鋼琴演奏之道(新版)(精)/趙曉生學術著作係列 pdf epub mobi txt 電子書 下載 2025

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趙曉生 編

圖書標籤:

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• 技巧
• 音樂
• 趙曉生
• 學術
• 音樂教育
• 鋼琴教學
• 音樂理論
• 藝術

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齣版社： 上海音樂

ISBN：9787807510635

商品編碼：29741963960

齣版時間：2007-08-01

基本信息

• 商品名稱：鋼琴演奏之道(新版)(精)/趙曉生學術著作係列
• 作者：趙曉生
• 定價：95
• 齣版社：上海音樂
• ISBN號：9787807510635

其他參考信息（以實物為準）

• 齣版時間：2007-08-01
• 印刷時間：2018-05-31
• 版次：1
• 印次：1
• 開本：
• 包裝：精裝
• 頁數：436

內容提要

趙曉生著的《鋼琴演奏之道(新版)鋼琴演奏之道 (新版)(精)/趙曉生學術著作係列》是“趙曉生學術 著作係列”之一。近年來，趙曉生教授對於“鋼琴演 奏理論”的研究，始終未曾停止過，這次由上海音樂 齣版社推齣的“新版”增加瞭近三分之一的內容。全 書五十萬字左右。新增的內容主要是：基礎理論方麵 提齣瞭“**音質”與“第二音質”的概念；基礎訓 練方麵增添瞭“節奏訓練”，提齣對聽覺、和聲問題 的重視是鋼琴教學的一個重要任務；在作麯傢與作品 方麵增添瞭大量新鮮的實質性言論，對“鋼琴改編麯 ”另闢專節進行闡述，有很多創新。本書應是鋼琴師 生的**之書。
    

作者簡介

趙曉生，教授，是一位集作麯、鋼琴、音樂理論、音樂教育於一身的大傢，曾先後在中國三十餘個主要城市、中國香港及美國等地舉行近兩百場鋼琴獨奏會和講座；創作瞭《希望之神》、《簡樂四章》、《太極》、《陰陽三闋》等二十餘部作品，其中包括鋼琴協奏麯、交響組麯、民樂室內樂、舞劇等多種音樂體裁；創立瞭“太極作麯係統”、“音集集閤運動”和“音樂活性構造”作麯理論體係，對我國作麯理論的研究及作麯教學有著重大貢獻；齣版《太極作麯係統》、《鋼琴演奏之道》、《琴訣》、《琴禪》、《傳統作麯技法》等多部著作。現在上海音樂學院作麯指揮係教授作麯、鋼琴，並任上海音樂學院附屬中學校長。

目錄

新版前言
初版序
初版自序
琴道篇
琴道
擷取音樂王冠上的明珠
鋼琴傢的素質
條件·纔能·勤奮·捷徑
鋼琴匠·鋼琴傢·鋼琴演奏大師
琴法篇
琴法
指
腕
臂
身
耳
心
氣
神
化
基礎訓練
節奏訓練
復調訓練
技術進階之徑
琴藝篇
琴藝
讀譜
練習
記憶
難點
背景
貫氣
準備
上颱
反思
琴人閤一之境
琴韻篇
琴韻
巴洛剋風格(1600～1750)
維也納古典主義風格(1750～1820)
浪漫主義風格(1820～1900)
印象主義風格
20世紀鋼琴音樂(1900～2000)
中國鋼琴音樂
改編麯的演奏
協奏麯、室內樂、聯彈麯的演奏
即興演奏及視奏
琴禪篇
有道·證悟·無道
蛇信·鷹爪·雁翼
堅石·沉石·浮石
意象·動嚮·音響
掌舵·琢玉·啓門
音點·音綫·音層
宇宙·生命·心靈
水漲·水落·水平
敵人·路人·愛人
高構·立交·多澤
實境·幻境·虛境
球氣·筆鋒·刀刃
響度·亮度·密度
琴訣篇
有道**
八忌第二
九界第三
外功第四
冥聽第五
心神第六
貫氣第七
琴師第八
音色第九
讀譜第十
勤練第十一
記憶第十二
難點第十三
踏瓣第十四
復調第十五
古典第十六
浪漫第十七
印象第十八
現代第十九
琴魂第二十
初版後記
修訂版後記
音樂是一種緣(新版編後記)

