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出版社： 湖南文艺出版社

ISBN：9787540469146

商品编码：14074895459

丛书名： 细说慢练学二胡第1册

出版时间：2015-01-01

 

书名:细说慢练学二胡-第1册-(附双DVD)

：39.8元

作者:岳峰

出版社：湖南文艺出版社

出版日期：2015-1-1

ISBN：9787540469146

字数：

页码：

版次：1

装帧：平装

开本：16开

商品重量：

部分 开篇
一、 认识二胡
二、 学习前的准备
三、 定音和定弦
四、 基本姿势
五、 二胡的持弓
六、 二胡的持琴
七、 全身与琴的关系
八、 二胡的发音
第二部分 二胡D调、G调、F调一把位
一、 二胡D调（15弦）一把位
1、 空弦练习
2、 D调一把音位练习
3、 小星星
4、 划小船
5、 联欢舞
6、 二字连弓练习
7、 秧歌调
8、 摘辣椒
9、 鄂伦春小唱
10.小指练习
11.凤阳花鼓
12.保留指练习
13.紫竹调
14.四字连弓练习
15.八月桂花遍地开
16.小熊跳舞
17.山村初晓
18.杨柳青
19.半个月亮爬上来
20.美丽的姑娘
二、二胡G调
1.G调一把音位练习
2.生日歌
3.邀请舞曲
4.交城山
5.兰花草
6.拍手歌
7.打靶归来
8.军港之夜
9.牧童之歌
10.娃哈哈
11.嘀哩，嘀哩
12.满堂红
13.桔梗谣
14.山清水秀好风光
15.孟姜女
16.铺地锦
三、二胡F调
1.F调一把音位练习
2.康定情歌
3.卖报歌
4.长城谣
5.牧羊姑娘
6.敖包相会
7.我爱我的台湾岛
8.黄杨扁担
9.采花
10.采茶扑蝶
11.卖汤圆
12.让我们荡起双桨
第三部分 附录
一、 常用音乐知识
二、常用音乐术语及记号
三、常用二胡演奏符号一览表
四、参考书目
五、光碟及其说明

