着玄学思潮的兴起和士人阶层的崛起，书法彻底从实用性中解放出来，成为表达个人性灵的纯粹艺术。《平正古雅》的审美倾向取代了汉代的雄强，内敛而秀逸的风格占据主流。 王羲之的集大成： 深入探讨王羲之如何“兼取众长，集其大成”，他的笔法结构如何为后世楷书树立了难以逾越的典范。对《兰亭集序》的摹本艺术及其在历史上的流传与地位进行细致的文献考证。 “二王”体系的构建： 分析王献之的“破体”与“尽善尽美”，以及书法家族的传承模式。 碑学与帖学的分野： 南朝士族对“法帖”的推崇与北方石刻“碑学”的萌芽，为后世的艺术争论埋下了伏笔。 --- 第三卷：盛唐气象与法度的确立（隋唐五代） 唐代，国力鼎盛，书法艺术达到了一个高度成熟和规范化的阶段。本卷将“尚法”的精神视为核心，探讨唐代书法如何服务于帝国秩序的审美表达。 楷书的鼎盛： 详述欧阳询的“险劲”、虞世南的“温润”、褚遂良的“秀逸”，以及唐太宗李世民对晋人书法的推崇。 颜真卿的革新： 重点解析颜真卿“颜体”的结构宏大、气势磅礴，如何体现盛唐的自信与担当，以及其“忠义”精神在笔法上的投射。 怀素与张旭的狂放： 专门开辟章节研究草书的解放。通过对颠张醉素的考察，展示唐代士人对情感表达极限的追求，草书如何从实用性符号演变为纯粹的“意”的载体。 --- 第四卷：内敛与转折——五代宋初的文人书风（宋代） 宋代是中国社会结构发生重大变化的时期，文人（士大夫）阶层取代了贵族，成为艺术审美的主导者。书法审美趣味开始转向“意趣”和“性情”，反对一味模仿唐代“法度”。 宋四家（苏黄米蔡）的个案研究： 苏轼：论其“我意”的表达，如何将书法与诗文的哲思融为一体，开创“意多于形”的新风。 黄庭坚：解析其“长枪大戟”的结构，以及对笔意的结构性拓展。 米芾：探讨其“刷字”的洒脱与率真，及其在宋代书法中的“反传统”意义。 宋徽宗的瘦金体： 作为一个独特的个案，分析帝王艺术家的独特审美如何渗透进笔法之中，以及其与院体画的关联。 --- 第五卷：帖学的巅峰与碑学的复兴（元明时期） 元代，以赵孟頫为代表，书法艺术回归对晋韵的追溯，书法史进入了一个“复古”的阶段，但这种复古并非简单的模仿，而是在继承中追求新的妍美。 赵孟頫与“晋人风韵”： 探讨其如何以秀逸圆润的笔法，重塑了文人书法的基调。 明代文徵明与“吴门书派”： 分析明代书法在继承中如何形成流派，以及帖学在江南的巨大影响力。 碑学的勃兴： 随着印刷术的发展和对汉魏碑刻的重新关注，碑学开始抬头。本卷详述碑学复兴的社会动因，如对帖学“柔媚”倾向的反思，以及对魏晋朴拙之美的重新发现。 --- 第六卷：从“集古”到“独抒性灵”（清代碑学与帖学的对峙） 清代是中国书法史上的一个重要辩论场。“碑学”与“帖学”的论战，实质上是中国艺术在面对僵化传统时，对原创性与生命力的追问。 碑学的全面胜利： 详尽分析邓石如、吴昌硕等碑学大家的实践。他们从汉碑、魏碑中汲取金石之气，将朴拙、雄强、浑厚的笔意引入书写，极大地拓宽了书法的审美疆域。 帖学的坚守与演变： 探讨以“四王”为代表的帖学在清初的统治地位，以及后期如何试图融合碑意，力图保持帖学体系的活力。 金石学与考据学的影响： 阐述清代盛行的考据学风气如何推动了对碑刻、印章等出土文物的研究，从而为碑学提供了坚实的文献和实物基础。 --- 第七卷：近现代的转型与探索（晚清至民国） 随着西方文化和现代思潮的涌入，中国传统艺术面临前所未有的挑战与机遇。书法在这一时期开始自觉地走向“现代”。 书法的危机感与创新： 分析如何在“救亡图存”的大背景下，书法家们如何重塑传统以适应新的时代精神。 碑学与草书的融合： 重点分析于右任等人，如何将传统草书与民间碑刻的笔法结合，创造出具有时代感的“标准草书”。 教育体系的变革： 考察民国时期，书法如何被纳入新的教育体系，以及其专业地位的变化。 --- 第八卷：当代的多元景观与未来的走向（新中国成立至今） 本卷聚焦当代书法艺术的多元化发展趋势，探讨在信息时代和全球化背景下，传统书法的生命力与适应性。 “书法热”的再兴起： 探讨改革开放后，书法艺术在社会层面和学术层面的复兴。 书法教育与传承： 分析当代高校书法专业的教学模式与学术研究的前沿方向。 跨界与实验： 考察当代书家在保留传统精髓的同时，对材料、形式、空间关系进行的探索，以及书法与现代设计的融合趋势。本书认为，当代书法正处于一个承前启后、风格激荡的黄金时期。 --- 结语：笔意之外的中国精神 全书最后总结，中国书法艺术的魅力在于其“载道”的功能。它不是孤立的线条艺术，而是与文学、哲学、美学、乃至政治史紧密交织的文化综合体。通过对这部千年艺术史的梳理，读者将能领悟到中国文人如何通过手中的笔墨，构建了一个属于自己的、充满秩序与灵性的精神世界。本书配有详尽的释文、参考文献和关键作品的局部放大图，旨在为专业研究者和普通爱好者提供一部全面、深刻、具有独立学术视角的书法通史。