音樂的無限可能：探索西方古典音樂的宏偉殿堂 內容提要： 本書旨在為音樂愛好者、學習者以及專業人士提供一個全麵而深入的導覽，領略西方古典音樂波瀾壯闊的曆史長河與豐富多彩的藝術精髓。我們不專注於某一特定樂器或演奏技巧的精細打磨，而是著眼於整個音樂體係的演變脈絡、核心美學思想以及關鍵流派的獨特風格。全書分為四個主要部分：音樂史的宏觀梳理、體裁與結構解析、重要作麯傢及其時代精神，以及音樂美學與鑒賞指引。 第一部分：音樂史的宏觀梳理 西方古典音樂的發展曆程是一部與社會、哲學、宗教、科技緊密交織的文化史。本部分將追溯音樂的起源，重點梳理從中世紀的單音音樂到巴洛剋時期的復調革命，再到古典主義的和諧秩序確立，以及浪漫主義的情感迸發，直至20世紀的多元探索。 中世紀與早期復調： 探討格裏高利聖詠如何奠定西方音樂的根基，以及奧爾加農（Organum）的齣現標誌著復調藝術的萌芽。我們將分析早期教會音樂的嚴謹結構與象徵意義，以及世俗音樂（如遊吟詩人歌麯）對民間元素和情感錶達的初步嘗試。 文藝復興的理性之光： 重點剖析人文主義思想如何影響音樂創作，使音樂從純粹的宗教服務工具逐漸轉嚮對人類情感和文本的細膩刻畫。我們將詳細解讀無伴奏閤唱（A Cappella）的黃金時代，如帕萊斯特裏那和奧蘭多·迪·拉索等人的作品中，對“清晰性”與“平衡感”的極緻追求。 巴洛剋的輝煌與張力： 巴洛剋時期是音樂史上的一個轉摺點。本節將深入闡釋“巴洛剋”這一術語背後的裝飾性與戲劇性，重點分析通奏低音（Basso Continuo）的實踐意義——它如何成為音樂的骨架，支撐起宏大復雜的織體。我們將探討歌劇（Opera）的誕生及其對戲劇、舞颱藝術的革命性影響，並分析如巴赫和亨德爾等大師如何將對位法和賦格（Fugue）推嚮技術巔峰，展現齣結構上的無限張力與邏輯美感。 古典主義的清晰與和諧： 這一時期，音樂追求明確的結構、平衡的比例和普適的情感錶達。海頓、莫紮特和貝多芬早期作品的典範性被深入討論。我們將係統解析奏鳴麯式（Sonata Form）——這一古典時期音樂結構的基本模型，理解呈示部、展開部和再現部如何構成一場邏輯嚴密的音樂對話。對交響麯和室內樂的規範化，是本時期對音樂形式貢獻的核心。 浪漫主義的自我錶達： 隨著啓濛運動的理性光環褪去，個人情感、自然崇拜和民族主義成為主題。本部分關注音樂如何成為錶達“內心宇宙”的載體。從肖邦對鋼琴獨白式的創新，到瓦格納對“總體藝術作品”（Gesamtkunstwerk）的構想，再到馬勒對人類生存睏境的宏大描摹，音樂的篇幅加長，和聲變得更加豐富和不協和，自由度空前提高。 第二部分：體裁與結構解析 本部分著重於對西方古典音樂核心體裁的結構性剖析，幫助讀者理解不同音樂形式背後的創作藍圖。 器樂的基石：交響麯與協奏麯： 我們將詳細拆解交響麯的四樂章結構（快-慢-舞麯/諧謔麯-快），並探討不同樂章之間的功能互補。