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店铺： 云宵争鸣图书专营店

出版社： 上海音乐出版社

ISBN：9787552308464

商品编码：26471072684

丛书名： 流行歌曲创作教程

歌曲创作基本要素一、节拍二、速度三、音域及人声分类四、演唱形式第二章旋律进行与发展一、旋律的运动形态二、旋律的发展手法第三章节奏形态一、基本节奏型及其音乐形象二、休止、连音及切分节奏三、Shume节奏四、节奏的“强起”与“弱起”五、节奏的对称六、节奏的破格七、节奏的布局八、变拍子节奏第四章调式、调性一、自然大小调式二、和声小调式三、中国民族五声调式四、布鲁斯调式五、调式变音六、调性转换七、调式的布局与设计第五章曲式结构一、乐段及乐段形式二、一段体三、二段体四、AABA曲式五、三段体六、多段体第六章歌曲创作的常用技法一、节省素材二、运用衬词三、重复歌词四、引用素材五、修饰旋律第七章歌曲创作的常用方式一、根据歌词创作旋律二、根据和声创作旋律三、根据旋律填写歌词第八章风格化创作一、爵士歌曲二、摇滚歌曲三、民谣歌曲四、说唱歌曲五、R＆B歌曲六、拉丁歌曲七、中国民族歌曲

《流行歌曲创作教程》通过对大量流行歌曲的分析和总结，将其分为节奏、调式、曲式、风格等章节，对流行歌曲的创作规律进行了较为详细的介绍。笔者以传统作曲法为基础，融入了很多流行歌曲的特征，使其更加符合流行音乐理论体系。本书是笔者尤静波从事歌曲创作十多年来，在实践和教学中总结出来的一些创作规律，其中借鉴了很多传统作曲理论，但也融入了不少个人经验。

