具体描述
编辑推荐
以蜚声国际的当代艺术家徐冰为个案进行研究，开掘中国前卫艺术家创作特征，发现中国前卫艺术的进程。
内容简介
徐冰是具有国际影响的当代中国艺术家。《背后的故事》系列作品为他以及中国当代艺术赢得了全球性的声誉和关注度。编者在这本研究文集中收录了蒂莫西?穆雷（Timothy Murray）、宝琳娜?阿罗赫- 弗格里（Paulina Aroch-Fugellie）、米格尔?安赫尔?赫尔南德斯?纳瓦罗（Miguel ngel HernándezNavarro）、丹尼尔?赫尔维兹（Daniel Herwitz）、托马斯?拉玛尔（Thomas Lamarre）、理查德?舒斯特曼（Richard Shusterman）等六位国际知名学者的专题文章，对《背后的故事》进行跨界研究，为关注当代艺术以及文化领域的研究者和爱好者提供可品可读的范本，同时也对一直坚持独立创作的艺术家产生有益的启发。
作者简介
徐冰，独立艺术家。曾在美国华盛顿沙可乐国家美术馆、纽约新美术馆等重要艺术机构举办个人艺术展。曾被邀请参加英国、法国、加拿大、日本、澳大利亚等国的重要联展。1999年获得美国文化界*高奖：麦克?阿瑟奖（MAC ARTHUR AWARD）。出版有《中国20世纪的艺术和艺术家》《艺术的过去和现在》《牛津艺术史“中国艺术”》《中国艺术及文化史》。
蒂莫西·穆雷（Timothy Murray），美国康奈尔大学比较文学系教授、人文学会主席。
杨心一，徐冰研究学者、策展人。现担任美国康奈尔大学访问学者、顾问，Discovery Channel艺术类节目Chineseness总策划，徐冰木林森全球计划总策划。
目录
序
杨心一………1
写在《背后的故事》文集之前
蒂莫西穆雷………3
一背后的故事
关于光的绘画（给Jan的一封信）
徐冰………17
过去鲜活的自然
丹尼尔赫尔维兹………19
开放的传统：《背后的故事》的异时性
米格尔安赫尔赫尔南德斯纳瓦罗………31
幻象辩证法：关于《背后的故事-7》
宝琳娜阿罗赫-弗格里………51
无为：徐冰与绘画之非感知的生命
托马斯拉玛尔………74
再利用的磨砂表面：徐冰的档案活动，或曰介入美学
蒂莫西穆雷………102
以解构的方式来铭记传统：徐冰《背后的故事》与文人水墨画
理查德舒斯特曼………123
作者简介 ………137
二《背后的故事》文献集
《背后的故事-1》 ………143
《背后的故事-2》 ………150
《背后的故事-3》 ………152
《背后的故事-4》 ………154
《背后的故事-5》 ………158
《背后的故事-7》 ………161
《背后的故事-10》 ………167
《背后的故事-11》 ………170
《背后的故事-12》 ………171
《背后的故事：富春山居图》 ………173
《背后的故事：烟江叠嶂图》 ………178
《背后的故事：仿许道宁山水》 ………180
《背后的故事：快雪时晴图》 ………182
《背后的故事：庐山图》 ………183
《背后的故事：江山万里图》 ………184
精彩书摘
写在《背后的故事》文集之前
蒂莫西·穆雷（TimothyMurray）
这部文集背后的故事要回到十五年前，在纽约中国城一顿愉快的“鱼宴”上。晚餐可口的汤羹、螃蟹和龙虾是由杨心一安排的，他当时正在康奈尔大学艺术史专业读博士。借由这次晚餐，我结识了徐冰和另一对中国艺术家夫妇，在20世纪90年代，他们都曾住在纽约，那时国际艺术市场即将意识到中国当代艺术非比寻常的活力。这次“鱼宴”成了我、杨心一和徐冰之间长期友谊与合作的开端。
