音乐美学教程(音乐卷) pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

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张前 著

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• 音乐美学
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• 教材
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• 审美学
• 音乐哲学
• 艺术理论

出版社： 上海音乐出版社

ISBN：9787806670675

版次：1

商品编码：12310128

包装：平装

开本：16开

出版时间：2017-11-01

用纸：胶版纸

正文语种：01

内容简介

本书是《中国艺术教育大系》系列之一的《音乐美学教程(音乐卷普通高等教育九五*重点教材)》分册，书中具体包括了：音乐美学是怎样的一门学科、音乐美学的研究对象及主要课题、音乐美学的研究方法、音乐美学的学习和运用等内容。

目录

《中国艺术教育大系》序
第一章 绪论
　第一节 音乐美学是怎样的一门学科
　　(一)音乐美学是一门古老而又年轻的学科
　　(二)音乐美学是美学与音乐学相结合的一门交叉学科，是具有哲学性质的音乐基础理论学科
　第二节 音乐美学的研究对象及主要课题
　　(一)关于音乐艺术的美学本质
　　(二)关于音乐的价值和功能
　　(三)关于音乐音响结构及其表现对象
　　(四)关于音乐实践中的美学问题
　　(五)关于音乐美学史的研究
　第三节 音乐美学的研究方法
　　(一)哲学的思辨方法是音乐美学的基本研究方法
　　(二)心理学、社会学以及形态分析学的研究方法对于音乐美学研究具有重要的借鉴意义
　　(三)当代音乐美学研究方法的新扩展
　　(四)本书在方法论上所遵循的基本原则
　第四节 音乐美学的学习和运用
　　(一)学习音乐美学的意义
　　(二)学习音乐美学的方法
　思考题
第二章 音乐美学思想的发展历程
第三章 音乐的功能、价值与审美本质
第四章 音乐音响结构的审美特征
第五章 音乐表现的美学特征
第六章 音乐实践中的美学问题
附录：音乐美学的主要参考书目
后记

