走进音乐世界系列 视唱练耳基础教程修订版刘小明 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

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出版社： 出版社

ISBN：9787536027961

商品编码：27351492922

书名：走进音乐世界系列 视唱练耳基础教程修订版刘小明

出版社：花城出版社

定价：30.00元

作者:刘小明

乐海拾贝：西方音乐史与欣赏概论 本书简介 本书旨在为初涉西方音乐领域的学习者和爱好者提供一份全面、深入且引人入胜的导览。我们不聚焦于视唱练耳的技法训练，而是将焦点投向宏大而深邃的西方音乐历史长河及其核心的艺术价值与鉴赏之道。本书内容涵盖了从古希腊音乐的哲学源头，到中世纪的宗教吟唱，再到巴洛克、古典、浪漫主义时期辉煌的艺术成就，直至二十世纪至今的多元化发展。 第一章：音乐的远古回响与早期奠基（约200字） 西方音乐的叙事始于对和谐与比例的哲学思辨。本章追溯至古希腊，探讨毕达哥拉斯对音程数学关系的发现，以及柏拉图和亚里士多德在“音乐伦理”方面的思考，这些思想构成了西方音乐理论的基石。随后，我们将目光转向早期基督教的音乐实践，尤其是格里高利圣咏（Gregorian Chant）的形成。这种单音音乐不仅是宗教仪式的重要组成部分，其旋律的自由流动与情感的克制表达，也为后世复调音乐的发展提供了最初的母题。本章将详细解析这些早期音乐的记谱法（如纽姆谱）的演变，及其对西方音乐符号系统的深远影响。我们着重分析早期教会礼仪音乐的结构特点和神学内涵，理解音乐如何在服务于信仰的过程中，完成了自身的规范化。 第二章：中世纪的织体构建：复调的诞生与发展（约250字） 中世纪是西方音乐史上一个充满变革的时期，其标志性成就便是复调（Polyphony）的诞生。本章将深入探讨从奥尔加农（Organum）到经文歌（Motet）的发展脉络。我们将分析巴黎圣母院乐派（如列奥宁、佩罗坦）如何通过有组织的对位法，将原本平行的旋律线交织成复杂的织体，实现音乐语言上的重大突破。文本将详细阐述等距复调（Isorhythm）的复杂性，并考察世俗音乐——如游吟诗人（Troubadour）和槽唱诗人（Trouvère）的作品——如何以更贴近日常情感的方式，丰富了当时的音乐图景。通过对具体作品的分析，读者将理解音乐如何逐步脱离纯粹的宗教束缚，展现出更广阔的艺术表现力。 第三章：文艺复兴的“人”的觉醒与音乐的黄金时代（约300字） 文艺复兴时期，人文主义思潮将焦点重新引向人的情感与理性。本章将聚焦于十五至十六世纪的音乐风格转变。我们将探讨以勃格迪（Burgundian School）和法兰克-佛兰芒画派（如奥克冈、帕莱斯特里那）为代表的作曲家，如何在严格的对位技巧中，追求音响的平衡与清晰度。特别地，我们将深入剖析“美德”与“表达”之间的关系，如何通过模仿（Imitation）技巧的成熟，使多声部音乐达到前所未有的和谐统一。此外，世俗音乐如法国香颂（Chanson）和意大利假面曲（Madrigal）的兴起，体现了音乐对文本（歌词）意义的精细描摹，为后来的歌剧萌芽奠定了情感基础。本章还会涉及早期键盘乐器和鲁特琴音乐的初步发展，展示音乐家们在乐器演奏技巧上的进步。 第四章：巴洛克时期：激情、戏剧性与“风格的魔术”（约350字） 巴洛克（Baroque）时期是西方音乐史上最富于活力和装饰性的阶段之一。本章将围绕“巴洛克风格”的核心特征——情感的对比性、装饰性的旋律线条，以及“通奏低音”（Basso Continuo）的支撑作用展开。我们将详述歌剧（Opera）的诞生及其在意大利（蒙特威尔第、普赛尔）的早期发展，理解宣叙调（Recitative）与咏叹调（Aria）如何推动戏剧冲突。随后，本章将详细梳理器乐的重大进展：协奏曲（Concerto）、奏鸣曲（Sonata）和赋格曲（Fugue）的体裁确立。巴赫的对位艺术达到了巅峰，我们将分析《平均律钢琴曲集》和《赋格的艺术》如何系统化地展现了音乐逻辑的严密性。同时，亨德尔的清唱剧，特别是《弥赛亚》，展示了宏大合唱场面的震撼力。本章旨在帮助读者理解巴洛克音乐中蕴含的结构美学与戏剧张力。 第五章：古典主义的光辉与和谐的秩序（约300字） 古典主义时期（约1750-1820年）追求清晰、平衡与普适的美感，是对巴洛克时期复杂性的回应。本章的核心在于对“奏鸣曲式”（Sonata Form）的深入解析，这是海顿、莫扎特和贝多芬三位大师共同构建的音乐建筑蓝图。我们将系统梳理交响曲、协奏曲和室内乐（特别是弦乐四重奏）在这一时期的体裁定型。海顿作为“交响曲之父”，其作品如何确立了四乐章结构的标准；莫扎特如何将优雅的旋律与完美的结构融为一体；而贝多芬的早期和中期作品如何通过主题的变形和戏剧性的冲突，预示着浪漫主义的到来。本章将通过对比不同乐章的结构与和声语言，使读者掌握古典音乐的“清晰逻辑”，理解何为“典雅之美”。 第六章：浪漫主义的个体抒情与音色的解放（约150字） 进入十九世纪，音乐的重心转向个体的主观情感表达、对自然和超自然现象的迷恋，以及对民族身份的探索。本章将探讨浪漫主义音乐的特征：情感的极端化、对和声的拓展（如半音化的使用）、以及对管弦乐队音色的空前重视。我们将简要介绍舒伯特的艺术歌曲（Lied）、肖邦的钢琴诗意表达、瓦格纳的“整体艺术作品”（Gesamtkunstwerk）理念，以及李斯特对炫技的推崇。本章旨在展示音乐如何成为表达“不可言说之物”的终极媒介，为听众开启一扇通往内心世界的门扉。 总结与展望 本书的目的是提供一个清晰的历史框架和审美路径，引导读者在聆听这些伟大的作品时，能够超越单纯的旋律享受，洞察其背后的结构、历史语境与文化意义。我们相信，理解了这些作品的“为什么”和“如何做”，方能真正“走进”音乐的世界。