音乐制作与声音设计深度解析 本书致力于探索现代音乐制作的各个环节，从基础声学原理到高级混音母带技术，为音乐人提供一套全面、实用的技术指南与艺术视野。内容聚焦于数字音频工作站（DAW）的深度应用、声音的物理特性、以及如何通过技术手段实现创作者的听觉想象。 第一部分：声学基础与数字音频的奥秘 本部分将带读者深入了解声音的本质。我们将从物理学角度剖析声波的产生、传播与接收机制，解释频率、振幅、相位、谐波等核心概念，这些都是理解任何音频处理技术的前提。随后，我们将详细阐述数字音频采样的原理，包括奈奎斯特频率、位深对动态范围和信噪比的影响，以及D/A和A/D转换过程中可能出现的失真与伪像。 我们将对比解析不同采样率和位深下的音频质量差异，并提供在不同项目类型（如影视配乐、电子音乐、人声录制）中选择最佳音频设置的实战建议。此外，本章还将探讨房间声学对录音和监听效果的决定性作用，介绍吸音、扩散以及陷波器的设计与应用，帮助读者优化自己的工作环境，确保所听到的声音是真实而准确的。 第二部分：DAW的精细化操作与工作流程优化 本书不局限于讲解某一款特定软件的操作界面，而是聚焦于跨平台通用的高效工作流程构建。我们将探讨如何构建一个逻辑清晰、资源高效的DAW项目结构，包括轨道分组、颜色编码、自动化管理等。 在MIDI编辑方面，我们将超越基础的音符输入，深入探讨量化（Quantization）算法的细微差别，如何运用摇摆（Swing）参数来赋予节奏更人性化的律动感，以及如何利用表情数据（CC信息）来模拟真实乐器的细微动态变化。 对于音频编辑，我们将详细拆解切片、对齐、伸缩（Time Stretching）和变调（Pitch Shifting）技术的原理，特别关注拉伸算法（如Granular、Warping模式）对音色特性的影响，确保在变速或修正节奏时，音质损失降至最低。 第三部分：效果器深度剖析与创造性应用 效果器是塑造声音个性的核心工具。本书将系统性地介绍动态处理、频率塑造和时间基效果三大类效果器。 动态处理： 详细解析压缩器（Compressor）的各个参数——阈值、比率、起音（Attack）、释放（Release）和拐点（Knee）——如何影响信号的瞬态和平均电平。我们将区分并实战演示前馈、反馈和前馈反馈式压缩的不同听感。限幅器（Limiter）和噪声门（Gate）的应用场景与陷阱也将被一一剖析。 频率塑造： 深入研究均衡器（EQ）的类型，包括模拟模拟（Passive）、图形（Graphic）和参数（Parametric）EQ。重点讲解动态EQ的使用，如何根据信号的变化自动调整频响曲线。我们还将探讨滤波器设计，分析高通、低通、带通滤波器在去除杂音和创造特殊音效中的作用。 时间与空间效果： 详尽拆解混响（Reverb）的物理模型，例如板式、弹簧、房间和卷积混响的声学特性。我们将指导读者如何通过调节预延迟、扩散和衰减时间来精确控制声音的“空间感”。延迟（Delay）部分，将分析反馈回路、调制延迟以及如何使用Ping-Pong或多重延迟创建复杂的空间迷幻效果。 第四部分：信号处理与高级音频合成 本章将带领读者进入声音合成的殿堂。我们将从最基础的振荡器波形（正弦波、方波、锯齿波、三角波）入手，解释波形如何决定音色。然后，着重讲解减法合成、加法合成以及频率调制（FM）合成的数学原理和听觉效果。 更进一步，我们将探讨更复杂的波表合成（Wavetable Synthesis）和颗粒合成（Granular Synthesis）技术，展示如何利用微小的时间片段来构建前所未闻的纹理和动态音景。 在信号流设计方面，我们将详细阐述串联、并联、发送/返回（Send/Return）等路由方式，并介绍如何使用调制源（LFO、包络发生器）来创建复杂的、随时间变化的音色运动，实现声音设计的无限可能。 第五部分：混音的艺术与母带的科学 混音是将所有元素融合为一体的过程，本书将从“平衡”而非“修正”的角度来阐述混音哲学。我们将教授如何使用电平、声像（Panning）和深度（Reverb/Delay Send）来构建清晰的三维声场。重点讲解人声与乐器之间的“空间竞争”和相位问题，以及如何通过侧链压缩（Sidechain Compression）技术实现动态的相互作用。 最终，我们将进入母带处理（Mastering）阶段。这部分内容侧重于标准化和商业化准备。我们将讨论峰值限制、响度标准（如LUFS）的设定，以及如何使用高品质的M/S处理技术来控制立体声宽度，确保成品在所有播放系统上都能保持一致的响度和清晰度。本书强调，母带处理是最终的质量把关，而非弥补混音缺陷的工具。 通过对以上五个方面的系统学习与实践，读者将建立起一套坚实的音乐制作理论框架，掌握从零开始构建专业级音频作品所需的一切技术工具和艺术思维。

评分☆☆☆☆☆

作为一名吉他爱好者，一直希望能够将自己的演奏技巧与歌曲创作结合起来，而这本书在这方面的内容可以说是恰到好处。它没有直接教授复杂的吉他Solo，而是将吉他编曲的理念融入到流行歌曲的整体创作中。我特别喜欢“吉他节奏与和弦的魅力”章节，作者通过大量的吉他谱例，生动地展示了如何运用不同的扫弦方式、分解和弦以及琶音技巧，来为歌曲打下坚实的节奏和和声基础。书中还深入讲解了如何利用吉他的“音色”特点，来烘托歌曲的情绪，比如用清澈的空弦音来营造宁静感，用失真音色来表达激昂的情绪。让我惊喜的是，书中还提到了吉他与其他乐器的“对话”，如何让吉他与键盘、贝斯等乐器相互配合，共同构建出丰富而有层次感的编曲。它不仅仅是一本关于吉他编曲的书，更是一本关于如何用吉他来“讲述”一首歌曲的书，让我觉得自己的吉他演奏不再是孤立的技巧展示，而是能够真正地融入到音乐创作的整体之中，让歌曲更具生命力和表现力。

