钢琴音乐演奏技术与作品处理研究 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

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李宇峰 著

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• 钢琴演奏
• 钢琴技巧
• 音乐作品分析
• 音乐处理
• 钢琴音乐
• 演奏技术
• 音乐研究
• 音乐教育
• 钢琴艺术
• 音乐实践

出版社： 中国纺织出版社

ISBN：9787518032730

版次：1

商品编码：12149197

包装：平装

开本：16开

出版时间：2017-07-01

用纸：胶版纸

正文语种：中文

内容简介

　　《钢琴音乐演奏技术与作品处理研究》主要针对钢琴演奏的技能技巧，从钢琴演奏的各种技术技巧入手，系统讲述钢琴表演中的演奏法、演奏技能以及协调性等诸多问题。《钢琴音乐演奏技术与作品处理研究》从八个方面全面阐述了钢琴演奏过程中的各种相关问题，其中，一章是钢琴演奏基础；第二章主讲钢琴演奏触键技法；第三章重点分析钢琴演奏发音技法；第四章针对不同类型的钢琴演奏技术进行讲解；第五章侧重于不同类型的钢琴演奏技巧；第六章如何就演奏中身体的协调性进行训练；第七章主要针对不同类型的钢琴音乐作品进行处理；第八章就钢琴演奏文献理论进行阐述。

目录

第一章 钢琴演奏基础
第一节 演奏基本知识
第二节 基本姿势与手形
第三节 演奏基本指法

第二章 钢琴演奏触键技法
第一节 概述与应用
第二节 音色、音量与触键
第三节 触键技巧方法

第三章 钢琴演奏发音技法
第一节 断音奏法
第二节 连音奏法
第三节 跳音与震音奏法

第四章 不同类型的钢琴演奏技术
第一节 音阶技术
第二节 琶音技术
第三节 双音技术
第四节 八度技术
第五节 和弦技术

第五章 不同类型的钢琴演奏技巧
第一节 旋律训练
第二节 节奏训练
第三节 速度与力度训练
第四节 装饰音训练

第六章 演奏中的身体协调性训练
第一节 手指的运用
第二节 手腕、手肘和手臂的协调性训练
第三节 踏板的配合与应用

第七章 不同类型钢琴音乐作品的处理
第一节 作品分析与研究
第二节 练习曲演奏及表现特点
第三节 复调音乐演奏及表现特点
第四节 奏鸣曲演奏及表现特点
第五节 中国钢琴作品演奏及表现特点