協奏麯部分，則聚焦於華彩樂段（Cadenza）的功能與曆史演變，分析獨奏樂器與樂隊之間的“對話”與“競爭”關係。 鍵盤音樂的演變： 考察從巴洛剋的托卡塔、前奏麯到賦格，再到古典主義奏鳴麯，直至浪漫主義的即興麯（Impromptu）、夜麯（Nocturne）和練習麯（Etude）的風格差異。特彆指齣肖邦等作麯傢如何將練習麯提升至純粹的藝術錶達高度。 聲樂的殿堂：歌劇、清唱劇與藝術歌麯： 比較三大聲樂體裁的區彆與聯係。歌劇部分，側重於詠嘆調（Aria）與宣敘調（Recitative）的功能劃分；清唱劇（Oratorio）如何以宗教題材展開敘事；而藝術歌麯（Lied）則探討詩歌與音樂如何達到“文字即音樂，音樂即文字”的完美結閤，尤其關注舒伯特和舒曼的Lied創作。 第三部分：重要作麯傢及其時代精神 聚焦於那些定義瞭特定曆史階段的關鍵人物，理解他們的創新如何推動瞭音樂語言的發展。 巴赫與亨德爾： 探討巴赫對復調藝術的集大成，以及他作品中蘊含的數學般的精確性與神學深度。對比亨德爾在歌劇和清唱劇領域展現齣的戲劇感染力與普適性。 維也納三傑（海頓、莫紮特、貝多芬）： 分析海頓如何被尊為“交響麯之父”，莫紮特如何以超凡的鏇律天賦和對人性的洞察力，將古典主義的精緻推嚮頂峰。重點分析貝多芬在第三期創作中，如何通過對既有結構的突破（如《第九交響麯》引入人聲），預示瞭浪漫主義的到來。 浪漫主義群星： 深入剖析肖邦的鋼琴詩意、舒曼的內省與文學情結、勃拉姆斯的“新古典主義”傾嚮（在繼承巴赫與貝多芬的基礎上，保持對浪漫主義和聲的運用），以及德彪西和拉威爾為代錶的印象主義，如何利用色彩和模糊性挑戰傳統的調性中心。 第四部分：音樂美學與鑒賞指引 本部分旨在提供一套實用的鑒賞工具，幫助聽眾超越“好聽”與“不好聽”的層麵，進入對音樂深層結構的理解。 調性、和聲與織體： 解釋基礎樂理概念，如三和弦、七和弦、調式（大調、小調）的色彩差異。解析“功能和聲”的運行規律，以及浪漫主義晚期作麯傢如何通過半音進行和復雜的離調手法，製造齣強烈的色彩變化和情感懸念。 音樂的情感語言： 探討“音樂是普世語言”的真正含義。分析節奏（韻律、速度）、力度（強弱變化）和音色（配器選擇）在構建音樂敘事中的作用。例如，探討小提琴的悲愴感與圓號的莊嚴感是如何被固定為一種約定俗成的“情感符號”。 現代與後現代的迴響： 簡要介紹20世紀音樂的“大爆炸”，包括德彪西的聽覺印象、勛伯格的十二音體係（無調性音樂）的邏輯構建，以及斯特拉文斯基作品中的原始動力與節奏革新。這部分旨在拓寬讀者的審美邊界，理解為何現代音樂聽起來“陌生”但依然具有其內在的嚴肅性。 本書並非一架精密的演奏“指南”，而是一張廣闊的“地圖”，它引導讀者穿越時間與風格的迷霧，去欣賞和理解西方古典音樂賴以存在的宏偉結構、深刻思想與永恒美學。通過掌握這些宏觀的知識框架，聽者將能以更豐富的視角去聆聽每一次樂音的響起。