如果将我们三人带到一起的那顿晚餐的主题能够延续下去，我们或许可以更准确地把这本书背后的故事称作是“鱼的故事”。在美国俚语中，“鱼的故事”指的是钓鱼者吹牛说他们本来可能钓到一条已经咬钩的很大的鱼，却在收线的肉搏战中让鱼跑掉了。不过这部文集证实那次愉快的晚餐的确发生过，虽然我得承认那之后徐冰和杨心一很快就“跑掉了”，他们搬回了中国。但自打在北京安顿下来，他们在艺术和策展方面工作的影响就开始扩散至今，不仅在国际艺术舞台留下持续的印记，而且也影响了我对历史中的艺术和当代艺术背后的故事的理解。在我与杨心一合编的这部文集中，我们将结合《背后的故事》这个在中国和西方都令观众感到惊异的作品系列，细细探讨徐冰作品之中的中国背景故事。
文集所收录的西方批评者们关于《背后的故事》的评论文章，恰恰佐证了徐冰的作品持续影响着西方写作者们理解和论述东西方之间的复杂交流，这是一个自马可·波罗的精彩故事以来，学者们长期争论的主题。因此，“背后的故事”为我们提供了一个绝佳的机会去思考徐冰对西方和亚洲的艺术创作、收藏、展览和理论传统的影响。徐冰最初令世界印象深刻的，是以宏伟的装置所展示的虚构的书法字（《天书》和《英文方块字》）。此后他继续创作着敏感的作品，这些作品吸引了东西方迥然不同的广大观众。他的极具影响力的展览，仍然不断冲击着国际上对艺术及其表意系统的特殊文化构架的理解。
杨心一和我很高兴能在此会集一批出色的艺术理论学者，他们的专长和项目横跨全球，从亚洲、欧洲、北美洲，到非洲、拉丁美洲和大洋洲，涵盖了哲学家、文学批评家、艺术史学者和文化理论学者。对于编者而言，值得我们注意的是，徐冰的《背后的故事》如何为来自差异如此之大的不同学科和国际背景的批评路径提供了同样令人无法抗拒的研究样板。我们的作者们不同的侧重点，也证实了徐冰的艺术的复杂性：它与形式、展览、收藏和美学的密集而复杂的历史相关，这些历史共同塑造了《背后的故事》系列，并且决定了它们在西方和东方如何被接受。在人们接受《背后的故事》的过程中，每一次接受的普遍性和特殊性，都反映了全球艺术的历史潮流，同时也彰显出不同的文化习俗，这些文化习俗既杂糅又区分开了东西方在艺术与文化上的不同路径。
这种杂糅在徐冰《背后的故事》系列最近的作品中最为明显。
2014年，他为台北市立美术馆（Taipei Fine Arts Museum）的“徐冰：回顾展”创作了《背后的故事：烟江叠嶂图》。这个大型展览横跨徐冰自学生时期到担任中央美术学院副院长时期的作品。一进入展场，观众就可欣赏到一件件影响巨大的作品，既包括他在中国的创作，也包括他在美国的创作。从早期山水版画，到震撼人心的书法装置《天书》（图1、图2）和《魔毯》（图3），这两件大型作品分别标志着徐冰创作的不同时期，前者代表徐冰作为一个北京艺术家崭露头角的早年时期，后者则是他作为国际艺术界的杰出大使回到中国后的作品。值得一提的，还有徐冰在美国时期所创作的同样复杂的作品，包括《英文方块字》（图4）、《烟草计划》（这件作品讲述了美国烟草产业用权力与恐吓所造就的威胁与毁灭的焦灼故事），以及《何处惹尘埃》（图5）（这件作品以从惨绝人寰的“9·11”灾难遗址收集来的曼哈顿灰尘为主要材料）。
如果想了解徐冰在东西方之间的游走，可以从这次回顾展上的三件巨大作品入手，这三件作品都在既有的旧的现实基础上，引入与奠基了新的东西，同时还承载着艺术家纵贯不同国家的活动轨迹。
