具体描述
内容简介
《品味之战》的第一卷于1994年问世。现奉上此后出版的第二卷，收录了我1994年以来的文章。这里需要说明的是，这不是一部文章汇编，而是一部真正意义上的新著。其中的每一篇文章都经过精心的策划，在后续开放性的整部作品中与其他文章相互联系。在这样一个具有百科全书式的、战略性的规划中，服从编写原则是必要的，《无限颂·谈艺术》的标题“无限颂”由此而诞生。《无限颂·谈艺术》写给生命的歌者。那些无知之徒、凡夫俗子、民众主义作家、不靠谱的政客、反应迟钝的出版社雇员、流氓记者、怨天尤人的知识型教士、以讹传讹的大学老师、唯唯诺诺的先锋派、呆头呆脑的院士、猥亵下流的媒体人、焦躁不安的世界末日论者、记仇不记恩的道德学家、可怜兮兮的性感化者、生搬硬套的社会学家、愚蠢而快乐的为庸俗广告而叫好的斗士、虚无主义者、颓废主义者、唯利是图者、唯伦理主义者、自我毁灭的宗教狂以及形形色色的怪癖患者，请你们合上《无限颂·谈艺术》吧。
作者简介
菲利普·索莱尔斯（Philippe Sollers，1936-）出生于法国波尔多市。法国当代著名小说家、评论家、思想家、结构主义的思想先锋之一，与罗兰·巴特同为结构主义代表人物。代表作有《天堂》、《女人们》、《游戏者的画像》、《例外的理论》、《无限颂》等。刘成富，江苏扬州人，1994年毕业于巴黎第七大学，获博士学位。现任南京大学教授、博士生导师，兼任中国法语教学研究会副会长、中国非洲问题研究会常务副会长。出版专著3部、译著50部、教材和编著23部，发表论文120余篇。代表性论著为《20世纪法国“反文学”研究》《文化身份与现当代法国文学》《现当代法国文学研究》。2006年，人选教育部新世纪人才培养计划。2015年，因翻译《改变命运》和推广法国文学和文化的贡献获得法国前总统奥朗德亲笔表彰。
精彩书评
★故用兵之道，示之以柔而迎之以刚，示之以弱而乘之以强，为之以歙而应之以张，将欲西而示之以东，先忤而后合，前冥而后明，若鬼之无迹，若水之无创。故所乡非所之也，所见非所谋也，举措动静，莫能识也，若雷之击，不可为备。所用不复，故胜可百全。与玄明通，莫知其门，是谓至神。——《淮南子》（公元前2世纪）
目录
前言塞尚的天堂
弗朗西斯·培根的激情
英雄毕加索
塞尚的女人们
女巫
托姆布雷的出现
电流般的智慧
照片
毕加索的挚友
电影中的德波
居伊·德波的极端艺术
居伊·德波的另类人生
石涛，无与伦比
思想般的建筑
圣母的密道
精彩书摘
《无限颂·谈艺术》：大部分的艺术评论家（塞尚：“不要再当艺术评论家了！去画画吧！这才是救赎！”）面对《大浴女》作者的“天主教”信仰都感到十分尴尬。这位画家在生命的最后时刻忏悔道，自己不再像平常一样去艾克斯的教堂做弥撒，是因为“一位神父将管风琴演奏得十分糟糕”。他还补充道：“我认为要成为基督徒，必须摒弃一切正义感，眼睛只盯着利益。”无论如何，在1905至1906年间，人们不会就这些事开玩笑，今天依然不会。反教权的教士们时刻监视着。他们说塞尚怕死。他需要保护，他有些神经错乱，人们有一天将用他与父亲之间的爱恨来解释这一点。那时精神分析学还未开创，但也已经不远。不管怎样，塞尚的糖尿病变得更严重了，精神上也越来越紧张，多疑并易怒。恐惧症？偏执狂？我正准备说这个。他本人在信中也承认自己有“脑部问题”。您瞧！最后，塞尚还是一个保守主义者。他没有画过一幅关于巴黎公社的画，在德雷福斯事件面前一言不发，任由沉默蔓延，他与地方主义者保持着暧昧的友谊，而后者之后都在不同程度上变成了法西斯主义者。那一切很可疑，如果正像他所说的那样，他“依靠着罗马”，这正证明了他性格中的弱点。当前流行的唯心理主义就是这样进行的，这是真正的时代伤痕，这是一叶障目。塞尚对可恶的人类暴行，对宣布上百万人死亡的集中营没有表现出一丝兴趣吗？是的，确实没有。他想要的是时间，尽可能多的时间。