经典电影赏析：古典好莱坞读本 [Analysis of Classic Hollywood Films] pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

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李二仕，梅峰，钟大丰 等 编

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• 古典电影

出版社： 高等教育出版社

ISBN：9787040415124

版次：1

商品编码：12049886

包装：平装

外文名称：Analysis of Classic Hollywood Films

开本：32开

出版时间：2016-09-01

用纸：胶版纸

页数：436

字数：430000

正文语种：中文

内容简介

　　《经典电影赏析：古典好莱坞读本》共24部电影，涵盖丰富、密度大，是特别适合学习影片分析用的启蒙读本和专业教材。每篇文章包括四个部分：影片简介，涉及演职员表、上映时间、片长等基本情况；故事梗概，用精练的语言描述了影片的创意和特色；影片分析，是基于影片独有的特点进行解读；名词小贴士，针对专有名词的解释以及重要背景知识点的介绍和提醒。

目录

鸭羹
金刚
迪兹先生进城
育婴奇谭
咆哮的二十年代
愤怒的葡萄
萨利文的旅行
你逃我也逃
扬帆
欲海情魔
血红街道
郎心如铁
火车怪客
玉女奇男
雨中曲
乱世忠魂
龙凤配
玫瑰纹身
无因的反叛
搜索者
生活的模仿
孩子们的时刻
埃及艳后
裸吻
附录
后记

精彩书摘

　　《经典电影赏析：古典好莱坞读本》：
　　三、解决冲突：狂欢一法庭
　　在电影结尾法庭这场戏中，可以清楚地看到乡村与城市、上层阶级与下层阶级的对立。等待拯救的农民们聚集在听证席，律师和富人们聚集在证人席。甚至只要是城市的代表，哪怕是警察、餐厅服务员都被摆在了迪兹的对立面上。这种上层阶级和下层阶级的对立为电影提供了非常有效的叙事冲突，也为电影带来了无穷无尽的喜剧情境资源。例如，在瑞士精神病医生用蹩脚的口音向法官叙述迪兹先生属于躁郁症患者的时候，几次插入了听证席上农民们的反应，农民们不知所以的反应让医生看似科学的叙述变成了笑话。
　　和其他神经喜剧一样，这场法庭戏用戏剧性和情感掩盖了影片叙事上的不合逻辑。在整部影片中，产生于迪兹先生身上的笑点者B来自于他对于城市现实处境的逃避，甚至对于感情的逃避。例如，迪兹把保镖们锁起来；迪兹把来到他家的音乐界人士赶出家门；迪兹在向露易丝表白后落荒而逃，等等。为什么说最后的法庭戏其实掩盖了叙事上的逻辑？因为冷静地考量这部电影的故事，就会发现其实是城市的社会体制无法容忍一个有善心的富人，迪兹先生散尽家财的做法是不被常态所允许的，所以迪兹才会被律师西达告上法庭。直到迪兹先生站起来为自己辩护之前，其实观众对迪兹保持的还是好玩的心态，观众们想看看到底这个神经质的家伙还能干出什么来。通过迪兹最后为自己辩护的方式我们能够看到，导演其实用迪兹的乡村智慧屏蔽了对于社会现实问题的考量，迪兹先生仅仅用几个温和的打岔就破坏了律师西达对他的控告。而这个时候不能不提到法官的形象，这个法官就像一位父亲裁定两个打架的孩子谁输谁赢一样结束了整个辩论，为什么这场法庭戏看起来像两个孩子打架？是因为导演在这场戏的处理中运用了很短的镜头和单个镜头内部的人物走位来加快了整个戏的节奏，并且加入了女主人公和农民们的反应镜头来加强这场法庭戏的戏剧性和情感力量。最后，迪兹把律师西达一拳打倒，更是-种毫不掩饰地对于情感的表现。
　　迪兹先生的胜利，把这种戏剧性和情感力量推到了顶峰——农民开始狂欢。最后跑进来拥抱露易丝的迪兹身上破烂的衣服，已经让观众不介意到底事情是怎样发展到这里的。影片进行到这里达到了一个情绪上的高潮，露易丝承认了她的过错，而迪兹轻易地原谅了她，为什么在经历了那么多的由露易丝一手操纵的舆论抨击后迪兹能轻易地原谅她？观众已经不在乎了。
　　总之，由于神经喜剧和其他浪漫喜剧不同，它在男女主人公的感情线底层又铺设了一条更为尖锐和深刻的社会价值冲突线索，所以在叙事上带来的后果就是神经喜剧往往比其他浪漫喜剧面临更为严重、更为难以解决的叙事逻辑上的问题。如果控制不当，就会使男女主人公在结尾时的结合显得不切实际。就像之前讨论过的，这种情况在本片中已经略露端倪。所以导演掌控一部神经喜剧的复杂程度要远远超过浪漫喜剧或是其他好莱坞电影类型。
　　迪兹先生和露易丝最后在法庭——一个文明社区的象征物中接吻，但是无论他们多么热烈地相拥，现实问题总是像迪兹先生面无表情的脸一样摆在了影片的最后，当然，导演卡普拉的目的是否是这样谁都不知道。电影最后解决问题的方式看起来越荒诞，就越意味着美国城市和乡村间社会等级差异的矛盾是永恒的、不可调节的。
　　……

