实用复调音乐基础教程/21世纪高等院校音乐专业教材 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

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冯鄂生 著

图书标签:

• 复调音乐
• 和声学
• 音乐理论
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• 音乐专业
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• 21世纪教材
• 声乐伴奏
• 器乐编配

出版社： 西南师范大学出版社

ISBN：9787562145745

版次：1

商品编码：11995843

包装：平装

丛书名： 21世纪高等院校音乐专业教材

开本：16开

出版时间：2009-07-01

用纸：胶版纸

页数：96

正文语种：中文

内容简介

　　复调音乐课是高师本科的必修课，在教学计划中，它一般只开设一个学期。《实用复调音乐基础教程/21世纪高等院校音乐专业教材》目录中所选择的内容，便是复调音乐写作技术中基础的部分。同时，考虑到高师学生今后工作之需，又加入了复调音乐的应用部分。在教材各章节都有作业要求，教师可根据实际，适当增加一些作业，以提高学生的写作能力。

目录

绪论
一、复调音乐
二、复调音乐的类型
三、复调音乐的表现

第一章 旋律
一、旋律线的运动（音高）
二、旋律的节奏
三、旋律的结构

第二章 二声部对比复调（二声部单对位）
一、对比二声部节奏的一音对一音的练习
二、对比二声部节奏的一音对二音的练习
三、对比二声部节奏的一音对三音、四音、延音、切分音与休止符的练习
四、对比二声部的织体与应用

第三章 二声部复对位
一、二声部八度复对位
二、二声部十二度复对位、十度复对位
三、倒影对位

第四章 二声部模仿复调
一、局部模仿、卡农式模仿
二、模仿的种类
三、模仿与复对位的结合
四、无终卡农
五、卡农式模进

第五章 支声复调
一、支声复调的分支
二、支声复调的汇合
三、支声复调的声部进行、节奏与和声

第六章 二声部复调小曲写作
一、二声部合唱组合形式
二、用支声与依附性手法写作的二声部乐曲
三、用对比手法写作的二声部乐曲
四、用模仿手法写作的二声部乐曲
五、简述写作钢琴复调小曲