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《指尖上的旋律：二十世纪小提琴协奏曲选析》 一部深入探索小提琴艺术的深度文献 前言：时代的呼唤与艺术的交汇 二十世纪，是音乐史上一个充满剧变与创新的时代。社会动荡、技术革新以及美学观念的根本转变，共同塑造了这一时期小提琴协奏曲的恢弘图景。这些作品不再仅仅是炫技的舞台，更成为了作曲家对时代精神、个人情感以及乐器潜能进行深刻哲学思辨的载体。本书，旨在带领读者穿越时空的迷雾，深入剖析二十世纪最具代表性、最具学术价值的小提琴协奏曲，探究其创作背景、结构奥秘与演奏实践中的挑战与机遇。 本书并非一本简单的曲目汇编或技巧指南，而是一部旨在提升听赏深度与演奏理解力的专业论著。我们聚焦于那些标志着风格转折、技法革新或情感表达达到巅峰的作品，力求通过细致入微的文本分析和历史脉络的梳理，揭示这些经典背后的创作哲学。 --- 第一部分：现代主义的序曲与印象派的回响（约1900-1930） 本部分着重考察二十世纪初期，传统浪漫主义的余晖如何与新兴的印象主义、表现主义思潮相互碰撞，最终催生出第一批具有强烈现代色彩的小提琴协奏曲。 一、德彪西与拉威尔的遗产重塑： 虽然德彪西和拉威尔的作品创作年代横跨世纪，但他们对音色、和声的革命性探索，为后来的作曲家提供了自由的画布。我们将分析拉威尔《G大调左手钢琴协奏曲》（侧重其与小提琴协奏曲中对管弦乐色彩的借鉴），探讨其对清晰度与精致化的追求如何影响了协奏曲的结构布局。 二、斯特拉文斯基的“新古典主义”初探： 斯特拉文斯基是二十世纪音乐的巨擘。他的早期协奏曲，如《D大调小提琴协奏曲》（1935年，但其风格根基深植于早期的探索），标志着对瓦格纳式过度情感宣泄的反叛。本章将深入剖析其使用的“音块”和“节奏驱动”的写作手法，以及他对巴赫、莫扎特形式的解构与重建。重点分析第二乐章的“卡农”结构如何被赋予现代的张力。 三、巴托克：民间音乐的史诗性提炼： 匈牙利作曲家巴托克·贝拉，以其深厚的民族音乐学功底，将民间旋律的原始力量与西方现代和声技巧完美融合。我们将聚焦于《小提琴协奏曲第一号》（1956年遗作，但创作于五十年代初，代表了他对前奏曲的回归）和《小提琴协奏曲第二号》。后者尤其重要，其三乐章的结构设计，尤其是乐章间微妙的联结与音色转换，展现了作曲家对协奏曲“整体性”的追求。分析其旋律的“五度音阶”特质与管弦乐队的“对话”模式，而非传统的“对抗”模式。 --- 第二部分：两次世界大战的阴影与个人化的表达（约1930-1960） 战争与意识形态的冲突，使得许多作曲家转向更内省、更具英雄主义或更极度个人化的表达。 一、西贝柳斯的最后辉煌： 《D小调小提琴协奏曲，Op.47》，虽然创作于1904-1905年，但它在二十世纪中叶的影响力持续发酵，成为了北欧精神的象征。本章将其置于二十世纪早期语境下，分析其宏大的结构、对“北地”意境的描绘，以及如何通过独特的调性处理（如副主部主题的复杂性）来营造紧张感。重点研讨演奏家如何平衡作品中的浪漫激情与古典的严谨性。 二、肖斯塔科维奇：史诗性的悲剧叙事： 苏联体系下的音乐创作，往往背负着沉重的社会责任。肖斯塔科维奇的两部小提琴协奏曲（尤其是《第一号协奏曲，Op.107》），是这一时期的缩影。我们将详细分析《第一号》中著名的“漫长的独白”（第一乐章的引子）如何奠定全曲的悲剧基调，以及如何利用“主题性乐章”（如慢板乐章的变奏）来承载对压迫的反抗与个人的哀悼。探讨其在苏联体制下，如何通过“潜文本”来表达深刻的主题。 三、布里顿的舞台化叙事： 英国作曲家布里顿的作品充满了戏剧性与心理深度。《小提琴协奏曲，Op.15》，结构清晰，但充满了对“异化”和“纯真受损”的关注。本章将侧重分析其独特的管弦乐队配器，以及如何通过对独奏乐器音域的极端使用，来构建叙事张力。 --- 第三部分：战后探索与新语言的开创（约1960至今） 随着序列主义、偶然音乐和极简主义思潮的兴起，小提琴协奏曲的定义被不断拓宽。 一、序列主义的严谨与自由： 探讨吕托斯瓦夫斯基和布列兹等作曲家如何运用十二音体系或更复杂的组织结构来创作协奏曲。这些作品对独奏家的技巧提出了近乎“非人性化”的要求，要求演奏者不仅是音乐家，更是声音的物理学家。重点分析其非传统的节奏结构和“局部随机性”在协奏曲中的作用。 二、极简主义与回归调性： 并非所有战后作品都走向了抽象的极端。一些作曲家开始回归某种形式的“新浪漫主义”或基于简约的重复结构。虽然小提琴协奏曲在这个领域不如交响乐显著，但我们会考察那些在结构上强调稳定韵律和清晰音色的作品（例如部分美国作曲家的作品），它们如何与传统协奏曲的“冲突-解决”模式拉开距离。 三、当代演奏的挑战与传承： 本书的最后部分，将探讨当代演奏家在面对这些跨越百年的风格迥异的作品时所应具备的素养。这包括对历史演奏风格的理解、对电子效果或特定音色模拟的掌握，以及如何在大结构清晰度与微观细节处理之间找到平衡。强调二十世纪小提琴协奏曲的演奏，是对音乐史理解力的终极考验。 --- 本书特色： 结构导向分析： 每一部作品的分析都从曲式结构入手，而非仅仅停留在和声或旋律片段的描述。 演奏家访谈录（节选引用）： 引用二十世纪至当代著名小提琴大师（如海菲兹、帕尔曼、穆特等）对于特定协奏曲的演奏心得和理解，增加实践指导性。 乐谱对比插图（概念性描述）： 穿插对关键技术难点乐谱的理论性描述，解释复杂指法或弓法背后的音乐意图。 《指尖上的旋律》旨在成为每一位严肃学习小提琴演奏、作曲或音乐史研究者的案头必备之书，它所描绘的，是一部不断自我革新、充满生命力的二十世纪交响诗篇。