前言/序言

　　美国电影作为梦工厂，打造的翩翩光影幻化的世界吸引了全球的目光与关注。从历史的角度来看，自有它沿袭相循的脉络和发展线索。其传达出来的美国精神、情感、娱乐往往观照以及思考和再现生活的方式，总是生动有趣、通俗抓人、耐人寻味。而古典好莱坞（一说20世纪20年代末至50年代末，一说20世纪30年代初至60年代初）经历了美国电影工业的完整强大的建立过程，技术上也完成了声音、彩色、宽银幕的完善与改进。大制片厂制度下的类型机制与明星机制相得益彰，成为推动美国电影所代表的流行文化、意义价值称雄世界的积极力量，以至于冲击了以电影诞生之地法国为代表的欧洲电影。读者要想从基础和源头上弄清楚电影语言规则的建立与传播，就要了解美国电影与观众沟通的有效性在哪儿，美国电影成功的秘诀和法宝在哪儿。
　　而古典好莱坞电影好比书法中的正楷，好比练字须从规范和建制之初开始一样。本书内容选取美国通俗类型的西部片、强盗匪帮片、歌舞片、黑色电影、喜剧片、家庭伦理情节剧、青春片、浪漫爱情片、名著改编片、怪物片、视觉奇观大片、美国梦想的塑造、美国社会及价值娱乐观呈现等角度；同时涵盖了一批重要电影作者，包括约翰·福特，弗里茨·朗，威廉·惠勒，刘别谦，希区柯克，比利·怀尔德等；众多的明星风采集结包括贝蒂·戴维斯，亨利-方达，詹姆斯·迪恩，伊丽莎白·泰勒等。同时也避开了已经说得太多的名片，而特别选取了一些同样可以完整呈现古典好莱坞面貌，相对在国内被关注较少的代表作品，精心独到地挖掘发现了整体非常好看、故事扣人心弦、表演精彩、导演智慧、耐人寻味的电影。每部影片都是在电影历史的坐标上，并且集结勾连一系列的话题，生动形象地涉及了美国阶级、种族、性别、爱情、家庭、成长等问题。
　　本书共24部电影，涵盖丰富、密度大，是特别适合学习影片分析用的启蒙读本和专业教材。每篇文章包括四个部分：影片简介，涉及演职员表、上映时间、片长等基本情况；故事梗概，用精练的语言描述了影片的创意和特色；影片分析，是基于影片独有的特点进行解读；名词小贴士，针对专有名词的解释以及重要背景知识点的介绍和提醒。
　　全书立足北京电影学院文学系多年的教学实践，在布局选片整体上有一个通盘平衡的考虑。选取的故事具有原初母题意义，如《育婴奇谭》是疯癫喜剧（神经喜剧）的源头作之一；《生活的模仿>融合了种族和家庭伦理的交织探讨；明星表演与组合非常到位，奥黛丽·赫本在《龙凤配》和《孩子们的时刻>中的表演，伊丽莎白-泰勒和蒙哥马利·克利夫特成为古典和现代电影明星偶像的交会，影片类型的选择也有一定的辐射和新意。喜剧片别开生面地介绍了马克斯兄弟、刘别谦、普雷斯顿·斯特奇斯，而不是惯常的卓别林、巴斯特·基顿、劳莱与哈台；即使对于每个重要的作者导演，也是选取了其往往被忽略，但是依然光彩夺目的影片。比如《龙凤配>之于比利·怀尔德，《孩子们的时刻》之于威廉-惠勒，《火车怪客》之于希区柯克，《玉女奇男》之于文森特-明奈利等。最后一部《裸吻》也表明转入大制片控制下的独立制片追求新题材、新角度的某种趋势。希望本书的编撰给读者以较为完整且新鲜的角度来深入认识古典好莱坞在故事、人物、类型、明星方面的有效运作以及更多潜在的待发掘的魅力。