评分☆☆☆☆☆

读这本书的过程，对我来说更像是一次与伟大音乐思想的深度对话。作者在阐述概念时，不只是简单地罗列规则，而是融入了大量的音乐史背景和作曲家的创作理念，让冰冷的音符和节拍获得了鲜活的生命力。比如，在讲解某个特定的和声进行时，书中会穿插引用某个古典乐派大师的范例，并深入剖析其背后的情感表达逻辑，这种“知其然，更知其所以然”的讲解方式，彻底颠覆了我过去对视唱练耳学习的刻板印象。我发现自己不再是为了应付考试而机械地记忆，而是真正开始理解音乐是如何被构建和感知的。这种深层次的理论与实践的结合，极大地激发了我对音乐创作的兴趣，感觉自己打开了一扇通往音乐更深层次奥秘的大门。

评分☆☆☆☆☆

这本书的语言风格非常独特，它既有学术的严谨性，又不失一种亲切的引导感。作者的文笔流畅且富有表现力，尤其是在解释一些抽象的音乐概念时，常常能找到非常贴切的比喻，使得原本晦涩难懂的内容瞬间变得具象化。我尤其欣赏它在处理“错误示范”和“常见误区”时的态度——不是直接批评，而是用一种鼓励探索的口吻，引导读者自我修正，这种教育理念让人感到非常舒服和受尊重。它不像某些教条式的教材那样高高在上，而是像一位经验丰富、耐心无限的导师，始终站在学习者的角度思考问题。读完这本书，我不仅在专业技能上有所提升，更重要的是，对音乐学习本身建立起了一种更加积极和自信的心态，这笔收获远超乎我对一本专业书籍的预期。

评分☆☆☆☆☆

这本书的内容编排逻辑性极强，简直可以称得上是教科书编排的典范。它没有一开始就抛出那些高深的理论，而是从最基础、最容易被大众接受的概念入手，循序渐进地引导读者进入更复杂的知识体系。作者似乎对不同学习阶段的读者的认知特点有着深刻的洞察力，每一个新的知识点都仿佛是水到渠成地被引入，很少出现“卡壳”或者“不知所云”的感觉。我对比了之前用过的几本相关书籍，这本书在构建知识体系的完整性和连贯性上，明显要高出一个层次。它就像是一张精心绘制的地图，清晰地标明了学习的路径和可能遇到的“风景”，让学习者能够始终保持清晰的方向感，而不是迷失在浩瀚的音乐理论海洋中。这种结构上的精妙设计，极大地提升了学习效率和自我掌控感。

评分☆☆☆☆☆

这本书的配套资源简直是太给力了！我特别喜欢它提供的那些互动练习和音频示例。在视唱部分，音频的录制质量非常专业，无论是独唱还是合唱的范例，都清晰地展现了正确的音准和节奏感，这对于独自学习的人来说，无疑是请到了一位顶级的陪练老师。而且，练习题目的难度设置也做得非常巧妙，从基础的单音模唱到复杂的节奏和声视唱，梯度过渡自然，让人在不断挑战自我的过程中获得成就感。我经常利用休息时间，戴上耳机，跟着书里的节奏进行跟唱练习，那种沉浸式的体验是其他单纯的文字教材无法比拟的。正是这些丰富的听觉辅助材料，让理论知识真正转化为了可以被实践和内化的技能，大大加速了我的进步速度。

评分☆☆☆☆☆

这本书的封面设计得很有现代感，色彩搭配和谐，让人一拿到手里就觉得心情愉悦。内页的纸张质量也相当不错，印刷清晰，字迹工整，阅读体验很好，即便是长时间盯着看也不会觉得眼睛很累。而且，这本书的排版布局也很有心思，很多专业术语都有专门的图示或表格进行解释，这对于初学者来说简直是福音。我尤其喜欢它在章节过渡部分的那些小小的设计，比如引人深思的音乐小故事或者历史片段，让学习过程不再枯燥乏味，而是变成了一种探索的旅程。整体装帧结实耐用，即便是经常翻阅也不会担心书本散架，这种对细节的关注，足见出版方的用心。我感觉这本书不仅仅是一本教材，更像是一个陪伴我音乐学习道路上的老朋友，它的存在本身就带有一种沉静而专业的氛围，让人对即将学习的内容充满期待。