评分☆☆☆☆☆

这本《正版细说慢练学二胡 独奏曲谱书 教材 简谱歌曲书 考级曲集 名曲书 名曲集 流行曲谱经典精》简直是为像我这种刚入门的二胡爱好者量身定做的。我之前买过几本号称“初学者适用”的谱子，结果回家一看，要么是五线谱密密麻麻让人头大，要么就是练习曲的难度曲线陡峭得像珠穆朗玛峰，刚学会拉“宫商角徵羽”就得挑战高难度炫技曲目。但这本书不一样，它真的做到了“细说慢练”。最让我惊喜的是它的编排逻辑，它不是简单地堆砌曲目，而是非常系统地将技巧的引入和曲目的难度做了匹配。比如，第一部分的练习曲，每首曲子都专注于一个核心技巧——揉弦的力度控制、推弓的平稳性，或者换把位的精准度。书里对每一个难点的讲解都配有非常清晰的图示和文字描述，那种感觉就像身边坐着一位耐心的老师，手把手地教你拉弓时肩膀要放松，手指的触弦要有弹性。我按照书上的要求，每天只攻克一个小难点，再配合配套的练习曲，进步速度肉眼可见。尤其是关于“慢练”的理念，书里反复强调了节奏稳定性和音准的重要性，而不是一味追求速度，这对打好基础至关重要。我用了一段时间，感觉自己的音准比以前提高了一个层次，拉出来的旋律不再是“跑调的哀怨”，而是真正有了音乐的味道。这本书对于想要系统学习二胡，而不是只满足于随便拉两首民歌的人来说，绝对是物超所值的投资。

评分☆☆☆☆☆

说实话，作为一个资深琴行顾客，我对市面上那些鱼龙混杂的二胡教材都有点审美疲劳了。很多所谓的“名曲集”，封面做得花里胡哨，里面内容却极其敷衍，要么是简谱跟原谱差了十万八千里，要么就是排版混乱到让人怀疑排版师是不是对二胡有什么深仇大恨。然而，这本《正版细说慢练学二胡》在细节处理上，展现出了专业水准。我尤其欣赏它对经典曲目的处理。比如《赛马》，那段大家公认的快速弓法段落，这本书没有直接给出炫技版本，而是提供了一个“慢练解析版”，把快速的连弓分解成了若干个可控的独立弓段，并标注了每一个换弓点上需要注意的呼吸节奏。这种深入骨髓的解析，远比那种直接把一堆音符扔在你面前要有效得多。更别提它收录的“流行曲谱经典精选”部分了，这简直是送给年轻琴友的大礼包！它把一些现代影视剧的配乐改编成了适合二胡演奏的版本，既保留了原曲的韵味，又充分考虑了二胡的音色特点，不像有些改编版本，拉起来生硬别扭，完全没有“人声化”的特点。这本书的价值就在于，它既有扎实的传统功底，又紧跟时代脉搏，让学习二胡不再是一件孤芳自赏的事情，而是可以融入现代音乐生活。