《流光影梦：二十世纪视觉艺术的演进与回响》 书籍简介 本书并非对特定时期电影文本的逐一剖析，而是将视角拓宽至整个二十世纪，聚焦于世界范围内视觉艺术形式——尤其是电影——如何从技术实验的萌芽阶段，逐步演变为深刻影响社会观念、美学风尚乃至人类自我认知的复杂媒介。我们探究的，是一部关于“观看”与“被观看”的历史，一场由光影、叙事结构与媒介技术共同编织的宏大视觉交响乐。 第一部分：光影的诞生与边界的探索（1890s – 1920s） 本部分追溯电影作为一种新艺术形式的诞生轨迹。我们首先考察梅里爱（Georges Méliès）如何从魔术的技法中提炼出蒙太奇的雏形，以及卢米埃尔兄弟（Lumière Brothers）对纪实美学的最初奠基。这不是对某部特定影片的解读，而是对早期电影语言本身的解构：如何用机械的记录手段捕捉时间，并从中提炼出戏剧性。 随后，我们将深入探讨静帧时代末期至有声电影转型初期，欧洲前卫艺术运动（如德国表现主义、苏联蒙太奇学派）对电影形式的激进挑战。这些运动拒绝沿袭戏剧舞台的线性叙事，转而探索心理状态的具象化表达（如表现主义的布景设计对内心焦虑的投射），以及通过节奏和碰撞来传递思想（如爱森斯坦的对立蒙太奇理论）。我们重点分析这些先锋探索如何为后世的电影语法提供了丰富的工具箱，即便它们在商业院线中并未完全占主导地位，但其美学遗产却渗透到了后来的各类电影制作之中。此阶段的讨论集中于电影技术（如早期剪辑理论、摄影机的运动自由度）的突破，而非特定好莱坞叙事的固化。 第二部分：工业化下的美学重塑与全球回响（1930s – 1950s） 随着有声电影的普及，电影的工业化进程加速，但与此同时，世界其他地区的电影艺术并未停滞。本章将目光投向非美国体系的电影发展。我们细致考察意大利新现实主义的兴起，它如何以一种近乎“反电影”的姿态，用非职业演员和实景拍摄，挑战了摄影棚内的过度精致化叙事。这种对社会底层真实与日常生活的关注，构成了一种重要的批判性视觉语言，与主流商业模式形成了鲜明的张力。 同时，我们也梳理日本电影大师们（如小津安二郎）如何发展出一种极简主义的家庭剧场。小津的“榻榻米视角”和对时间流逝的沉静描摹，体现了对传统叙事结构的高度提炼，其美学追求与好莱坞式的冲突驱动叙事模式截然不同。本部分的重点在于展现，在同一技术背景下，不同文化语境如何发展出具有强大生命力的、与主流商业逻辑保持距离的艺术表达。 第三部分：新浪潮的冲击与媒介的自我意识（1960s – 1970s） 二十世纪中叶，一股强大的革新力量席卷全球电影界，我们称之为“新浪潮”。这不仅仅是地域性的运动（如法国新浪潮、捷克新电影），而是一种对传统电影“真实性”承诺的普遍怀疑。 法国新浪潮的核心在于“作者论”（Auteur Theory）的成熟与应用，它强调导演作为电影的唯一“作者”身份。然而，本书关注的重点在于其叙事手法的颠覆：跳切、即兴对话、打破第四面墙等技巧，它们不是为了更好地讲述故事，而是为了提醒观众：你正在看一部电影。这种“媒介的自我意识”是理解战后电影发展走向的关键。 此外，我们将探讨战后欧洲艺术电影对心理学深度挖掘的倾向，以及如何利用非线性叙事和模糊的道德判断，反映出战后社会对宏大叙事的幻灭感。这些探索为后来的独立电影和艺术电影奠定了方法论基础。 第四部分：技术迭代与后现代的视觉碎片（1980s – 2000s） 进入后工业时代，电子技术对电影制作的影响日益显著。本章聚焦于特效技术（CGI）从辅助工具到叙事主导力量的转变过程，以及由此引发的关于“真实”边界消解的讨论。我们分析了后现代电影如何利用拼贴、戏仿和对类型片的解构，来表达对统一意义和传统价值体系的质疑。 不同于单纯赞美特效的进步，本书着重分析了这种技术解放如何反过来促使一些电影人回归更本质的光影哲学，例如那些探索极端简约场景和长时间长镜头的独立制作。电影不再仅仅是“梦想工厂”，它成为一个自我反思的平台，不断地质疑自身的媒介属性和观众的观看习惯。我们探讨了录像带和DVD介质的出现如何改变了电影的消费模式，并间接影响了电影的剪辑节奏和信息密度。 结语：未竟的对话 全书最终的落脚点在于，视觉艺术的演进是一个永无止境的辩证过程：商业的规范化、艺术的革新、技术的赋能与美学的回归，三者之间持续的拉扯构成了二十世纪电影艺术的完整图景。本书旨在提供一个批判性的框架，引导读者超越对某一特定风格或流派的迷恋，去理解整个媒介生态的动态平衡与不断自我更新的内在逻辑。它为读者提供了一套观察全球视觉文化变迁的工具，而非一份特定“经典”作品的导览手册。