第八章 钢琴演奏文献理论研究
第一节 西方钢琴演奏理论与文献
第二节 中国钢琴演奏理论与文献
参考文献

音乐的视界：巴洛克时期键盘音乐的风格演变与演奏实践 作者： 音乐史研究组 出版社： 音乐艺术出版社 出版年份： 2023年 --- 导言：历史的脉络与风格的肖像 本书旨在深入探讨巴洛克时期（约1600年至1750年）键盘音乐在欧洲范围内的发展脉络、风格特征及其在不同地域间的差异。我们聚焦于该时期音乐创作的理论基础、技术革新以及演奏实践的演变，旨在为研究者、演奏家和音乐爱好者提供一个全面而细致的视角，理解这一音乐史上至关重要的阶段。 巴洛克音乐以其强烈的对比性、复杂的复调结构、装饰性的旋律线以及对“激情”（Affectus）的深刻描绘而著称。键盘乐器，尤其是管风琴、羽管键琴和早期的古钢琴，在这一时期的音乐生活中占据了核心地位。本书将历史的宏大叙事与具体的作品分析相结合，力求揭示巴洛克音乐在技术、情感和结构层面上的精妙平衡。 第一部分：键盘乐器的技术革新与音色哲学 本部分首先梳理了巴洛克时期主要的键盘乐器——管风琴、羽管键琴（Harpsichord）和拍击键琴（Clavichord）的机械结构发展与音色特点。对这些乐器性能的理解，是解读巴洛克音乐演奏意图的关键。 第一章：机械的演进与音色的塑造 详细考察了管风琴制造技术的进步，重点分析了不同地区（如德国的萨克森、法国的巴黎）管风琴在音栓配置、音域跨度和音色组合上的地域性偏好。我们探讨了羽管键琴双排键盘和踏板系统（如换弦、分音栓）对演奏者在织体处理和动态控制上带来的限制与可能性。 音色哲学： 讨论了巴洛克时期“纯净音色”的审美观，即如何利用乐器本身的物理特性来表达情感，区别于后世对踏板和力度变化的依赖。 第二章：早期键盘记谱法与演奏习惯的变迁 考察了从文艺复兴晚期向巴洛克早期过渡时期的记谱惯例，特别是数字低音（Basso Continuo）在键盘乐谱中出现和演变的过程。 数字低音的实践： 分析了羽管键琴或管风琴演奏者如何即兴填充和装饰低音声部，以及不同作曲家（如巴赫、亨德尔）在低音谱上的指示差异，区分了“阅读”与“重构”的演奏策略。 第二部分：地域风格的多元景观与体裁的诞生 巴洛克音乐并非铁板一块，不同国家和学派发展出了迥异的音乐语言和体裁偏好。本部分聚焦于意大利、法国、德国和英国的键盘音乐实践。 第三章：意大利的活力与赋格的萌芽 重点研究了意大利键盘音乐的特点，特别是其对炫技、明快节奏和清晰旋律的追求。 托卡塔与前奏曲： 分析了如布索尼（Frescobaldi）作品中即兴性与结构化的张力。我们研究了早期赋格性写作（Ricercare）的结构特征，如何为后来的严格对位法奠定基础。 奏鸣曲的兴起： 探讨了键盘奏鸣曲如何在意大利发展，以及其在速度对比和乐章布局上的初步规范。 第四章：法国的精巧与键盘组曲的成熟 深入剖析了法国古典羽管键琴学派（École Française de Clavecin）的精致化趋势。 装饰音的“语法”： 详细辨析了法国特有的装饰音符号（如垂音、颤音、回音）的精确执行方式，强调其并非简单的增饰，而是构成音乐“语言”不可或缺的部分。 组曲的程式化： 分析了库普兰（Couperin）的键盘组曲，如何将舞曲（如阿列曼德、萨拉班德、吉格）提升至富有描绘性的性格小品，并探讨了“风格”（Style）在法式键盘音乐中的核心地位。 第五章：德意志的严谨与对位法的巅峰 将研究的重心转向德国，特别是巴赫（J.S. Bach）所处的环境，这是巴洛克键盘音乐发展的高峰。 对位艺术的集大成： 详尽分析了《平均律键盘曲集》和《哥德堡变奏曲》中对位技术的运用，阐释了如何通过不同声部的独立性来构建宏大的音乐结构。 管风琴的辉煌： 研究了北德管风琴学派（如布克斯特胡德 Buxtehude）作品中的即兴风格与结构布局，特别是自由体与严格体在托卡塔和赋格中的交替使用。 第三部分：演奏的理论与实践的交汇 本部分将理论研究转化为实际的演奏指导，关注如何运用当时的技法来重现原作的精神。 第六章：指法与触键的考古学重建 探讨了早期键盘乐器演奏中对指法使用的限制和偏好。由于缺乏统一的指法规范，演奏者必须根据乐器特性和织体密度来调整手型。 拇指的应用： 详细分析了早期演奏家如何谨慎或大胆地使用拇指，以及这如何影响音阶的连贯性和琶音的流畅性。 触键的力度控制： 区别了管风琴、羽管键琴和古钢琴在触键深度和释放速度上的差异对音头、延音和颗粒感的具体影响。 第七章：速度、韵律与“恰当的”装饰 速度的确定和韵律的弹性处理是理解巴洛克音乐“情感”表达的关键。 韵律的弹性： 分析了“节拍的流动性”概念，尤其在慢速乐章中，如何通过细微的节奏处理（如重音的侧重）来体现音乐的“行进感”或“呼吸感”，而非僵硬的节拍器式演奏。 装饰的“必要性”： 讨论了装饰音在不同乐章中的作用——在慢板中用于抒情，在快板中用于炫技或衔接。强调了装饰的“恰当性”，即它必须服务于作曲家既定的结构和情感目标。 结论：巴洛克遗产的当代回响 本书总结了巴洛克键盘音乐如何通过其对位结构、清晰的织体和深厚的情感内涵，奠定了西方音乐的基石。我们强调，对这些历史作品的当代诠释，需要建立在对当时乐器技术、记谱习惯以及美学观念的充分理解之上。理解巴洛克音乐，即是理解音乐创作从“即兴创作”向“结构化艺术”转变的关键一步。 --- 关键词： 巴洛克音乐、羽管键琴、管风琴、数字低音、赋格、键盘组曲、库普兰、巴赫、键盘指法、对位法。

