钢琴演奏之道(新版)(精)/赵晓生学术著作系列 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

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赵晓生 编

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店铺： 火把图书专营店

出版社： 上海音乐

ISBN：9787807510635

商品编码：29742065774

出版时间：2007-08-01

基本信息

• 商品名称：钢琴演奏之道(新版)(精)/赵晓生学术著作系列
• 作者：赵晓生
• 定价：95
• 出版社：上海音乐
• ISBN号：9787807510635

其他参考信息（以实物为准）

• 出版时间：2007-08-01
• 印刷时间：2018-05-31
• 版次：1
• 印次：1
• 开本：
• 包装：精装
• 页数：436

内容提要

赵晓生著的《钢琴演奏之道(新版)钢琴演奏之道 (新版)(精)/赵晓生学术著作系列》是“赵晓生学术 著作系列”之一。近年来，赵晓生教授对于“钢琴演 奏理论”的研究，始终未曾停止过，这次由上海音乐 出版社推出的“新版”增加了近三分之一的内容。全 书五十万字左右。新增的内容主要是：基础理论方面 提出了“**音质”与“第二音质”的概念；基础训 练方面增添了“节奏训练”，提出对听觉、和声问题 的重视是钢琴教学的一个重要任务；在作曲家与作品 方面增添了大量新鲜的实质性言论，对“钢琴改编曲 ”另辟专节进行阐述，有很多创新。本书应是钢琴师 生的**之书。
    

作者简介

赵晓生，教授，是一位集作曲、钢琴、音乐理论、音乐教育于一身的大家，曾先后在中国三十余个主要城市、中国香港及美国等地举行近两百场钢琴独奏会和讲座；创作了《希望之神》、《简乐四章》、《太极》、《阴阳三阕》等二十余部作品，其中包括钢琴协奏曲、交响组曲、民乐室内乐、舞剧等多种音乐体裁；创立了“太极作曲系统”、“音集集合运动”和“音乐活性构造”作曲理论体系，对我国作曲理论的研究及作曲教学有着重大贡献；出版《太极作曲系统》、《钢琴演奏之道》、《琴诀》、《琴禅》、《传统作曲技法》等多部著作。现在上海音乐学院作曲指挥系教授作曲、钢琴，并任上海音乐学院附属中学校长。

目录

新版前言
初版序
初版自序
琴道篇
琴道
撷取音乐王冠上的明珠
钢琴家的素质
条件·才能·勤奋·捷径
钢琴匠·钢琴家·钢琴演奏大师
琴法篇
琴法
指
腕
臂
身
耳
心
气
神
化
基础训练
节奏训练
复调训练
技术进阶之径
琴艺篇
琴艺
读谱
练习
记忆
难点
背景
贯气
准备
上台
反思
琴人合一之境
琴韵篇
琴韵
巴洛克风格(1600～1750)
维也纳古典主义风格(1750～1820)
浪漫主义风格(1820～1900)
印象主义风格
20世纪钢琴音乐(1900～2000)
中国钢琴音乐
改编曲的演奏
协奏曲、室内乐、联弹曲的演奏
即兴演奏及视奏
琴禅篇
有道·证悟·无道
蛇信·鹰爪·雁翼
坚石·沉石·浮石
意象·动向·音响
掌舵·琢玉·启门
音点·音线·音层
宇宙·生命·心灵
水涨·水落·水平
敌人·路人·爱人
高构·立交·多泽
实境·幻境·虚境
球气·笔锋·刀刃
响度·亮度·密度
琴诀篇
有道**
八忌第二
九界第三
外功第四
冥听第五
心神第六
贯气第七
琴师第八
音色第九
读谱第十
勤练第十一
记忆第十二
难点第十三
踏瓣第十四
复调第十五
古典第十六
浪漫第十七
印象第十八
现代第十九
琴魂第二十
初版后记
修订版后记
音乐是一种缘(新版编后记)