一走进台北市立美术馆的大厅，迎候观者的便是经典重现的装置作品《鬼打墙》（图6），为创作这件作品，徐冰在国内时即已开始制作长城的拓本，但直到20世纪90年代初他移居美国举办第一个装置展览时，整件作品才得以完成。作品标题既预示着徐冰日后的职业生涯所面对的来自国际艺术市场的壁垒，同时也不禁让人想起《天书》在20世纪80年代末遭遇的某些负面评价，保守的人称其为“鬼魂撞墙的艺术”，这种诋毁导致艺术家做出了移居纽约的决定。可以说，《鬼打墙》这件开场作品在时间上承前启后。此外，回顾展的观众在进入主展厅之前还有一个其他选择：一条光线昏暗的长廊召唤着观众，仿佛伪装成了通往展览的入口，这里放映着徐冰于2012年创作的动画作品《汉字的性格》（图7）。在这件作品中，艺术家深谙动画的乐趣，用一段十六分钟的短片描绘出汉字发展的谱系，其中不仅引入了中华文明的历史，还引入了被全球化的复杂环境所包裹的中华文明的现状。整个故事巧妙地讲述了传统汉字如何逐渐数字化，直至转变为徐冰在《地书》中使用的数码图像。继而，观众还可以发现进入展览的第三道谜一般的入口：那就是位于主展厅入口处，正对着画廊空间，一件由九个画窗组合而成的系列作品，它们同时是美术馆中庭花园的四面玻璃墙之一。这九面顶天立地的窗玻璃正是徐冰用于创作迄今《背后的故事》系列中的最新也是最大的一件作品的场地。
比起我们在文集中所讨论的那些相对较小一些的《背后的故事》系列作品，这件《背后的故事》引人入胜之处在于，它的体量和摆置方式使观众与它的四周及其视觉景象保持距离，使它看起来就像是一幅起雾的山水，让人从遥远的地方朦朦胧胧地欣赏它。由于这面巨大的玻璃墙被分成了九段，每一段都由单独的窗框分隔开来，观众的视线就被这些玻璃墙所阻隔，换言之，观众与这件作品的正面产生了距离，无法看完这件非常大的作品的全景，除非他们爬上面对美术馆的楼梯俯瞰中庭花园。因此，这件阴影绘画的全景只有在空间的“中间”（in-between）才能被看完，不是在楼层之间，就是在画廊之间，或是穿越整条悠长的楼梯的两端。而只有观众真正进入徐冰展览的内部，穿过夹在两道门之间的《背后的故事—16》的时候，才有可能惊奇地发现这件阴影画作的戏法。原来，构成这幅阴影山水的是一些收集而来的自然材料，从玻璃窗的另一侧看过去，这些材料一览无余。在此，九个光源盒子中的树枝、光线与层层叠叠的树叶所营造而成的阴影视觉效果，镜现出这件作品的艺术源泉——1604年由董其昌创作的《烟江叠嶂图》。
同样，贯穿在徐冰很多《背后的故事》中类似的运作机制为这部文集中精彩的评论提供了依托。在这些关于《背后的故事》系列的写作中，我们的作者们将佛教禅宗和传统绘画笔触的流转，与杂交的当代艺术相比较。他们开展的论述既揭示了新自由主义资本社会的腐朽，亦论及全球变暖的生态退化；既回溯了西方博物馆以殖民手段引进中国传统艺术和当代艺术作为其永久藏品，又展望了艺术实践中的风格和标准的融合，这种融合是引进、迁移与消逝的层层叠叠历史的结果，正是这些构成了艺术史。关于徐冰和他的艺术从东方来到西方、再回到东方，并且遍及亚洲的运动过程，本书作者们颇有洞见地思考了徐冰《背后的故事》对于西方艺术传统与艺术批评传统所产生的影响。不同的是，他们捕捉到徐冰的西方时期在《背后的故事》系列中的持续延伸。由于色彩、光线、运动、印象、透视和笔法的传统发生改变，批评者们对徐冰在艺术中机智的叙事手法的多种批评路径也随之转变。