为了给沃拉尔画肖像，摆了上百次姿势（并且那天早晨的天空必须是浅灰色的）才勉强满足。他整日整日地待在大自然中，在山冈上，在树林里，在河边或是湖畔（哪怕十个小时之后光线“减弱”了，因为这与光线并无多大关系），他还是觉得不够。面对“色彩的感觉”，塞尚是一个纯洁的色鬼。他运用大脑游戏，这便是遭到同代人本能排斥的原因：“颜色是我们的大脑和宇宙相遇的地方，这就是为什么颜色在真正的画家笔下显得如此动人。”真实的花朵通过人造花（如此便永不凋落）成为“母题”，它们将成为画中的花朵吗？当然。至于人类的肉体，它拥有一种惊世骇俗的深度，不是吗？正因如此，人们才因漠不关心或是过于迷恋（从那个重视自己身体的人开始）而使其饱受折磨。只有最独特的独特性才能被普遍接受吗？是的，否则都是废话，都将是“文学”，或是与思想最相悖的东西——抽象。没有人比塞尚更像称职的“理论家”，然而，他预感到了可能的误解，于是又一次拾起了自己的论调：“首先是自然，永远是自然，不停歇的自然，除了自然别无他物。”这使所有的业余爱好者感到绝望，他们认为圆形、方形、矩形，以及圆锥体、圆柱体、球体以及其他所有，在必要时（这更为合适）能够摆脱那些立即进行的鲜活考验。因此，“艺术中的精神”并不存在，尽管艺术的目的是“升华思想”（这很不一样）。同样，象征、原型、乱七八糟的心理现象、虚伪的无意识深渊也并不存在。如果说“自然对人类而言，更在于深度而不是表象”，那么我们永远也达不到其“深度”。然而这种深度并非是科学的计算（科学计算也有其合理性），更不是梦幻、神一话、疯狂或是恶作剧，亦不是玄奥的启示：所有这些都是人性的，太过于人性而不够深刻，即与表象并不相符。
……
前言/序言
《品味之战》的第一卷于1994年问世。现奉上此后出版的第二卷，收录了我1994年以来的文章。这里需要说明的是，这不是一部文章汇编，而是一部真正意义上的新著。其中的每一篇文章都经过精心的策划，在后续开放性的整部作品中与其他文章相互联系。在这样一个具有百科全书式的、战略性的规划中，服从编写原则是必要的，本书的标题“无限颂”由此而诞生。这部作品写给生命的歌者。那些无知之徒、凡夫俗子、民众主义作家、不靠谱的政客、反应迟钝的出版社雇员、流氓记者、怨天尤人的知识型教士、以讹传讹的大学老师、唯唯诺诺的先锋派、呆头呆脑的院士、猥亵下流的媒体人、焦躁不安的世界末日论者、记仇不记恩的道德学家、可怜兮兮的性感化者、生搬硬套的社会学家、愚蠢而快乐的为庸俗广告而叫好的斗士、虚无主义者、颓废主义者、唯利是图者、唯伦理主义者、自我毁灭的宗教狂以及形形色色的怪癖患者，请你们合上此书吧。
用户评价
这本书的装帧设计，说实话，初见时并未立刻抓住我的眼球。封面选用的那种略带粗粝感的纸张，配上简洁到近乎寡淡的字体排版，初看之下，总觉得少了些许“艺术”应有的华丽与张扬。我当时心里甚至嘀咕，这年头，一本谈艺术的书，不来点高饱和度的色彩或者抽象派的爆炸性构图，似乎有点不合时宜。然而，当我真正翻开内页，阅读那些文字时，这种初期的观感便被彻底颠覆了。纸张的触感出奇地舒适，墨色的深沉与纸张的纹理形成了微妙的对比，使得长时间阅读时眼睛的疲劳感也降低了不少。更值得称道的是它的版式安排，每一章节的起头，都有着经过深思熟虑的留白，仿佛在提醒读者，艺术的欣赏，需要呼吸的空间。这种内敛的设计哲学，反而更贴合了作者在书中试图传达的某种精神气质——深入、沉静、不哗众取宠。它不像那些浮光掠影的艺术画册，而是更像一本老派的哲学著作，严肃而克制，让读者自然而然地将注意力集中到文本本身，而非外部的装饰。这种对“内涵”的极致追求，从装帧的细节处便已初露端倪，让人忍不住想一探究竟，看看文字里究竟蕴含了怎样的力量，能支撑起如此低调却坚实的实体存在。
