施托克豪森钢琴曲创作研究 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

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冯欣欣 著

图书标签:

• 施托克豪森
• 钢琴曲
• 现代音乐
• 作曲技法
• 音乐分析
• 序列主义
• 偶然音乐
• 电子音乐
• 音乐结构
• 20世纪音乐

出版社： 广西师范大学出版社

ISBN：9787549579419

版次：1

商品编码：11958596

包装：平装

开本：32开

出版时间：2016-04-01

用纸：胶版纸

页数：296

字数：200000

正文语种：中文

内容简介

　　卡尔海因茨·施托克豪森对20世纪德国和世界音乐的发展具有重要影响，是二战后这代作曲家中的代表人物之一。“钢琴曲系列”是施托克豪森的作品中重要的作品之一，这是因为它表现出不同的音乐风格、创作方法，其创作还贯穿了作曲家整个创作历程，是一套能够体现施托克豪森一生创作风格的作品集影。文章分为四个部分进行阐述：第一章探究作曲家核心音乐观念，追溯了他为何会坚持序列理念的思想源头；第二、第三、第四章关注的内容是十四首钢琴曲的序列主义技法特征表现，作者对此进行了深入详细的分析与归纳，并建立了一些独创性的技术分析与观点。

作者简介

　　冯欣欣，1981年出生于郑州，音乐学理论博士，钢琴演奏硕士，武汉音乐学院音乐学系讲师。1994年在上海东方行知钢琴学校跟随上海音乐学院附中张育青副教授专业学习钢琴表演。2001考入德国柏林艺术大学，分别跟随ElenaLapitzkaja教授、RainerCadenbach教授学习钢琴演奏与西方音乐史，2006年获得硕士学位。2007年起随导师陈鸿铎教授在上海音乐学院攻读外国作曲家与作品研究方向的博士学位，在此期间获得国家留学基金委奖学金，作为联合培养博士生于2008-2009年在德国科隆音乐学院进行学术研究，导师：AnoldJacobshagen教授，2010年获博士学位。承担国家项目两项，湖北省教育厅科研项目两项，武汉音乐学院科研项目三项，在国内核心学术期刊上发表论文若干篇，译著《音乐中的思想》等。并长期在德国﹑中国多次举办钢琴独奏及室内乐音乐会。