音乐美学教程 (哲学卷) 导论：美学之维与音乐之境 本书旨在深入探讨音乐现象背后的哲学根基与审美旨趣，系统梳理音乐美学自古希腊至今的发展脉络，并着重分析现代思潮对音乐体验和价值判断的影响。我们力求超越单纯的音乐技术分析或历史叙述，聚焦于“美”在音乐中的生成、感知与意义建构。 本卷作为“音乐美学教程”的理论基石，将音乐视为人类精神活动和文化实践的特殊形态，运用哲学思辨的工具，审视音乐本体论、认识论、价值论等核心议题。读者将通过对经典理论的研习与批判性思考，构建起一套完整的、具有穿透力的音乐审美认知框架。 --- 第一部分：音乐美学的历史溯源与基本范畴 第一章：古代与中世纪的音律哲学 本章追溯西方音乐美学思想的源头。我们将详细考察毕达哥拉斯对“和谐”（Harmonia）的数学化理解，探讨柏拉图的“理念论”如何渗透到音乐的摹仿论（Mimesis）中，以及亚里士多德对音乐情感效用（Catharsis）的论述。这一时期的美学观念，侧重于音乐的宇宙秩序性与伦理教化功能。 随后，我们将转向中世纪的圣奥古斯丁与波爱修斯。重点分析“音高”（Tonus）如何被纳入“七艺”的框架，以及格里高利圣咏背景下，音乐的神圣性与属灵体验成为审美判断的首要标准。我们探究，在神本论的视角下，音乐的美如何被定义为对上帝秩序的反映。 第二章：文艺复兴至启蒙运动的理性觉醒 文艺复兴时期，人本主义思潮抬头，音乐美学开始关注听者的个体感受。本章分析复调音乐的成熟如何挑战了古典的单音模式，以及对“和谐”概念的重新界定。 启蒙运动时期是音乐美学转向的决定性阶段。我们将深入研究笛卡尔、莱布尼茨等哲学家如何试图将音乐的愉悦感还原为数学比例和清晰的理性结构。康德的《判断力批判》将成为本章的核心。我们详细剖析其关于“无目的的合目的性”在纯音乐（Absolute Music）中的体现，以及“崇高感”在面对宏大交响乐时引发的美学体验。黑格尔则将音乐视为“感性中的理念的直观”，确立了音乐在艺术谱系中的重要地位，强调其辩证发展的历史性。 第三章：浪漫主义的“音乐至上”与主观性转向 浪漫主义美学将音乐推上了艺术的巅峰。本章聚焦于谢林和叔本华对音乐本体论的阐释。叔本华认为，音乐并非现象世界的表象，而是意志（Will）本身的直接表达，是最高的哲学语言。这种“音乐至上论”如何影响了后世的作曲家和评论家，将成为探讨的重点。 此外，我们还将考察浪漫主义时期对“表现”（Expression）和“情感”（Affekt）的强调。对个人性、瞬间性、无限性的追求，如何使得音乐的模糊性和非指称性获得了前所未有的赞誉。 --- 第二部分：核心哲学议题的展开与批判 第四章：音乐的本体论：真实与虚构的边界 本章旨在探讨音乐“是什么”的问题。我们将区分不同的本体论立场： 1. 实在论（Realism）与客观性： 音乐的结构、音程关系是否独立于人类的感知而存在？ 2. 建构论（Constructivism）与相对性： 音乐意义的产生是否完全依赖于文化语境和听者的主动构建？ 3. 符号学视角（Semiotics）： 音乐作为一种特殊的符号系统，其“指称”与“所指”是如何运作的？我们分析了音色、节奏、旋律在不同文化中可能携带的非自然指涉。 第五章：音乐的认识论：感知、理解与审美距离 我们研究听者是如何“知道”音乐的。本章分析了听觉经验的特殊性：音乐是否可以通过纯粹的感官愉悦来认知，还是必须通过智识的理解才能把握其美学价值？ 重点讨论“审美距离”在音乐中的实现。在面对复杂曲式或激烈的戏剧性音乐时，听者如何维持一种既投入又抽离的观察状态？同时，我们审视了当代认知科学对音乐记忆、模式识别和情绪唤起机制的研究，考察这些发现如何挑战或巩固了传统的审美判断。 第六章：音乐的价值论：规范、评判与社会功能 音乐的美学价值是永恒的还是流动的？本章分析了音乐评价标准的变化。我们探讨了评价体系中内在价值（如结构完整性、技巧难度）与外在价值（如道德教化、社会功能）的张力。 我们深入分析了价值论中的两大对立阵营：形式主义（Formalism），强调音乐的纯粹结构美，如汉斯利克对“有生命的运动形式”的论述；以及表现主义（Expressionism），强调音乐对人类经验和生存境遇的深刻揭示。我们还将触及尼采对酒神精神与阿波罗精神在音乐中的体现的辩证分析，以及后现代对“宏大叙事”价值评判的解构。 --- 第三部分：现代与后现代语境下的音乐哲学 第七章：技术、复制与音乐的“光环”消逝 本章聚焦于技术进步对音乐本体的冲击。瓦尔特·本雅明关于“机械复制时代艺术作品的本真性”的论述，在录音技术和数字传播面前得到了新的诠释。音乐的“在场性”（Presence）如何被削弱？录音如何成为新的“原件”？ 我们分析了电子音乐的兴起对传统音色观的颠覆，以及采样技术对音乐历史的“重构”。技术如何使音乐的“偶发性”被驯化，又如何催生了新的即兴可能性。 第八章：流行文化、大众传播与审美民主化 本章考察了严肃音乐（High Art）与流行音乐（Pop Music）在美学理论上面临的挑战。消费主义语境下，音乐的审美价值是否被“功能性”（娱乐、背景音）所取代？ 我们讨论了“品味”（Taste）的社会建构性，特别是布迪厄的文化资本理论如何解释不同社会阶层对音乐类型的偏好与排斥。本章试图超越对流行音乐的简单贬低，挖掘其在节奏、循环结构和集体参与性中所蕴含的独特审美价值和文化力量。 第九章：解构与重构：后结构主义的音乐阐释 本章引入后结构主义的关键概念，如德里达的“延异”（Différance）和福柯的“权力/知识”体系，来审视音乐文本的开放性。 我们探讨了音乐的“中心”是如何被消解的——无论是调性中心、节奏中心还是作曲家的“本意”。音乐的解释不再是单一的解码过程，而是意义的不断生成与漂移。这种理论转向要求我们以更审慎和去中心化的态度，去面对后现代音乐（如极简主义、随机音乐）的审美挑战，理解其对既有美学范式的反叛与超越。 结论：走向未来的音乐哲学 本卷最终总结了音乐美学在处理人类情感、技术变革与文化冲突时的理论工具箱。我们展望了在人工智能作曲、沉浸式音景（Soundscape）等前沿领域，音乐哲学将如何继续深化我们对“听”与“美”的理解。本书鼓励读者以开放的、批判性的眼光，参与到对音乐本体意义的永恒追问之中。

