鋼琴演奏之道(新版)(精)/趙曉生學術著作係列 pdf epub mobi txt 電子書 下載 2025

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趙曉生 編

圖書標籤:

• 鋼琴
• 演奏
• 技巧
• 音樂
• 趙曉生
• 學術
• 音樂教育
• 鋼琴教學
• 音樂理論
• 藝術

店鋪： 火把圖書專營店

齣版社： 上海音樂

ISBN：9787807510635

商品編碼：29742065774

齣版時間：2007-08-01

基本信息

• 商品名稱：鋼琴演奏之道(新版)(精)/趙曉生學術著作係列
• 作者：趙曉生
• 定價：95
• 齣版社：上海音樂
• ISBN號：9787807510635

其他參考信息（以實物為準）

• 齣版時間：2007-08-01
• 印刷時間：2018-05-31
• 版次：1
• 印次：1
• 開本：
• 包裝：精裝
• 頁數：436

內容提要

趙曉生著的《鋼琴演奏之道(新版)鋼琴演奏之道 (新版)(精)/趙曉生學術著作係列》是“趙曉生學術 著作係列”之一。近年來，趙曉生教授對於“鋼琴演 奏理論”的研究，始終未曾停止過，這次由上海音樂 齣版社推齣的“新版”增加瞭近三分之一的內容。全 書五十萬字左右。新增的內容主要是：基礎理論方麵 提齣瞭“**音質”與“第二音質”的概念；基礎訓 練方麵增添瞭“節奏訓練”，提齣對聽覺、和聲問題 的重視是鋼琴教學的一個重要任務；在作麯傢與作品 方麵增添瞭大量新鮮的實質性言論，對“鋼琴改編麯 ”另闢專節進行闡述，有很多創新。本書應是鋼琴師 生的**之書。
    

作者簡介

趙曉生，教授，是一位集作麯、鋼琴、音樂理論、音樂教育於一身的大傢，曾先後在中國三十餘個主要城市、中國香港及美國等地舉行近兩百場鋼琴獨奏會和講座；創作瞭《希望之神》、《簡樂四章》、《太極》、《陰陽三闋》等二十餘部作品，其中包括鋼琴協奏麯、交響組麯、民樂室內樂、舞劇等多種音樂體裁；創立瞭“太極作麯係統”、“音集集閤運動”和“音樂活性構造”作麯理論體係，對我國作麯理論的研究及作麯教學有著重大貢獻；齣版《太極作麯係統》、《鋼琴演奏之道》、《琴訣》、《琴禪》、《傳統作麯技法》等多部著作。現在上海音樂學院作麯指揮係教授作麯、鋼琴，並任上海音樂學院附屬中學校長。

目錄

新版前言
初版序
初版自序
琴道篇
琴道
擷取音樂王冠上的明珠
鋼琴傢的素質
條件·纔能·勤奮·捷徑
鋼琴匠·鋼琴傢·鋼琴演奏大師
琴法篇
琴法
指
腕
臂
身
耳
心
氣
神
化
基礎訓練
節奏訓練
復調訓練
技術進階之徑
琴藝篇
琴藝
讀譜
練習
記憶
難點
背景
貫氣
準備
上颱
反思
琴人閤一之境
琴韻篇
琴韻
巴洛剋風格(1600～1750)
維也納古典主義風格(1750～1820)
浪漫主義風格(1820～1900)
印象主義風格
20世紀鋼琴音樂(1900～2000)
中國鋼琴音樂
改編麯的演奏
協奏麯、室內樂、聯彈麯的演奏
即興演奏及視奏
琴禪篇
有道·證悟·無道
蛇信·鷹爪·雁翼
堅石·沉石·浮石
意象·動嚮·音響
掌舵·琢玉·啓門
音點·音綫·音層
宇宙·生命·心靈
水漲·水落·水平
敵人·路人·愛人
高構·立交·多澤
實境·幻境·虛境
球氣·筆鋒·刀刃
響度·亮度·密度
琴訣篇
有道**
八忌第二
九界第三
外功第四
冥聽第五
心神第六
貫氣第七
琴師第八
音色第九
讀譜第十
勤練第十一
記憶第十二
難點第十三
踏瓣第十四
復調第十五
古典第十六
浪漫第十七
印象第十八
現代第十九
琴魂第二十
初版後記
修訂版後記
音樂是一種緣(新版編後記)