主要参考书目

好的，下面为您提供一份关于其他音乐领域图书的详细简介，该简介将严格遵循您的要求，不提及您提供的特定书名及其内容，并力求自然流畅。 --- 音乐理论与实践系列精选：深入探索与创新视角 本套丛书旨在为音乐学习者、演奏者及研究者提供全面、深入的知识体系，涵盖从基础理论到前沿实践的广阔领域。我们深知，音乐的魅力不仅在于其最终的呈现，更在于其背后严谨的结构、丰富的历史脉络以及不断演变的创新思维。因此，本系列丛书的每一本均由各自领域的权威学者或资深教育家精心撰写，力求内容翔实、逻辑清晰，同时兼具理论深度与实用指导性。 第一卷：西方音乐史的宏大叙事与细节剖析 《古典主义与浪漫主义时期：风格演变与核心作曲家研究》 本书聚焦于18世纪中叶至19世纪末的西方音乐发展历程，这是一个充满剧变与辉煌的时代。我们将首先梳理启蒙运动对音乐美学观念的冲击，详细解析古典主义时期（以维也纳古典乐派为中心）在曲式结构、和声语言和配器法上的规范与突破。重点章节深入探讨了海顿的交响曲结构、莫扎特的歌剧艺术以及贝多芬在“英雄性”表达上所进行的革命性尝试。 随后，视角转向浪漫主义浪潮的兴起。本书详尽分析了主观情感表达如何成为核心驱动力，从舒伯特的艺术歌曲到肖邦的钢琴独奏作品，再到瓦格纳的“总体艺术作品”理念。特别地，我们对晚期浪漫主义（如布鲁姆斯与马勒）在和声的扩张性使用、大型管弦乐队编制的拓展以及叙事性音乐（如交响诗）的发展进行了细致的考察。本书配有大量乐谱实例分析，帮助读者直接从音乐文本中理解风格的微妙差异与历史传承。 第二卷：现代作曲技法与前卫探索 《二十世纪音乐的语法重构：无调性、序列主义与声响实验》 进入20世纪，音乐的语言基础遭受了前所未有的挑战与重构。本书是理解现代作曲技法的关键指南。它从申伯格的“十二音体系”的诞生讲起，系统阐释了序列主义（Serialism）如何从音高控制扩展到节奏、力度与音色的全面序列化处理。 接下来的部分，我们将目光投向更广阔的声响世界。对位法的限制被打破后，作曲家们如何运用集合理论（Set Theory）构建新的音乐结构？本书深入探讨了斯特拉文斯基的原始主义、德彪西的印象主义色彩探索，以及梅西安对于节奏与色彩的独特理解。 高潮部分在于对战后实验音乐的介绍，包括由布列兹、施托克豪森引领的电子音乐、偶然音乐（Aleatoric Music）以及对非传统乐器和演奏技法的探索。本书致力于解析这些复杂技巧背后的逻辑与审美追求，为有志于当代音乐创作的读者提供坚实的理论框架。 第三卷：键盘乐器演奏的精细化训练 《巴赫赋格曲演奏解析：织体、指法与诠释的统一》 巴赫的键盘作品，尤其是《平均律钢琴曲集》和大型赋格，是检验演奏者技术与音乐理解力的试金石。本书不是简单的指法手册，而是旨在建立一种对位思维下的演奏策略。 全书分为三个主要部分：织体分析，指导学习者如何清晰地区分、突出和声声部间的独立性与相互关系；技术构建，提供针对巴赫作品中复杂跑动、声部交织以及力度层次控制的专项练习方法；历史诠释，探讨了不同历史时期（如巴赫时代、浪漫主义改编以及现代演奏实践）对同一作品的理解差异，鼓励演奏者形成既尊重历史又富有个人洞见的诠释。 我们通过对具体段落的微观分析，展示如何将理论知识转化为实际的指尖控制，确保演奏既准确又富有生命力。 第四卷：和声学原理的纵深发展 《功能和声的延伸与后调性时代的和声语汇》 本书是传统功能和声学习的进阶读物，旨在将读者从基础的三和弦、七和弦的运用，引向更复杂、更具色彩性的和声实践。 前半部分对传统调性体系的内部逻辑进行了系统的梳理与深化，特别是对模态转调（Modal Mixture）、减七和弦的扩展用法、以及李斯特与瓦格纳时代和声色彩的增加进行了详尽的讲解。 后半部分则将焦点转移至“后调性”时期。我们探讨了德彪西的平行和声、延伸和弦（如九和弦、十一和弦、十三和弦）在爵士乐和电影配乐中的实际应用，并介绍了一些现代作曲家如何利用音高集合（Pitch Class Sets）构建出不再依赖传统功能关系的全新和声结构。本书强调和声的“功能”并非僵化不变，而是随着音乐语境不断被重新定义和拓展的过程。 --- 本系列丛书的共同特点在于强调理论与实践的紧密结合，鼓励读者以批判性的眼光审视既有知识体系，并将其应用于个人学习与创作之中。每一本书都力求成为读者在音乐学习道路上不可或缺的良师益友。

评分☆☆☆☆☆

这本书最大的亮点在于其理论体系的构建方式。它并非简单地罗列复调的各种规则和技法，而是试图将复调音乐的发展脉络、历史背景与理论知识有机地结合起来，让读者在学习技法的同时，也能理解这些技法是如何在不同历史时期被创造和应用的。作者在介绍某个时期或某位作曲家的复调风格时，会引述大量的音乐实例，并对其进行深入浅出的分析，这种“纵向”的历史梳理和“横向”的风格比较，使得复调理论的学习不再是枯燥的条文，而是充满了生动性和探索性。我印象最深刻的是关于“模仿”手法的介绍，书中不仅仅是解释了卡农、赋格等形式，还详细分析了不同时期作曲家在模仿运用上的细微差别，比如蒙特威尔第的严谨模仿与巴赫的自由模仿，这种细致的比较，让我对复调技法的理解上升了一个层次。而且，书中对近现代复调的探讨也相当深入，不局限于巴洛克时期的传统，这对于想要全面了解复调音乐的读者来说，无疑是一大福音。