最后，这部文集的作者们揭示出了，徐冰所创作的发光的阴影卷轴画，在何种程度上以展览和博物馆实践的历史和理论为背景。同时，他们也揭示了收藏与展览之间的裂隙，在机构和国家、东方和西方、西方和西方以及东方和东方之间，对艺术品的竞争曾充斥于历史，并至今犹存。但这并不是什么“鱼的故事”。这些事实并不是一些拼凑出来的、在想象之中的、关于即将得手的大鱼“跑掉了”的故事；它们揭示的是诸如《背后的故事：富春山居图》所源出的那幅卷轴画17世纪被烧的故事，我们仍能看到那幅古画，但却只能以毁坏成两段的方式，其中一段陈列在中国大陆，另一段则陈列在中国台湾地区。与之类似，我们的作者们所着迷的事实是：启发徐冰构思出《背后的故事》系列作品的历史卷轴，仍然被藏在俄罗斯地下深处的保险库之中，这些历史卷轴曾一度属于德国，在“二战”期间被俄国人夺走。然而，不论是否参照历史对艺术的撞击，或当前经济与生态对这些语境的挑战，徐冰所讲述的故事的重要性和广度，仍然从这些出色的艺术作品闪光的表面上鲜明可见。
……
前言/序言
自20世纪80年代中期“’85美术新潮”开始以来，中国前卫艺术在今天已经迈入第三个十年的发展。回顾这段历史，笔者认为它可以梳理为三个发展阶段：80年代，中国前卫艺术萌芽，艺术家们自我诠释期；90年代，中国前卫艺术直接参与国际当代艺术展览，艺术家们集体体验期；本世纪第一个十年，中国前卫艺术进入商业化、机构化，是艺术家们的自我挣扎期。
无可置疑的是，作为中国前卫艺术的关键代表人物，徐冰不仅参与了中国前卫艺术发展的三个典型阶段，而且始终坚持追求自己的艺术道路。2015年也是艺术家徐冰踏入六十岁的一年，他的人生经历与这三个阶段的时代变迁密切相关。徐冰出身于北京大学的知识分子家庭，18岁下乡到北京最困难的公社插队，后进入中央美术学院版画系学习，1990年年初离国，2007年年底回国。在他的艺术发展过程中，20世纪80年代，当中国前卫艺术萌芽之时，徐冰发表了轰动国内外的巨作《天书》；20世纪90年代，当中国前卫艺术从现代迈入更当代的发展时，徐冰来到西方前卫艺术的发源地——纽约，融入国际当代艺术前沿，亲身体会到了东西方文化的碰撞并对之做出回应；本世纪第一个十年，中国前卫艺术进入商业化、机构化的发展阶段，在前卫艺术拥有的多种可能性方面，呈现出前所未有的开放与繁荣，而徐冰此时回国，在这个他认为最具实验性和创造力的领域拓展他的艺术探索。
本丛书以徐冰为个案进行研究，开掘出中国前卫艺术家创作题材的个人化，创作样式的多元化，创作观念的深入化等当代特征，以此作为起点，期望对讨论中国前卫艺术的未来发展有所借鉴。这正是本丛书编者及三联生活书店出版本丛书的主要出发点。一方面，本丛书希望整合、梳理、发掘、研究徐冰四十多年来的创作；另一方面，借由徐冰的艺术，以回顾中国前卫艺术三十年来的发展。笔者认为徐冰的案例不仅可以启发其他长期以来一直坚持独立的艺术家，而且从中可以发现中国前卫艺术的进程。透过这一进程笔者也意识到作为一个艺术史学者的任务和使命。当我们惊讶于中国前卫艺术在三十年内演进到如此现状的同时，笔者看到中国前卫艺术的未来才刚刚开始觉醒，并对中国前卫艺术下一步的发展充满期待与警觉。
用户评价
这本书的排版和设计本身就是一种艺术实践，那种对视觉节奏的掌控，与文字内容形成了奇妙的呼应。我很少见到如此能将学术深度与阅读舒适度结合得如此完美的文本。每篇文章的落脚点都非常精准，它们仿佛是精心挑选的镜头，聚焦在艺术家创作生涯中那些关键的转折点上。评论家的语言风格更是各有千秋，有的文风犀利如手术刀，直指核心；有的则如涓涓细流，温润而富有感染力，将晦涩的理论阐释得清晰可辨。这种多样性避免了单一视角的疲劳，让阅读过程充满了新鲜感和发现的乐趣。特别是那些关于“时间性”和“物质性”的讨论，它们不仅仅停留于表层现象，而是深入到形而上的层面，引发读者对“存在”本身的思考。这绝对是一本值得收藏的书籍，它的重量不仅仅在于纸张的克数，更在于它能对读者的认知结构施加的微小而持久的重塑作用。