评分☆☆☆☆☆

坦白说，我是一个对书本的“手感”和“质感”有要求的人。毕竟，练习二胡是一个需要长时间与书本打交道的体力活，如果纸张太薄或者印刷模糊，真的会让人分心。这本《正版细说慢练学二胡》在装帧设计上可以说是教科书级别的典范。首先，它采用了一种厚实的哑光纸张，反光度很低，即使在灯光下长时间练习，眼睛也不会感到疲劳。其次，它的开本设计非常合理，刚好可以平摊在琴桌上，而且书本的装订方式（似乎是锁线胶装的混合体）保证了无论翻到哪一页，书页都能牢牢地贴合在桌面上，我不用担心拉到一半谱子自己合拢，或者某几页松脱的尴尬情况。最让我称赞的是它的符号清晰度。简谱和指法标记都采用了高对比度的黑色印刷，连一些细微的如“慢”、“快”、“渐强”的力度记号，都清晰锐利，不会出现那种油墨扩散的模糊感。在学习过程中，细节的清晰度直接影响学习效率，这本教材在这方面投入的心思，绝对是能让使用者感受到的，它体现了出版方对二胡学习者群体需求的深度洞察。

评分☆☆☆☆☆

我接触二胡已经有十多年了，从最初的懵懂到现在的可以演奏一些复杂曲目，我深知“曲谱的权威性”有多么重要。很多非正规出版的曲谱，由于抄谱错误或者二次改编的随意性，导致一些音符或指法与原作者的意图相去甚远。这本《正版细说慢练学二胡》的“正版”标签，对我来说具有极高的吸引力。这不仅仅是一个版权声明，更是一种质量保证的承诺。通过对比我收藏的一些老版曲谱，我发现这本书对一些传统名曲的指法标记更加精准和规范化。例如，对于一些需要快速换把的乐句，它采用了更现代、更易于识别的指位标注系统，这对于习惯了老式注法的人来说，初期可能需要适应，但从长远来看，这无疑是朝着专业化、标准化演奏方向迈进。更重要的是，它收录的许多“名曲集”部分，据我了解，都是经过专业二胡演奏家审阅和校对的，这保证了我们学习的不是变异的“山寨版”旋律，而是接近于原汁原味的艺术呈现。对于追求演奏纯正性的资深爱好者或专业人士而言，选择一本经过严格校对的正版教材，是尊重音乐本身、尊重艺术传承的基本要求，这本书完美地满足了我的这些近乎苛刻的要求。

评分☆☆☆☆☆

我之前在备考十级时，为了找合适的曲目集和练习材料快愁秃了头。考级曲目需要难度支撑，但又不能完全脱离音乐性，市面上很多考级参考书，要么偏重于展示技巧的“怪招”，要么就是曲目选择过于老套，缺乏让人眼前一亮的亮点。这本《正版细说慢练学二胡》的“考级曲集”部分，给我带来了耳目一新的体验。首先，它不像有些教材那样只给你一个“标准答案”，而是针对一些公认的高难度段落，提供了不止一种处理方式——比如关于装饰音的处理，它分别演示了快速倚音和颤音的不同效果，让学习者可以根据自己的理解和老师的指导来选择最适合自己的表现手法。这才是真正体现了“教学相长”的理念。其次，它对曲目的背景介绍和创作意图的阐述非常到位。当我理解了《江河水》背后的深沉情感，我拉奏时的情感代入感就完全不同了，不再是机械地跑音符。这种对音乐内涵的挖掘，是很多只关注指法和弓法的书本无法比拟的。总而言之，这本书不仅是技术手册，更是一本音乐思想的启蒙读物，对于那些渴望在考级中取得优异成绩，并且希望真正理解所演奏作品内涵的严肃学习者来说，简直是不可多得的宝藏。