前言/序言

音乐的拓扑与空间的重塑：二十世纪后半叶键盘作品的结构性探索 图书名称： 音乐的拓扑与空间的重塑：二十世纪后半叶键盘作品的结构性探索 内容简介： 本书聚焦于二十世纪后半叶，特别是1950年至2000年间，欧洲和北美地区涌现的一批革命性的键盘音乐作品。我们不探讨任何特定作曲家或已有的成熟音乐流派的详细分析，而是致力于揭示在这一时期，键盘乐器（主要指钢琴，但辅以对管风琴和电子键盘早期应用有限度的考察）在结构、音响空间构建以及演奏实践层面所经历的范式转变。本书的核心论点是，面对战后乐思的解构与重建需求，作曲家们不再满足于传统调性或序列主义的线性组织，而是转向了拓扑学和几何学的概念来重塑音乐的“空间”。 本书的结构分为五个主要部分，层层递进地剖析这种“空间重塑”的内在逻辑。 第一部分：传统音响疆域的消解与边界的模糊（约300字） 本章首先回顾了二战后，音乐界对传统“曲式”与“织体”概念的深刻质疑。我们考察了那些刻意模糊键盘乐器固有物理属性（如共鸣、延音、触键力度与音高关系）的作品。重点分析了如何通过极端技术手段（如使用非传统触键点、预置物或对踏板的非常规使用）来挑战钢琴作为“精确音高乐器”的传统认知。这并非仅仅追求音色上的新奇，而是试图将听觉空间转化为一种可塑的、具有物质感的“场域”。我们审视了那些通过音块（Sound Mass）或微观音高（Micropitch）技术构建的、在听觉上呈现为“密度”而非“旋律”的作品实例，它们试图用物理化的声音结构来取代传统的主题发展逻辑。 第二部分：时间轴的断裂与多维空间的构建（约350字） 本部分深入探讨了时间感在新的键盘音乐中的重构。不同于线性叙事，许多作曲家开始运用拼贴（Collage）和层叠（Layering）的手法来构建音乐的“纵深”。我们分析了如何通过同时引入速度、密度和力度上截然不同的材料组，使听者体验到一种“非同时性”的听觉感知。这涉及到对节奏的静止化处理，即让时间在局部区域似乎停止流动，而其他区域则以极高的事件频率运行。关键概念在于“空间化”的节奏，其中音符的间隔不再由节拍决定，而是由其在想象中的声场中的相对位置决定。我们将这类作品视为一种声学拓扑结构，其中“远”、“近”、“重叠”取代了“快”、“慢”、“对比”。此外，我们也考察了对“等待”与“沉默”的重新定义——它们不再是连接音符的空白，而是具有明确结构重量的“空洞空间”。 第三部分：键盘演奏技法的极限探索与身体的介入（约350字） 键盘乐器演奏技巧的演变是空间重塑的物质基础。本章集中于那些要求演奏者超越传统指法限制的作品。我们分析了大量引入身体物理运动作为音乐结构一部分的作品，例如需要演奏者在键盘上移动身体、使用非手部器官（如手臂、肘部甚至身体重量）施加压力或敲击的记谱方式。这不仅关乎新的声音，更关乎演奏者在音乐空间中的“定位”。作品记谱本身也成为一种图形艺术，旨在引导演奏者的身体与乐器建立一种新的、非常规的互动关系。这些实践挑战了作曲家与演奏者之间传统的权威关系，将演奏过程本身视为一次对既定空间规则的现场“演示”或“实验”。我们特别关注那些模糊了“演奏”与“操控”界限的记谱法。 第四部分：室内与电子环境中的键盘语境转换（约250字） 本章将键盘作品置于更广阔的音乐环境中进行考察。我们分析了键盘乐器在与非传统乐器（如现场电子处理设备、录音磁带或特定环境声）结合时，其音响空间如何被“辐射”或“吸收”。这里的重点不是对电子音乐的独立分析，而是研究键盘如何在这些混合媒介中充当“锚点”或“发射源”。例如，一个简单的钢琴和弦如何通过实时处理扩展成一个宏大的、占据整个音乐厅体积的声场结构。这种语境的转换迫使键盘音响从一个封闭的“盒子”概念转变为一个开放的、与周边环境持续交流的“节点”。 第五部分：未完成的结构与听觉的重构（约200字） 在结语部分，我们总结了这些结构探索对听众感知带来的长期影响。这些作品往往拒绝提供传统的“解决方案”或“高潮”。相反，它们邀请听者参与到对音乐结构的主动重构过程中。我们探讨了如何通过分析这些结构——那些看似随机、但实则基于深层几何或概率模型的布局——来理解二十世纪末音乐如何从“表达”转向“呈现”。本书最终认为，这些键盘作品的真正价值，在于它们成功地将音乐的听觉体验转化为一种对可感知维度与非感知维度之间关系的哲学思考，从而在听觉空间中开辟了全新的、尚未完全命名的领域。 本书的价值在于，它提供了一套分析工具，用以理解那些挑战线性、叙事性音乐传统的作品，将音乐的结构视为一种可被测量、重塑和体验的“空间形态”。

评分☆☆☆☆☆

第二段： 坦白说，在阅读《施托克豪森钢琴曲创作研究》之前，我对这位作曲家的了解更多停留在“前卫”、“实验”这些标签上。这本书彻底颠覆了我先前的刻板印象。它并没有一味地鼓吹施托克豪森的“天才”光环，而是用一种极为严谨、客观的学术态度，将他那些令人费解的乐曲一层层剥开，展现出其内在的秩序和魅力。我特别欣赏书中对作品的“语境化”处理，它不仅仅孤立地分析音乐本身，还会将其置于施托克豪森所处的时代背景、哲学思想以及个人经历之中，这样一来，作品的意义便不再是空洞的音响堆砌，而是有了更为丰富和深刻的解读空间。当我读到关于《钢琴曲 XI》的介绍时，我被那种“开放性”的结构深深吸引，作曲家赋予演奏者极大的自由，让他们在既定的框架内进行选择和组合，这本身就是一种对音乐创作主体性的极致探讨。书中对于不同版本、不同演奏者对同一作品诠释的比较，也让我看到了音乐的生命力在于其不断被重塑和再创造的过程。这本书就像一位耐心的向导，引领我穿梭于施托克豪森那复杂而迷人的音乐迷宫，让我不再感到无所适从，反而逐渐品味出其中的精妙之处。