评分☆☆☆☆☆

最近接触到一本很小众的关于宋代瓷器纹饰图案演变的图录，虽然篇幅不大，但信息量极其丰富，完全是“麻雀虽小，五脏俱全”的代表。这本书的核心内容聚焦于宋代五大名窑——汝、官、哥、定、钧——在瓶、盘、碗上出现的特定主题纹饰，例如莲瓣纹、龟背纹以及龙凤纹的细微差别。它没有罗列大量的器型照片，而是用精确的手绘线描图来展示纹饰的结构和布局，这对于研究者来说，比模糊的拓片照片要清晰得多。最让我惊喜的是，书中对比了同一纹饰在不同窑口烧制时，由于胎土和釉料差异导致的视觉效果变化，这需要非常敏锐的观察力才能捕捉到。通过这本书，我第一次清晰地认识到，即使是看似简单的几何纹样，在宋代匠人手中也能焕发出如此多的变化和生命力。对于资深的陶瓷爱好者而言，这是一本能够提升鉴赏层级的进阶读物。

评分☆☆☆☆☆

这本关于古代书法艺术的集子，简直是书法爱好者的福音！它收录了从魏晋到唐宋时期诸多名家真迹的影印件，装帧考究，纸张的质感摸上去就让人心生敬意。每一页的细节都处理得非常到位，墨色的浓淡干湿变化，笔锋的起落顿挫，都清晰可见。我特别喜欢其中关于颜真卿楷书演变脉络的梳理，那一段分析得深入浅出，将他不同时期的风格特点梳理得井井有条，即便是初学者也能从中窥见大师的创作心路历程。书中对一些碑帖的考证也颇下功夫，不仅提供了拓本的清晰图像，还附带了详细的释文和背景介绍，让读者在欣赏艺术的同时，也能感受到历史的厚重感。这本书的排版设计也十分讲究，留白恰到好处，使得原本就苍劲有力的笔画更加突出了其艺术张力。总的来说，这是一本集学术性、艺术性和收藏价值于一身的佳作，强烈推荐给所有对中国传统书法艺术有热情的朋友们。

评分☆☆☆☆☆

这本关于敦煌壁画色彩技法研究的专著，可以说是硬核学术的典范了。我之前对敦煌壁画的印象还停留在那些宏大的佛教叙事场面上，但这本书完全从材料科学和艺术史交叉的角度进行了深入剖析。它详细拆解了壁画中使用的矿物颜料，比如朱砂、石青、孔雀石的来源、研磨工艺以及在不同朝代的使用频率和搭配比例，甚至还有X射线荧光分析的结果图表！读起来虽然需要一定的专业知识储备，但那种探索知识边界的满足感是无与伦比的。作者并没有止步于材料本身，而是将颜色的运用与当时的宗教思想和审美取向联系起来，解释了为什么初唐壁画的色彩饱和度高，而晚唐时期则偏向于内敛和写实。对于想深入了解敦煌艺术“内在机制”的专业人士来说，这本书无疑是案头必备的工具书，信息密度极大，每一个章节都能提炼出新的观点。

评分☆☆☆☆☆

我对建筑史和园林设计一直抱有浓厚的兴趣，而这本关于清代皇家园林营造制度的史料汇编，简直是打开了历史的后门。它收录了大量从《钦定工部工程做法则例》等古籍中辑录出来的官方文书和匠作记录，比如特定构件（如斗拱、望柱）的标准尺寸、用料规格，甚至包括工匠的等级和工时记录都有涉及。这本书的价值在于其极强的“实操性”——它不是在描绘园林的宏伟，而是在展示它是“如何被建造出来”的。我尤其关注了颐和园万寿山佛香阁的几次大修记录对比，可以看到不同皇帝在决策时对结构安全和审美偏好的微妙调整。虽然文字多为古白话，阅读起来需要耐心考据，但一旦进入状态，就能感受到那个时代对工程精度和材料把控的极致追求。这本厚重的书，与其说是读史，不如说是与几百年前的顶尖工匠进行了一次跨越时空的技艺对话。

评分☆☆☆☆☆

我最近淘到一本关于明清文人画的画册，简直是打开了新世界的大门。这本书的选材非常独特，没有过多关注那些耳熟能详的大师，而是聚焦于一些在当时颇具影响力但如今略显沉寂的画家群体，比如“吴门画派”中一些二线人物的作品。高清的图版将那些细腻的笔触和淡雅的设色完美复刻了出来，特别是那些描绘江南园林景色的水墨小品，那种“咫尺之内再造乾坤”的意境，让人心神为之一宁。书里对于每一幅画作的解读，都着重于其背后的文人情怀和社会背景，分析得相当到位，比如某位画家在仕途不顺时所作的“幽竹图”，那种清高孤傲的气质跃然纸上，让人感同身受。装帧是精装函套，外壳仿制了旧时的锦缎，拿在手里沉甸甸的，光是触感就已经是一种享受。它不仅是一本画册，更像是一部微型的明清士人生活史，值得反复品读和摩挲。

评分☆☆☆☆☆

印刷质量很好

评分☆☆☆☆☆

非常好的一本印谱，对学习很有帮助。

评分☆☆☆☆☆

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好好好好好好好好好好好好好好好好好好好好好好好好好

评分☆☆☆☆☆

好书

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评分☆☆☆☆☆

不错不错不错不错不错( ^_^ )不错嘛

评分☆☆☆☆☆

书很精美！