音樂的呼吸與綫條：一部探索鋼琴演奏藝術的深度指南 書名： 音樂的呼吸與綫條：一部探索鋼琴演奏藝術的深度指南 作者： 艾爾莎·馮·赫爾曼 (Elsa von Herrmann) 頁數： 680頁 裝幀： 精裝 --- 內容提要 本書並非僅僅是另一本關於“如何彈奏鋼琴”的教學手冊，它是一部深入肌理、直抵音樂本質的哲學與實踐相結閤的巨著。作者艾爾莎·馮·赫爾曼，一位享譽歐洲樂壇的鋼琴教育傢和演奏傢，以其跨越半個世紀的教學與舞颱經驗為基石，構建瞭一個全麵而精微的鋼琴演奏理論體係。本書的核心在於探討“音樂的呼吸”與“綫條的塑造”，旨在引導學習者超越指法的機械模仿，進入到對音樂語匯、情感結構和演奏美學的深刻理解之中。 全書分為“根基與感知”、“技術與錶達”、“詮釋與創造”三大捲，邏輯清晰，層層遞進，為所有緻力於提升鋼琴演奏藝術水平的學者、教師及演奏者提供瞭一套係統且極具啓發性的學習路徑。 --- 第一捲：根基與感知——聽覺的重塑與身體的覺醒 (約200頁) 本捲著重於建立演奏的本體論基礎，強調聽覺的敏感性與身體感知在音樂再現中的核心地位。赫爾曼認為，優秀演奏的起點並非手指的力量，而是內在聽覺的純淨度。 一、聽覺的拓撲學： 深入剖析瞭“內在聽音”與“外在發聲”之間的鴻溝與橋梁。作者詳細闡述瞭如何訓練耳朵分辨和定位和聲中的微小色彩變化、如何區分不同觸鍵力度下産生的音色質地（Timbre Quality）。書中配有大量聽覺訓練練習，旨在幫助學習者“聽見”那些平時被忽略的泛音、延音以及聲部間的張力關係。 二、觸覺的哲學： 摒棄瞭傳統教材中僵硬的“重量轉移”或“手指獨立”的孤立訓練，轉而探討鍵盤作為樂器與演奏者身體的交互界麵。赫爾曼提齣瞭“皮膚的智慧”這一概念，強調通過指尖、掌根直至手臂的整體重量，實現與琴弦的“非暴力對話”。具體章節涵蓋瞭對不同鋼琴機械結構的適應性訓練、以及如何通過觸覺感知機械反應的延遲與反饋，從而實現精準的動態控製。 三、節奏的生命力： 區彆於機械的節拍器訓練，本捲將節奏視為“時間中的生命運動”。內容涉及對巴赫復調作品中“脈動”的捕捉，浪漫主義作品中“彈性速度”（Rubato）的閤理邊界，以及如何通過呼吸來協調長樂句的內在張力與放鬆。大量的實例分析瞭如何用節奏的微小變化來塑造樂句的“呼吸感”。 --- 第二捲：技術與錶達——指尖上的語法與修辭 (約250頁) 在確立瞭正確的感知基礎後，本捲轉嚮將這些感知轉化為可控的演奏技巧。它著重於如何讓技術服務於音樂的錶達，而非成為炫耀的工具。 一、音色調性的光譜控製： 赫爾曼係統地解構瞭“音色”的多維度性。這不僅僅是“明亮”與“柔和”的二元對立，而是涉及頻率、動態、延音和釋放的復雜組閤。書中詳細介紹瞭如何為不同的聲部構建不同的“音色光譜”，例如，如何使高音聲部保持穿透力而又不失溫暖，如何讓低音聲部充當堅實的“和聲地基”。專門章節分析瞭如何處理復調音樂中，如巴赫賦格中，多達四五個聲部在音色上的清晰分離與有機交織。 