评分坦率地说，我原本以为这是一本会比较枯燥的学术合集，但事实完全超出了我的预期。这本书的叙事张力令人意外地强大，它成功地将那些抽象的艺术理论包裹在引人入胜的故事结构之中。阅读过程中，我感受到了一种强烈的现场感，仿佛亲身参与了那些创作的瞬间，目睹了艺术家如何与材料进行搏斗、如何与既有的文化规范进行协商。评论者们似乎都掌握了一种“翻译”的魔法，将深奥的艺术史语境和前沿的哲学思辨，转化成了一种普通受众也能够理解并产生共鸣的语言。这种“可读性”的实现，是这本书最令人称道的地方。它没有降低标准，而是提升了表达的艺术性。我喜欢它对“过程”的强调，它提醒我们，艺术的价值往往隐藏在最终定格的画面之外，存在于那些被擦除、被修改、被放弃的尝试之中。
评分这本书给我最大的触动在于它对于“文化身份”的探讨，那是贯穿始终的一条隐秘主线。评论家们敏锐地捕捉到了艺术家在跨越不同文化疆域时所承受的张力，以及如何将这种张力转化为具有普适性的艺术语言。其中关于符号学和意义生产的章节，尤其让我眼前一亮，它解析了某些看似简单的图像元素是如何被赋予了多重甚至相互矛盾的解读层级的。这种复杂性，正是当代艺术的魅力所在。它挑战了我们对“原创性”和“真实性”的传统观念，迫使我们重新审视我们所处的世界是否真的如我们所见的那般简单。我感受到了评论家们的敬畏之心，他们没有试图“定义”艺术家的意图，而是努力去理解和呈现意图的“可能性空间”。这本书是一次智力上的远足，它让你走出舒适区，去面对那些尚未被完全驯服的观念丛林。
评分这本书最成功之处，或许在于它构建了一种超越作品本身的对话场域。它不只是对单一创作的复盘，更像是一次对整个当代艺术生态的深层扫描。不同作者的观点之间，有时甚至是相互辩驳、相互补充的，这种动态的、开放的讨论氛围，比任何单一的定论都更具启发性。我特别留意到其中对于“在场性”和“缺席”的探讨，这对于理解媒介如何重塑我们的感知体验至关重要。它让我意识到，我们对艺术的理解，永远是流动的、未完成的。这本书以一种极为克制而有力的姿态，展示了评论的力量——它不是附庸，而是与创作主体并驾齐驱，共同推进文化理解的加速器。读完后，我感觉自己不再是一个被动的接收者，而是有能力参与到这场持续进行的美学辩论中的一员。这是一部需要被珍藏和反复研读的文本。
评分这本书简直是打开了一个全新的视角，让人在阅读艺术评论的同时，仿佛也进行了一场深度的自我对话。作者们以极其细腻的笔触剖析了艺术家作品背后的思想脉络，那种抽丝剥茧般的分析能力，让人不禁拍案叫绝。他们不仅仅是在解读画面和形式，更是在挖掘创作者在面对时代变迁、文化冲突时的内心挣扎与抉择。我尤其欣赏其中几篇对材料和媒介转换的论述，那种跨学科的视野极大地拓宽了我对当代艺术边界的认知。读完之后，我再去看那些熟悉的图像时，总能捕捉到此前忽略的那些微妙的张力与深意。它不是那种提供标准答案的导览手册，而更像是一份邀请函，邀请你进入一个充满疑问和探索的智力迷宫。对于任何想要深入了解当代语境下，艺术家如何构建其个人符号系统的人来说，这本书无疑提供了一张极其有价值的路线图。那些充满哲思的段落，常常需要反复咀嚼，每一次重读都有新的领悟，那种知识渗透进思维的过程，是阅读体验中最为珍贵的收获。
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