评分☆☆☆☆☆

这本厚重的典籍，拿到手就感受到一种沉甸甸的仪式感，封面设计复古而典雅，散发着一种老胶片特有的温暖光晕。我一直对电影史，尤其是黄金时代的叙事结构和布景美学抱有浓厚的兴趣，这本书的排版和纸张质感，简直是为那些渴望沉浸式体验的“老电影迷”量身定做的。光是翻阅目录，那些熟悉的片名和导演名字并列出现，就足以让人心跳加速，仿佛能嗅到摄影棚里镁光灯的灼热气息和老式胶卷特有的气味。它不仅仅是一本书，更像是一个通往那个光影魔术年代的私人入口，让人期待能够深入挖掘那些光鲜亮丽的背后，隐藏的制作细节和时代烙印。我尤其期待它对早期灯光运用和镜头语言的剖析，那才是真正定义“经典”的基石，是后世所有电影人必须仰望的丰碑，希望能在这本书里找到对这些美学基准的深度解读和系统梳理，而非蜻蜓点水的泛泛之谈。

评分☆☆☆☆☆

读完一个章节后，我有一个强烈的感受：这本书对“好莱坞”这个概念的定义是极为开阔的，它没有被僵硬地局限在特定制片厂的内部斗争中。它似乎更关注的是一种文化现象的诞生与演变，即如何在一个高度工业化的体系内，诞生出具有持久生命力的“经典范式”。我特别喜欢它在讨论某些情节设计时，会不自觉地将镜头拉远，联系到当时的社会思潮、审查制度乃至观众的集体潜意识。这种宏观的时代背景分析，使得那些原本看似孤立的电影片段，突然有了深刻的时代注脚。这种将艺术品置于历史洪流中进行考察的方法，让阅读过程充满了思辨的乐趣，它鼓励读者去思考，在那个特定时刻，为什么是这样的故事被讲述，以及这种讲述方式是如何反哺并定义了后世的“美国梦”叙事的。

评分☆☆☆☆☆

这本书的“厚度”并非仅仅体现在页数上，更在于其叙事的广度和深度上的平衡拿捏得极好。它没有将重点完全放在那些人尽皆知的“大师作品”上，而是巧妙地穿插了一些在当代被略微忽视，但在当时具有里程碑意义的类型片。这让我感到非常惊喜，因为很多时候，真正的时代精神往往隐藏在那些被主流评论简化了的商业制作之中。我期待它能揭示出这些“中坚力量”作品如何塑造了观众的审美习惯，以及它们在技术或叙事上对后来的革新者产生了何种潜移默化的影响。这种对电影生态系统全景式的描绘，远比只聚焦于几个光环加身的巨匠要来得真实和立体。我非常赞赏作者这种“普罗米修斯”式的态度，愿意去发掘那些被历史尘埃掩盖的闪光点，让整个黄金时代的图景更加完整和丰满。

评分☆☆☆☆☆

说实话，当我开始阅读时，最初的几页带给我的是一种近乎学术论文的严谨感，这种精确度对于一本“赏析”读物来说，是双刃剑。它不像市面上那些轻飘飘的访谈录，而是直接切入了电影制作的工业核心。我发现作者在论述某个特定场景的调度时，引用的术语和理论框架都非常扎实，这对于我这种对电影幕后技术有一定了解的读者来说，无疑是极大的满足。我希望看到的，是通过这些技术层面的剖析，能更清晰地看到导演是如何将商业诉求与艺术表达完美地缝合在一起的。例如，对某个黑白片中阴影处理的分析，我希望它能超越“光影对比强烈”这种表面描述，上升到心理暗示和叙事功能层面。整本书的逻辑结构非常清晰，像是给一部宏大的交响乐谱做了精细的拆解，让人能一步步跟上作曲家的思路，而不是被炫技的片段搞得眼花缭乱。

评分☆☆☆☆☆

总的来说，这本书的阅读体验是一种智力上的享受，它提供了一种与电影进行高强度对话的途径。它绝不是那种读完就可以搁置一旁的“快餐读物”。每一次重新翻阅某个章节，都会因为自身阅历的增长而产生新的理解和共鸣。我最欣赏它的地方在于，它成功地在保持学术深度的同时，避免了过度枯燥的理论说教，使得专业性内容通过极富感染力的语言被呈现出来。它就像一个技艺高超的策展人，将那些散落在时间长河中的珍贵胶片片段，用逻辑和美学的丝线精心串联，最终呈现出一个既可供研究，又引人入胜的视觉艺术长廊。对于任何想要从“影迷”进阶到“电影研究者”视野的人来说，这本书无疑是架设在那两者之间最坚实的一座桥梁。