评分我向来对那种把艺术史简单粗暴地线性梳理，或者热衷于罗列“必看”名作的书籍持保留态度。它们读起来就像是走马观花，知识点很多，但灵魂上的触动却微乎其微。而这本书带给我的体验，则全然不同。它更像是与一位经验深厚的行者进行的一场深入山林中的对话，行者不急于指出每棵树的名字，而是引导你感受阳光穿过树冠的温度，泥土散发出的原始气息。作者似乎更热衷于探讨“观看”本身的行为，而非被观看的对象。比如，他对“光线”在不同历史时期、不同媒介中扮演角色的分析，其细致程度令人咂舌。他没有停留在物理层面的描述，而是将光线提升到了一种形而上的维度，探讨它如何塑造了人类的感知，如何成为美学构建的基础元素。这种探讨的深度和广度，远远超出了我对一本常规艺术评论的预期。读到某些段落时，我甚至会放下书，走到窗边，重新审视窗外那些习以为常的景象，试图用作者提供的全新视角去“解码”日常。这种能力——激活读者的内在观察力——才是真正高级的艺术交流方式，远非简单地灌输信息可比。
评分我特别欣赏作者在对待不同文化艺术传统时的那种谦逊与包容姿态。在讨论西方艺术史的主流叙事时，有太多论者习惯于将其他文明的艺术实践置于一个被动的、被评判的地位，仿佛只有欧洲中心的脉络才是“正统”的发展路径。然而，这本书在这方面展现了令人耳目一新的立场。当论及形式与功能的关系时，作者并未固守单一的西方美学框架，而是穿插引用了大量来自东方哲学和非西方手工艺的案例进行对比参照。这种参照并非是简单的罗列，而是真正尝试去理解那些不同语境下艺术的“内在逻辑”。例如，他对东方园林造景中“虚实相生”理念的解读，完全跳脱了西方透视法或构图学的桎梏，而是从生命哲学的角度去重新审视空间与时间的融合。这种跨文化的对话，极大地拓宽了我对“艺术”这个词汇的边界感。它不再是一个固定的、封闭的概念，而是一个流动的、充满无限可能性的场域，它需要我们以更开放、更尊重差异的心态去接近。读完后，我感觉自己对世界万物的理解都变得更加立体和复杂了，这是非常宝贵的收获。
评分这本书的后记，是整本书中最具个人色彩，也最耐人寻味的部分。通常而言，后记往往是作者对致谢名单的交代，或是对后续研究方向的简单预告，流于形式。但这里的后记，却像是一场卸下所有学术伪装后的真诚自白。作者没有去总结前面所有的论点，反而开始探讨自己写作过程中的困惑、挣扎，甚至是某些观点的自我推翻。他坦率地承认了在面对某些永恒的艺术难题时，他自身也抱持着无法完全解答的迷惘。这种坦诚，极大地拉近了作者与读者的距离。它消解了那种高高在上、无所不知的“权威感”，代之以一种共同探索的伙伴关系。我读到他描述自己如何为了一个词语的精确表达，如何在浩如烟海的资料中迷失，又如何最终“柳暗花明”，那种文字背后渗透出的心力交瘁，让我深感敬佩。这本书的价值，绝不仅仅在于它提供的知识密度，更在于它所展现的，一个严肃思考者在真理面前所应有的谦卑与执着。它教导我们的，与其说是艺术的理论，不如说是做学问、做研究、乃至做人的态度。
评分这本书的叙事节奏处理得极为巧妙，简直是教科书级别的范例。很多理论性极强的论述，如果用生硬的学术语言堆砌，很容易让人望而却步，沦为“只可供少数人把玩”的精英文本。但这位作者，他似乎深谙如何平衡学术的严谨与叙事的流畅。书中关于某种古典雕塑技术演变的长篇论述，原本可以写得枯燥乏味，但他却巧妙地穿插了一些极富画面感的历史场景还原，仿佛将我们带回了工坊内部，耳边回响着凿击的声响，鼻腔里充斥着石屑的气味。这种“沉浸式”的写作手法，极大地降低了理解门槛，使得即便是对特定技术细节不甚了解的读者，也能通过感官的代入，抓住其核心的艺术精神。更妙的是，当他需要进行高度抽象的概念辩证时，他的用词又会变得异常精准和凝练，如同手术刀般精确地剖析问题，绝不拖泥带水。这种在“铺陈”与“聚焦”之间游刃有余的切换，让阅读过程充满了张力，像在欣赏一场精心编排的交响乐，有舒缓的慢板，也有激昂的快板，高低起伏，扣人心弦，让人不忍释卷。
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