评分☆☆☆☆☆

这本书的叙述风格非常清晰流畅，作者的语言功底可见一斑。即使是涉及一些较为复杂的音乐理论概念，作者也能够用通俗易懂的语言进行解释，避免使用过于专业化、晦涩的术语，从而让非音乐专业背景的读者也能轻松理解。而且，作者在叙述过程中，常常会穿插一些生动形象的比喻，或者引用一些相关的文学、艺术作品，来佐证自己的观点，这种“跨学科”的引入，不仅让理论讲解更加有趣，也让读者能够从更广阔的视角来理解复调音乐的魅力。我特别喜欢书中关于“声部独立性”的讲解，作者将其比喻为“一群各有独立思想但又和谐共处的舞者”，形象地阐述了复调音乐中各声部既保持个性的同时又相互配合的特点，这种生动的比喻，让我对“独立性”这一核心概念有了更深刻的体悟。书中的一些“小贴士”和“补充说明”也很有价值，能够帮助读者更好地理解和掌握相关知识点。

评分☆☆☆☆☆

这本书的排版设计实在是让人眼前一亮，色彩搭配既有现代感又不失严谨，阅读起来非常舒适。封面设计简洁大气，书脊的字体大小和颜色也恰到好处，摆放在书架上非常有品味。打开书页，纸张的触感细腻柔滑，印刷清晰锐利，没有模糊或重影的现象。即使是复杂的乐谱，也能够一目了然，细节处理得非常到位。更难得的是，作者在内容编排上花了心思，不仅仅是理论的堆砌，而是穿插了大量生动的图表和示意图，帮助读者理解抽象的概念。例如，在讲解某个和声进行时，书中会配上一张非常形象的图示，将声音的走向可视化，这对于初学者来说简直是福音。此外，书中还包含了不少精心挑选的音乐片段，虽然不是全曲，但足以让读者在阅读理论的同时，能立刻感受到实际的音乐效果，这种“理论与实践相结合”的模式，大大提升了学习的趣味性和有效性。我个人特别喜欢书中关于乐句划分的讲解，配上的示例非常典型，一下子就点醒了我过去在分析乐句时常遇到的困惑。

评分☆☆☆☆☆

这本书在内容深度和广度上都做得相当出色。它不仅涵盖了复调音乐的基础理论，如对位法、模仿、卡农、赋格等，还对一些更高级的主题进行了探讨，例如不同时期复调音乐的发展演变，以及复调技法在现代音乐创作中的应用。更重要的是，它能够引导读者去思考复调音乐的本质，去理解为什么这种音乐形式能够产生如此深远的影响。书中对一些古典复调大师的作品进行了细致的剖析，不仅讲解了技法，更挖掘了作品背后的音乐思想和情感表达。我特别欣赏书中关于“赋格主题的塑造”的分析，作者不仅仅是讲解了主题应该具备的特点，还深入分析了不同作曲家如何通过精心设计的主题，来展开宏大的赋格结构，这让我对赋格的理解不再停留在表面的模仿和对位，而是能够触及到其内在的逻辑和艺术性。这本书让我认识到，复调音乐不仅仅是技巧的堆砌，更是思想的表达和情感的倾诉，它极大地拓展了我对音乐艺术的认知边界。

评分☆☆☆☆☆

这本书提供了一种非常“接地气”的学习复调音乐的方法。我之前接触过一些复调教材，它们要么过于晦涩难懂，要么过于偏重机械练习，很容易让人产生畏难情绪。而这本教材，则更注重培养读者的“音乐感”和“分析能力”。它鼓励读者在学习理论的同时，多听、多唱、多弹奏，并将理论知识运用到实际的音乐创作和分析中。书中设置了大量的练习题，这些练习题的设计非常巧妙，从最基础的两个声部对位，逐步深入到复杂的多声部织体，而且题型多样，既有纯理论的填空、判断，也有需要动手写的作曲练习。让我惊喜的是，书中还有很多针对性很强的“错误分析”和“改进建议”，能够帮助读者及时发现并纠正自己在练习中可能出现的误区。比如，在讲解固定低音时，书中就列举了一些常见的低音进行错误，并给出了详细的改正思路，这种“纠错”式的教学方法，让我在练习过程中少走了很多弯路。