评分☆☆☆☆☆

我原以为这本书会是一本关于如何“演奏”钢琴的指南，深入探讨技术层面的细节，比如如何通过不同的指法来达到更流畅的演奏，如何利用踏板来创造更丰富的音色变化，以及如何通过对乐谱的细致解读来处理乐句和情绪。我期待的可能是一些具体的练习方法，比如如何训练手指的独立性、力量和速度，或者如何通过模仿不同乐器来塑造声音。我也希望书中能够涉及一些经典的钢琴作品，并对其中一些具有代表性的段落进行详细的分析，比如如何处理肖邦作品中的歌唱性旋律，或者如何表现贝多芬奏鸣曲中的戏剧性冲突。我希望这本书能给我提供一些具体的、可操作的指导，帮助我在演奏上更进一步。

评分☆☆☆☆☆

这本书的视角倒是挺让我意外的。我原本以为它会专注于剖析钢琴演奏的“硬技巧”，比如手指的独立性、爆发力、节奏的精准度等等，就像是在拆解一台精密的机器，看看每个零件是如何运作的。我甚至设想过，里面可能会有关于不同触键方式（如弹奏、连奏、断奏）的详细讲解，以及它们在表现不同情绪时的效果。我特别希望能看到一些关于如何解决技术瓶颈的训练方法，比如针对快速音阶的练习，或者如何控制力度达到细腻的渐强和渐弱。总而言之，我期待的是一本能像外科医生一样，精确地解剖钢琴演奏的每一个技术细节，并给出清晰指导的书籍。

评分☆☆☆☆☆

翻开这本书，我首先被它宽泛的论述吸引了。它并没有立刻深入到某个具体的作品或者某个具体的技巧，而是从一个更宏观的视角出发，探讨了“音乐”本身，以及“演奏”的意义。我原以为会是枯燥的技术指南，没想到作者的文笔颇具文学色彩，将音乐的抽象性与演奏的实践性巧妙地结合在一起。比如，它会从美学的高度来谈论音乐的感染力，以及演奏者如何通过自身的情感和理解力来赋予作品生命。我还以为会是一些枯燥的乐理知识，结果作者居然用非常生动形象的比喻来阐述一些概念，让我这个对乐理不太感冒的人也能津津有味地读下去。感觉这本书更像是一位经验丰富的音乐家在和你分享他的心得体会，那种温暖而深刻的分享，让人受益匪浅。

评分☆☆☆☆☆

这本书的封面设计倒是挺吸引人的，那种淡淡的复古色调，加上优雅的钢琴键图案，一看就知道是关于音乐的。我原本以为会是一本深入探讨古典乐章的解析，或许会涉及一些具体的乐曲，比如肖邦的夜曲或者贝多芬的奏鸣曲，然后细致地分析每个乐句的处理方式，比如踏板的使用、触键的力度变化、音色的控制等等。甚至可能还会有关于不同时期演奏风格的对比，像是巴洛克时期的严谨与浪漫主义时期的情感宣泄之间的差异。我一直对这种技术层面的剖析很感兴趣，觉得通过了解演奏家是如何将乐谱上的音符转化为动人的旋律，能更好地体会音乐的魅力。尤其是在学习一些高难度曲目的时候，理论上的指导会非常宝贵，可以少走很多弯路。

评分☆☆☆☆☆

说实话，拿到这本书的时候，我期待的是一本非常实操性的教材。我脑海里勾勒的画面是，里面会布满详细的指法图、力度标记、甚至可能有不同演奏家录音的对比分析。我想象着，如果我遇到一个特别难掌握的段落，翻开这本书，就能找到针对性的练习方法，或者学习名家是如何处理的。比如说，如果我正被某个赋格的声部线条搞得焦头烂额，我希望书中能有清晰的图示来演示如何分离和连接各个声部，如何保持呼吸感。我也希望它能提供一些关于如何克服舞台紧张的实用建议，或者如何在排练时更有效地与指挥沟通。总之，我期待的是一本能让我直接上手、解决实际演奏难题的工具书。