二、綫條的塑造與連接： 這是本書最為核心的篇章之一。綫條（Linearity）被定義為音樂進行中的方嚮感和動力流。作者通過對莫紮特奏鳴麯、肖邦夜麯等經典範例的剖析，展示瞭如何通過精心設計的指法、手腕運動以及呼吸的配閤，使鏇律綫具有如同歌唱般的連貫性和呼吸的自然停頓。內容細緻到如何處理樂句間的連接音、如何設計樂句的“高潮點”及其“迴落”。 三、觸鍵的動態文學： 探討瞭鋼琴演奏中“力度記號”的局限性。本書提倡使用“相對力度”和“錶情力度”的概念，即一個“p”在不同的音樂語境下，其絕對音量和音色質感是不同的。通過對貝多芬奏鳴麯中力度記號的深入分析，展示瞭如何運用微小的力度變化（如從 $pp$ 到 $p$ 的漸進），來描繪齣復雜的情感層次。 --- 第三捲：詮釋與創造——麵對作品的對話 (約230頁) 第三捲將演奏提升到詮釋與再創造的層麵，引導演奏者如何與作麯傢的意圖進行深刻的個體對話，並最終形成自己獨特的藝術聲音。 一、曆史語境與風格的還原： 赫爾曼強調，準確的詮釋必須建立在對作品曆史背景、樂器發展階段和作麯傢個人風格的深刻理解之上。本捲涵蓋瞭對不同時期（巴洛剋、古典、浪漫、二十世紀）演奏風格的辨析。例如，在處理早期作品時，如何避免使用過於飽滿的浪漫主義音色，如何根據羽管鍵琴時代的演奏實踐來審視鋼琴演奏的透明度。 二、情感結構的解構與重構： 音樂的情感並非隨機爆發，而是有邏輯結構的。作者引入瞭“情感建築學”的概念，指導學習者如何識彆樂麯中“衝突點”、“解決點”以及“敘事弧綫”。通過分析勃拉姆斯室內樂作品中的內在張力，展示瞭如何通過節奏的微調和音色的對比，將抽象的情感轉化為聽者可感知的具體體驗。 三、即興與個性化標記： 最終，本書鼓勵演奏者在忠於原作的基礎上，發掘個人的藝術聲音。這部分內容探討瞭如何運用自己的身體經驗和哲學思考，在既定的框架內進行有根據的、富有洞察力的再創造，從而使每一次演奏都成為一次獨一無二的、充滿呼吸與生命力的現場事件。 --- 讀者對象 本書適閤於所有嚴肅對待鋼琴藝術的人士：音樂學院高年級學生、專業鋼琴教師、活躍的音樂會演奏傢，以及對古典音樂演奏理論有深入探究欲望的愛好者。它要求讀者具備一定的基本演奏經驗，並願意投入時間進行深層次的思考與自我反思。 --- 附錄 精選的曆史文獻摘錄（涉及鍵盤樂器製造與演奏方法的早期記載） 關鍵術語的跨語言對照錶 推薦的聆聽麯目清單（側重於不同演奏傢對同一作品的風格差異對比） --- 作者簡介： 艾爾莎·馮·赫爾曼 (Elsa von Herrmann)，齣生於維也納，早年在漢堡和巴黎接受音樂教育。她以其對德奧古典主義和浪漫主義作品的精妙詮釋而聞名。自1975年起，她長期在世界各地頂尖音樂學府任教，其教學法以注重演奏者的身體感知和內在聽覺訓練而著稱。本書凝聚瞭她五十多年來對鋼琴演奏藝術“內在邏輯”探索的全部心血。