評分☆☆☆☆☆

讀完後留給我最深印象的，是作者那種對藝術生命力的執著追求，這貫穿瞭全書的始終。他似乎在用自己的生命經驗告訴讀者，學習鋼琴演奏是一個永無止境的朝聖之旅。特彆是關於“樂器個性化”的章節，讓我眼前一亮。作者提醒我們，每一架鋼琴都是一個獨特的“生命體”，它有自己的音色、共鳴和反應。因此，演奏者必須學會“傾聽”並“適應”眼前的這颱樂器，而不是強行用一套固定的技術去駕馭它。這需要極高的敏感度和靈活應變能力。我近期在不同音樂廳演齣時，深刻體會到瞭這句話的重量，我不再隻是習慣性地觸鍵，而是會花時間去感受不同鋼琴的“脾氣”，從而調整我的力度和觸鍵深度。這種對細節的極緻關注，體現瞭作者深厚的藝術修養和對音樂的敬畏之心。這本書絕非速讀之物，它需要我們像對待一位老友一樣，反復品味，每一次重讀，都能從中汲取到新的智慧。

評分☆☆☆☆☆

這本書的裝幀和排版設計，體現瞭一種對經典應有的敬意。厚重的紙張和清晰的字體，讓人在閱讀時感到一種沉靜的力量。我尤其欣賞作者在結構上的匠心獨運，它巧妙地將看似散亂的音樂經驗組織成一個邏輯嚴密的體係。最讓我震撼的是其中關於“聽覺記憶”的章節。在以往的認知中，我們總以為記憶是肌肉的反應，但作者卻指齣，真正的記憶根植於深層的聽覺認知和情感聯結。他提供瞭一套非常實用的方法論，教導如何通過內部聆聽來“預演”和“修正”演奏，這對於長時間無法接觸鋼琴的樂手來說，簡直是救命稻草。我嘗試按照書中的建議，在腦海中重構瞭一段復雜的李斯特練習麯，驚訝地發現，當真正坐到琴前時，那些原本卡殼的地方竟然流暢瞭許多。這不僅僅是理論的傳授，更是一種高效學習方法的植入。整個閱讀過程，就像是跟隨一位經驗老到的導師，在音樂的迷宮中被耐心引導，每一步都走得踏實而充滿啓發性。對於那些在技術瓶頸徘徊多年的學習者來說，這本書提供瞭一個全新的、更深層次的突破口。

評分☆☆☆☆☆

坦白說，這本書的某些論述初看之下，會讓人覺得有些“玄乎”，甚至帶有一絲東方哲學思辨的色彩，這可能需要讀者具備一定的耐心去消化。但一旦跨過那道理解的門檻，你就會發現其背後蘊含的巨大能量。例如，作者對於“意境”與“節奏的自由度”之間平衡的探討，是極為深刻的。他沒有給齣死闆的節拍器標準，而是鼓勵我們去感受作麯傢時代的脈搏，去理解rubato（自由速度）的真正含義——不是隨心所欲，而是一種基於深刻理解後的“有控製的波動”。這與我過去在一些西式教程中遇到的那種強調絕對精準的觀點形成瞭鮮明對比。這種多元視角的碰撞，極大地拓寬瞭我的音樂視野。我開始明白，為什麼同一首麯子，不同大師的演繹會産生天壤之彆。這本書教會我的不是如何“模仿”，而是如何“再創造”。它強迫你跳齣指法的桎梏，去思考：我，作為演奏者，想通過這首麯子嚮世界傳達什麼信息？這種自我發問的過程，遠比練習一百遍音階更有價值。

評分☆☆☆☆☆

這部作品以其深邃的洞察力，為我們打開瞭一扇通往音樂靈魂的窗戶。它不僅僅是一本關於技巧的書籍，更像是一次對藝術本質的哲學探討。作者將復雜的演奏理論層層剝離，用近乎詩意的語言，引導讀者去理解每一個音符背後所蘊含的情感張力與曆史積澱。初讀之下，我仿佛被帶入瞭一個古典音樂的宏大殿堂，空氣中彌漫著巴赫的嚴謹與肖邦的憂鬱。書中對“呼吸”與“流動”的闡述尤為精妙，它糾正瞭我過去那種僵硬、機械的練習方式，讓我開始嘗試用身體去感知鍵盤的起伏，用心靈去雕琢每一個樂句的弧綫。特彆是關於作品解析的部分，作者沒有流於錶麵地分析指法，而是深入挖掘瞭作麯傢創作時的心境與時代背景，使得我們演奏時，能真正做到“為他人做嫁衣”，而非僅僅炫耀指尖的敏捷。這種由內而外的提升，是任何速成教程都無法企及的。它要求的不隻是“會彈”，更是“會思考如何彈”。讀完第一遍，我迫不及待地拿起琴鍵，發現手指的觸感和以往完全不同瞭，充滿瞭前所未有的生命力。這本書，無疑是為那些渴望從“匠人”蛻變為“藝術傢”的琴者準備的寶典。

評分☆☆☆☆☆

這本書的價值，很大程度上體現在它對“演奏者心理素質”的詳盡剖析上。在舞颱上，我們麵對的不僅僅是樂譜，還有觀眾的目光、對失誤的恐懼以及自我苛求的壓力。作者非常坦誠地分享瞭自己處理緊張情緒的經驗，這部分內容寫得極其真摯、毫不說教。他將舞颱恐懼歸結於“連接的斷裂”——與樂器、與作品、與自我的斷裂。隨後，他提供瞭一係列非常實用的“入靜”和“錨定”技術，幫助演奏者在關鍵時刻將注意力重新聚焦於音樂本身，而不是周圍環境的乾擾。我曾在一次重要的演齣前夕，按照書中的方法進行瞭幾分鍾的冥想式預演，效果立竿見影，那次演齣是我近年來心態最放鬆、錶現最自然的一次。這種對演奏“非技術層麵”的關注，是許多嚴肅音樂書籍所忽略的，這也是我珍視這本書的又一重要原因。它不僅是技術手冊，更是心理輔導的良方。