音乐的呼吸与线条：一部探索钢琴演奏艺术的深度指南 书名： 音乐的呼吸与线条：一部探索钢琴演奏艺术的深度指南 作者： 艾尔莎·冯·赫尔曼 (Elsa von Herrmann) 页数： 680页 装帧： 精装 --- 内容提要 本书并非仅仅是另一本关于“如何弹奏钢琴”的教学手册，它是一部深入肌理、直抵音乐本质的哲学与实践相结合的巨著。作者艾尔莎·冯·赫尔曼，一位享誉欧洲乐坛的钢琴教育家和演奏家，以其跨越半个世纪的教学与舞台经验为基石，构建了一个全面而精微的钢琴演奏理论体系。本书的核心在于探讨“音乐的呼吸”与“线条的塑造”，旨在引导学习者超越指法的机械模仿，进入到对音乐语汇、情感结构和演奏美学的深刻理解之中。 全书分为“根基与感知”、“技术与表达”、“诠释与创造”三大卷，逻辑清晰，层层递进，为所有致力于提升钢琴演奏艺术水平的学者、教师及演奏者提供了一套系统且极具启发性的学习路径。 --- 第一卷：根基与感知——听觉的重塑与身体的觉醒 (约200页) 本卷着重于建立演奏的本体论基础，强调听觉的敏感性与身体感知在音乐再现中的核心地位。赫尔曼认为，优秀演奏的起点并非手指的力量，而是内在听觉的纯净度。 一、听觉的拓扑学： 深入剖析了“内在听音”与“外在发声”之间的鸿沟与桥梁。作者详细阐述了如何训练耳朵分辨和定位和声中的微小色彩变化、如何区分不同触键力度下产生的音色质地（Timbre Quality）。书中配有大量听觉训练练习，旨在帮助学习者“听见”那些平时被忽略的泛音、延音以及声部间的张力关系。 二、触觉的哲学： 摒弃了传统教材中僵硬的“重量转移”或“手指独立”的孤立训练，转而探讨键盘作为乐器与演奏者身体的交互界面。赫尔曼提出了“皮肤的智慧”这一概念，强调通过指尖、掌根直至手臂的整体重量，实现与琴弦的“非暴力对话”。具体章节涵盖了对不同钢琴机械结构的适应性训练、以及如何通过触觉感知机械反应的延迟与反馈，从而实现精准的动态控制。 三、节奏的生命力： 区别于机械的节拍器训练，本卷将节奏视为“时间中的生命运动”。内容涉及对巴赫复调作品中“脉动”的捕捉，浪漫主义作品中“弹性速度”（Rubato）的合理边界，以及如何通过呼吸来协调长乐句的内在张力与放松。大量的实例分析了如何用节奏的微小变化来塑造乐句的“呼吸感”。 --- 第二卷：技术与表达——指尖上的语法与修辞 (约250页) 在确立了正确的感知基础后，本卷转向将这些感知转化为可控的演奏技巧。它着重于如何让技术服务于音乐的表达，而非成为炫耀的工具。 一、音色调性的光谱控制： 赫尔曼系统地解构了“音色”的多维度性。这不仅仅是“明亮”与“柔和”的二元对立，而是涉及频率、动态、延音和释放的复杂组合。书中详细介绍了如何为不同的声部构建不同的“音色光谱”，例如，如何使高音声部保持穿透力而又不失温暖，如何让低音声部充当坚实的“和声地基”。专门章节分析了如何处理复调音乐中，如巴赫赋格中，多达四五个声部在音色上的清晰分离与有机交织。 二、线条的塑造与连接： 这是本书最为核心的篇章之一。线条（Linearity）被定义为音乐进行中的方向感和动力流。作者通过对莫扎特奏鸣曲、肖邦夜曲等经典范例的剖析，展示了如何通过精心设计的指法、手腕运动以及呼吸的配合，使旋律线具有如同歌唱般的连贯性和呼吸的自然停顿。内容细致到如何处理乐句间的连接音、如何设计乐句的“高潮点”及其“回落”。 三、触键的动态文学： 探讨了钢琴演奏中“力度记号”的局限性。本书提倡使用“相对力度”和“表情力度”的概念，即一个“p”在不同的音乐语境下，其绝对音量和音色质感是不同的。通过对贝多芬奏鸣曲中力度记号的深入分析，展示了如何运用微小的力度变化（如从 $pp$ 到 $p$ 的渐进），来描绘出复杂的情感层次。 --- 第三卷：诠释与创造——面对作品的对话 (约230页) 第三卷将演奏提升到诠释与再创造的层面，引导演奏者如何与作曲家的意图进行深刻的个体对话，并最终形成自己独特的艺术声音。 一、历史语境与风格的还原： 赫尔曼强调，准确的诠释必须建立在对作品历史背景、乐器发展阶段和作曲家个人风格的深刻理解之上。本卷涵盖了对不同时期（巴洛克、古典、浪漫、二十世纪）演奏风格的辨析。例如，在处理早期作品时，如何避免使用过于饱满的浪漫主义音色，如何根据羽管键琴时代的演奏实践来审视钢琴演奏的透明度。 二、情感结构的解构与重构： 音乐的情感并非随机爆发，而是有逻辑结构的。作者引入了“情感建筑学”的概念，指导学习者如何识别乐曲中“冲突点”、“解决点”以及“叙事弧线”。通过分析勃拉姆斯室内乐作品中的内在张力，展示了如何通过节奏的微调和音色的对比，将抽象的情感转化为听者可感知的具体体验。 三、即兴与个性化标记： 最终，本书鼓励演奏者在忠于原作的基础上，发掘个人的艺术声音。这部分内容探讨了如何运用自己的身体经验和哲学思考，在既定的框架内进行有根据的、富有洞察力的再创造，从而使每一次演奏都成为一次独一无二的、充满呼吸与生命力的现场事件。 --- 读者对象 本书适合于所有严肃对待钢琴艺术的人士：音乐学院高年级学生、专业钢琴教师、活跃的音乐会演奏家，以及对古典音乐演奏理论有深入探究欲望的爱好者。它要求读者具备一定的基本演奏经验，并愿意投入时间进行深层次的思考与自我反思。 --- 附录 精选的历史文献摘录（涉及键盘乐器制造与演奏方法的早期记载） 关键术语的跨语言对照表 推荐的聆听曲目清单（侧重于不同演奏家对同一作品的风格差异对比） --- 作者简介： 艾尔莎·冯·赫尔曼 (Elsa von Herrmann)，出生于维也纳，早年在汉堡和巴黎接受音乐教育。她以其对德奥古典主义和浪漫主义作品的精妙诠释而闻名。自1975年起，她长期在世界各地顶尖音乐学府任教，其教学法以注重演奏者的身体感知和内在听觉训练而著称。本书凝聚了她五十多年来对钢琴演奏艺术“内在逻辑”探索的全部心血。