評分☆☆☆☆☆

坦白說，初翻這本書時，我有些被它學術性的嚴謹和龐大的信息量所震懾，但一旦沉浸進去，那種求知欲便難以自拔。它最吸引我的地方，是對“詮釋”藝術的探討。作者並沒有給齣標準答案，而是列舉瞭數種經典處理方式，然後引導讀者去分析每種處理方式的閤理性與局限性。這種開放式的引導，極大地激發瞭我批判性思維。特彆是關於復雜復調作品的聲部層次劃分，書中提齣的幾種不同於傳統教科書的劃分模型，讓我重新審視瞭對位法的結構美感。我發現，很多時候我們聽起來“糊”的演奏，並非是技巧不夠，而是對聲部主次關係的認知混亂。這本書像是一麵鏡子，照齣瞭我們在音樂理解上的盲區，並指引我們去探索更深層次的結構邏輯。對於專業人士而言，這更像是一份自我檢測與提升的工具書。

評分☆☆☆☆☆

我必須指齣，這本書絕非適閤初學者的快速入門讀物，它需要學習者具備一定的音樂基礎和專注力去消化。但對於那些已經掌握瞭基礎技巧，卻感到藝術錶達受限的進階學習者，它無疑是一座寶庫。作者對“聽覺訓練”和“內心聽覺”的描述，細緻到令人難以置信。他不僅僅告訴你“要聽清楚”，而是解析瞭如何通過特定的身體感知和心理暗示來“構建”齣理想中的聲音模型，然後再去努力實現它。這種對“聲音想象力”的培養，是許多技術導嚮的教材所缺失的。我嘗試用書中的方法來“預聽”尚未演奏的段落，發現這不僅能有效減少演奏失誤，還能讓音樂的流暢性大大提高。這本書真正教會瞭我如何成為自己音樂的第一個、也是最苛刻的聽眾，這對於一個追求精益求精的演奏者來說，是無價的財富。

評分☆☆☆☆☆

讀完這本著作，我有一種豁然開朗的感覺，仿佛之前許多模糊不清的演奏睏惑都被清晰地梳理和歸類瞭。作者的敘事邏輯極其嚴謹，從人體工程學角度探討觸鍵的物理原理，這一點對於長期練習者來說至關重要，它解釋瞭為何某些習慣會導緻疲勞甚至損傷，並提供瞭科學的矯正方案。其中關於音色控製的部分，簡直可以看作是一部微觀的聲學指南，它將力度、速度、觸鍵點的選擇與最終聽感上的“顆粒感”、“穿透力”或“溫暖度”進行瞭精密的映射。我嘗試瞭書中介紹的幾種不同的觸鍵法去處理同一段肖邦練習麯，效果的差異大得驚人，讓我深刻體會到技術層麵的微小變量如何導緻藝術錶達的巨大分野。這本書的價值在於它超越瞭流派之爭，它提供的是一套普適性的、基於物理和美學的原則，讓不同風格的音樂學習者都能從中汲取養分，提升自己的錶現力邊界。

評分☆☆☆☆☆

這本書的結構安排體現瞭作者深厚的教學功底。它並非堆砌理論，而是將復雜的概念巧妙地融入到具體的演奏場景中。比如，當討論到樂句的呼吸與連貫性時，作者引用瞭大量的管弦樂配器法作為類比，這對於鋼琴獨奏者來說是一個極具啓發性的角度。它幫助我們跳齣鍵盤的限製，將鋼琴視為一個模擬整體樂隊的樂器。更令人贊嘆的是，書中對不同時期鋼琴製作工藝演變對演奏技巧影響的分析，這為我們理解貝多芬的作品需要什麼樣的觸感、而德彪西的作品需要什麼樣的延展性，提供瞭曆史依據。這種跨學科的融閤，讓原本枯燥的技巧訓練，染上瞭一層人文曆史的色彩，極大地提升瞭學習的趣味性和內在驅動力。每次閤上書本，都感覺自己對指尖下發齣的每一個聲音，都有瞭更負責任的態度。

評分☆☆☆☆☆

這本厚重的書籍簡直是音樂殿堂裏的一座裏程碑，它以一種近乎百科全書式的廣度，為我們描繪瞭從最基礎的指法訓練到復雜作品的深度詮釋的完整路徑。我特彆欣賞作者在解析不同曆史時期演奏風格上的細緻入微，比如巴赫時代的對位清晰度與浪漫主義時期那種情感的自由揮灑之間，是如何通過技法層麵的精微調整來實現的。書中對踏闆使用的討論尤其精彩，不再是簡單的“踩下”或“抬起”，而是深入到不同鋼琴聲學特性下，如何利用踏闆作為聲波的延伸和色彩的調和劑。那種對音樂“內在呼吸”的捕捉，讓原本冰冷的樂譜仿佛被賦予瞭生命。我花瞭很長時間對照書中的範例進行練習，發現它提供的不僅僅是“怎麼做”，更是“為什麼這麼做”的哲學基礎。對於那些希望超越機械性重復，真正理解鋼琴藝術的演奏者來說，這本書無疑提供瞭堅實的理論支撐和藝術指導。它迫使你停下來思考，你彈奏的每一個音符背後所承載的曆史、情感和結構意義。