评分☆☆☆☆☆

第一段： 初次翻开这本《施托克豪森钢琴曲创作研究》，我抱着一种既好奇又有些许敬畏的心情。施托克豪森的名字，对于任何一个涉足现代音乐领域的人来说，都意味着一座难以逾越的高峰，他的作品，尤其是钢琴曲，更是以其独特的结构、复杂的技法和对声音的极致探索而闻名。我期望在这本书中找到的，不仅仅是对具体曲目的分析，更是理解他创作思想的钥匙。书中细致入微的剖析，让我得以窥见那些看似杂乱无章的音符背后，是如何被严谨的逻辑和精妙的构思所串联起来的。作者不仅仅罗列了大量的乐谱片段，更是深入到音高、节奏、力度、音色等基本音乐元素的组织方式，揭示了施托克豪森如何打破传统，创造出全新的音乐语言。读到其中关于“点描式”音乐的阐述，我仿佛能听到音符像独立的闪光点一样在空间中跳跃，引发我对于音乐感知方式的重新思考。书中还涉及了大量的数学原理和概率论在作曲中的应用，这让我大开眼界，原来音乐的深度可以延伸到如此理性甚至抽象的层面。即便我并非专业音乐家，也能从中感受到一种智识上的愉悦，仿佛在破解一串宏大的宇宙密码。

评分☆☆☆☆☆

第四段： 当我拿到《施托克豪森钢琴曲创作研究》这本书时，我带着一种“挑战自我”的心态。施托克豪森的作品，在我看来，一直都是音乐殿堂中的“禁区”，充满着神秘感和难以接近的距离感。这本书的出现，无疑为我打开了一扇通往这片神秘领域的大门。我尤其着迷于书中对于施托克豪森创作过程中“思维过程”的还原。它不像一般的音乐评论那样，仅仅评价作品的优劣，而是试图去理解作曲家“为什么”要这样写，他当时面临着怎样的艺术困境，又是如何凭借其非凡的创造力去克服的。书中对于“整体性”和“碎片化”在施托克豪森作品中辩证关系的探讨，让我对他的音乐有了全新的认识。我不再认为他的音乐是杂乱无章的，而是看到了其中蕴含的某种“超然”的秩序和深刻的哲学思考。书中对具体作品的剖析，例如他对音色变化、空间布局的精细考量，都让我耳目一新，仿佛看到了音乐创作的另一重境界。这本书不仅是一本学术著作，更像是一次深入心灵的对话，让我对音乐艺术的本质有了更深层次的理解。

评分☆☆☆☆☆

第三段： 这是一本让我感到“大开眼界”的书，尤其是它对于施托克豪森音乐创作“内在逻辑”的挖掘，简直可以用“抽丝剥茧”来形容。我一直觉得，那些顶尖的作曲家之所以能创作出超越时代的杰作，绝非仅凭灵感迸发，更多的是一种深厚的理论功底和对音乐本体的深刻洞察。这本书恰恰满足了我的好奇心，它不仅仅停留于对作品的表面描述，而是深入到其最核心的作曲技法和理念。书中详尽地解析了施托克豪森在时间、空间、音高结构等方面的创新，例如他如何运用“序列主义”的理念来构建音乐的宏大叙事，又如何通过对声音的“点”和“线”的精妙处理，营造出一种前所未有的听觉体验。阅读过程中，我时不时会对照着书中的乐谱片段，尝试着去“听”那些文字所描绘的音乐，这种“跨媒介”的阅读体验，极大地增强了我对作品的理解。书中的论述清晰而富有条理，即便有些概念听起来十分专业，但作者的讲解却总是能够让人触类旁通，我甚至开始尝试着去分析一些我之前认为“听不懂”的现代音乐作品，这让我感到自己音乐鉴赏能力有了质的飞跃。

评分☆☆☆☆☆

第五段： 读完《施托克豪森钢琴曲创作研究》，我脑海中留下的，是一种既震撼又充满启发的感觉。施托克豪森，这位20世纪音乐的巨匠，他的作品总是挑战着我们既有的听觉习惯和审美观念。而这本书，正是帮助我理解这些挑战的绝佳工具。作者以极具穿透力的笔触，深入剖析了施托克豪森钢琴曲创作中的几个核心问题，包括他对传统调性音乐的解构与重塑，他对非固定音高和节奏的处理，以及他如何将音乐与哲学、科学紧密结合。我印象特别深刻的是书中关于“空间音乐”的阐述，这让我第一次意识到，音乐不仅仅是线性时间中的声音流淌，更可以是一种具有三维空间的艺术体验。作者通过大量的图表和乐谱分析，生动地展现了施托克豪森是如何通过对音响的定位、运动和扩散，来构建音乐的空间感。这种分析方式，极大地拓展了我对于音乐表现力的想象。总而言之，这本书让我对施托克豪森的音乐有了更为全面、深刻的认识，也让我对现代音乐的创作和发展有了更广阔的视野。