评分☆☆☆☆☆

这本书的封面设计相当吸引人，流线型的字体和深邃的蓝色背景，让人一眼就联想到夜晚创作的宁静与灵感迸发。迫不及待地翻开，我首先被书中关于“创作情感的捕捉”这一章节所吸引。作者用一种非常细腻且富有画面感的方式，引导读者如何将内心的波动、生活的感悟转化为歌词的素材。他举了几个非常生动的例子，比如描述失落时，不是简单地写“我很难过”，而是通过描绘“雨滴落在窗棂，打碎了黄昏的宁静，我的思绪也随之飘零”这样具象化的场景，让情感的表达更加立体和深刻。我尤其喜欢其中关于“回忆的碎片”章节，作者鼓励读者去挖掘那些被遗忘的童年片段、曾经的青涩爱恋，甚至是生活中的某个瞬间，然后尝试用歌词去串联和升华。这种创作方式，让我想起了很多经典的流行歌曲，它们之所以能打动人心，正是因为捕捉到了我们每个人内心深处共同的情感。书中还探讨了不同情绪的表达方式，比如如何用明亮的旋律来衬托喜悦，又如何用低沉的和弦来渲染忧伤，这些对于初学者来说，无疑是宝贵的指引。它并非枯燥的理论堆砌，而是充满了实践性的建议，让我觉得创作不再是遥不可及的事情，而是可以一步步去实现的艺术。

评分☆☆☆☆☆

我一直对流行音乐的编曲结构有着浓厚的兴趣，而这本书在这方面的内容简直是给我打开了一扇新世界的大门。它没有直接丢出复杂的和弦进行，而是从最基础的“动机”入手，层层递进地讲解如何构建一首完整的歌曲。我特别欣赏其中关于“旋律动机的变奏与发展”的章节，作者通过清晰的图示和生动的比喻，解释了如何将一个简单的旋律片段，通过节奏、音高、时值的变化，发展出一段富有张力的副歌，甚至整首歌曲的骨架。书中的编曲理论部分，深入浅出地讲解了流行歌曲中常见的和弦进行模式，并且非常贴心地提供了大量的范例，可以直接套用到自己的创作中，进行修改和拓展。让我惊喜的是，书中还详细介绍了不同乐器在流行音乐中的运用，比如吉他如何作为节奏和旋律的主角，鼓组如何营造律动感，以及合成器音色如何为歌曲增添现代感。这让我不再局限于只懂旋律和歌词，而是能够更全面地理解一首流行歌曲的构成。它就像一个经验丰富的音乐制作人，手把手地教你如何将脑海中的旋律转化为听觉上的享受，让你的作品更具专业性和感染力。

评分☆☆☆☆☆

我一直认为歌词创作是流行音乐的灵魂，而这本书让我对“灵魂”的塑造有了更深的理解。它不像市面上很多教程那样，只停留在“押韵”和“意象”的层面，而是深入探讨了歌词与旋律的“共生关系”。作者提出，好的歌词不仅仅是文字的堆砌，更是能够与旋律相互呼应，互相成就。书中通过分析大量经典流行歌曲的歌词，详细阐述了如何运用“叙事性”、“情绪化”和“画面感”等手法，让歌词不仅仅是歌词，而是能够引起听众共鸣的故事。我尤其对“倾听内心的声音”这一章节印象深刻，作者鼓励我们去挖掘那些最真实的感受，无论是快乐、悲伤、愤怒还是迷茫，然后用最朴实却又最动人的语言表达出来。书中还提供了一些非常实用的技巧，比如如何运用“比喻”和“拟人”来增强歌词的表现力，以及如何通过“节奏感”的把握，让歌词念起来就像一首动听的诗。这本书让我觉得，歌词创作不再是件“苦差事”，而是可以充满乐趣和创造力的过程。

评分☆☆☆☆☆

这本书的内容让我眼前一亮，它提供了一种非常系统且实用的创作素材挖掘方法。在“灵感采集的秘诀”章节，作者并没有给出现成的素材，而是教导读者如何自己去“搜寻”和“提炼”。我非常欣赏书中关于“观察生活细节”的建议，作者鼓励我们留意身边发生的一切，从街角的咖啡店，到雨后的彩虹，再到人们的交谈声，都可以成为创作的起点。他举例说明，一个简单的“眼神”可以引发一段关于错过与遗憾的歌词，一次“擦肩而过”的场景可以构思一首关于浪漫邂逅的旋律。书中还探讨了如何从“情绪色彩”入手来寻找创作灵感，比如当你想创作一首表达“自由”的歌曲时，可以从“风”、“海”、“天空”等意象中汲取元素。这种引导方式，让我觉得创作的边界变得无限宽广，不再是靠“灵光乍现”，而是可以通过系统的方法去不断地挖掘和积累。它就像一本“灵感宝典”，让你在缺乏创作动力的时候，能够从中找到源源不断的创作能量。