评分☆☆☆☆☆

坦白说，我买这本书最初的目的，是想找一本能快速提升我对音乐理论认知的工具书，希望能够快速掌握一些核心的分析方法。然而，这本书给我的惊喜在于，它远不止于一本“工具书”。它的叙述方式，更像是一场深入的哲学探讨，而不是简单的知识点堆砌。作者似乎对每一个概念都有着近乎偏执的探究欲，不仅仅告诉你“是什么”，更深入地挖掘了“为什么是这样”。比如，它对调性色彩的描述，完全跳脱了传统教材那种枯燥的标签化定义，而是用了很多富有画面感的语言去构建听觉经验。我感觉自己不是在学习一套规则，而是在重新理解音乐这门艺术语言的内在逻辑和情感表达的可能性。这种深度，让原本晦涩难懂的理论变得鲜活起来，仿佛我手中的乐谱正在对我低语，讲述着作曲家隐藏在音符背后的深层意图。

评分☆☆☆☆☆

这本书的语言风格，我必须用“克制而富有力量”来形容。它没有采用那种过度口语化或煽情的叙述，始终保持着一种近乎学术论文的严谨性。但这种严谨并非冷冰冰的，相反，它通过对术语精确到位的界定和定义，反而建立起了一种强大的可信度。我注意到，作者在引用其他学者的观点时，会非常清晰地标明出处和背景，这使得整本书的论述建立在一个非常扎实的文献基础之上。这对于希望进行更深入研究的读者来说，提供了清晰的路径指引。阅读过程中，我很少需要停下来查阅陌生的专业词汇，因为作者在首次提及复杂概念时，就已经用最准确的方式将其固定下来。这种写作的精准度，使得学习过程中的“损耗”降到了最低，效率自然就提高了。

评分☆☆☆☆☆

从实用角度来看，这本书的价值远超出了单纯的理论学习范畴。它对我个人在音乐实践和鉴赏方面的提升是立竿见影的。以前听一些复杂的室内乐作品时，我往往只能停留在情绪的感知层面；但读完这本书的某些章节后，当我再次回听时，我能清晰地“听出”作曲家在织体密度、声部对位和主题展开上所做的精妙布局。这就像是看了一部没有字幕的精彩电影，读完这本书后，作者递给了你一套完整的“字幕系统”，让你瞬间领悟了所有隐藏的细节和深意。这极大地丰富了我的聆听体验，让每一次与音乐的相遇都变成了一次结构性的探索，而不是被动的接受。我敢断言，无论是想提高演奏的理解深度，还是想提升自己的音乐评论水平，这本书都是一个不可或缺的基石。

评分☆☆☆☆☆

这本书的装帧设计真是让人眼前一亮，封面那种复古的哑光质感，加上烫金的字体，拿在手里沉甸甸的，立刻就能感受到它非同一般的分量。我本来是抱着试一试的心态买的，毕竟市面上这类“教程”的书汗牛充栋，很多都是徒有其表。但这本书的纸张质量和排版布局，看得出来是下了大功夫的。每一页的留白都恰到好处，阅读起来丝毫没有压迫感，尤其是那些乐谱示例，清晰度极高，即便是对排版要求比较苛刻的专业人士，也会对这种细致感到满意。我尤其欣赏它在章节划分上的逻辑性，从最基础的音高概念引入，到复杂的和声进行分析，过渡得非常自然流畅，像是有一位经验丰富的老师在你旁边，循序渐进地引导你进入一个全新的知识领域。这种设计感，不仅仅是视觉上的享受，更是在阅读体验上提供了一种无形的舒适区，让人愿意长时间沉浸其中。

评分☆☆☆☆☆

我周围不少朋友都是科班出身的乐理生，大家在讨论这本书时，反馈到的信息非常一致——它拓宽了我们看待传统音乐文本的视角。这本书的选材范围非常广阔，它没有局限于某一个特定时期或某一种流派，而是采取了一种非常宏观的、跨越世纪的对比研究方式。在分析某个和弦进行时，它会突然跳到巴赫的赋格曲中寻找先例，紧接着又会引用20世纪后半叶的配器法作为佐证。这种“横向打通”的教学方法，极大地锻炼了读者的联想能力和归纳能力。很多我以前觉得是孤立的知识点，读完之后突然间就串联了起来，形成了一个严密的知识网络。对于希望建立全面、立体音乐认知结构的自学者而言，这本书提供的思维框架是极其宝贵的，它教会你的不是记忆，而是思考。