评分☆☆☆☆☆

坦白说，初翻这本书时，我有些被它学术性的严谨和庞大的信息量所震慑，但一旦沉浸进去，那种求知欲便难以自拔。它最吸引我的地方，是对“诠释”艺术的探讨。作者并没有给出标准答案，而是列举了数种经典处理方式，然后引导读者去分析每种处理方式的合理性与局限性。这种开放式的引导，极大地激发了我批判性思维。特别是关于复杂复调作品的声部层次划分，书中提出的几种不同于传统教科书的划分模型，让我重新审视了对位法的结构美感。我发现，很多时候我们听起来“糊”的演奏，并非是技巧不够，而是对声部主次关系的认知混乱。这本书像是一面镜子，照出了我们在音乐理解上的盲区，并指引我们去探索更深层次的结构逻辑。对于专业人士而言，这更像是一份自我检测与提升的工具书。

评分☆☆☆☆☆

读完这本著作，我有一种豁然开朗的感觉，仿佛之前许多模糊不清的演奏困惑都被清晰地梳理和归类了。作者的叙事逻辑极其严谨，从人体工程学角度探讨触键的物理原理，这一点对于长期练习者来说至关重要，它解释了为何某些习惯会导致疲劳甚至损伤，并提供了科学的矫正方案。其中关于音色控制的部分，简直可以看作是一部微观的声学指南，它将力度、速度、触键点的选择与最终听感上的“颗粒感”、“穿透力”或“温暖度”进行了精密的映射。我尝试了书中介绍的几种不同的触键法去处理同一段肖邦练习曲，效果的差异大得惊人，让我深刻体会到技术层面的微小变量如何导致艺术表达的巨大分野。这本书的价值在于它超越了流派之争，它提供的是一套普适性的、基于物理和美学的原则，让不同风格的音乐学习者都能从中汲取养分，提升自己的表现力边界。

评分☆☆☆☆☆

这本书的结构安排体现了作者深厚的教学功底。它并非堆砌理论，而是将复杂的概念巧妙地融入到具体的演奏场景中。比如，当讨论到乐句的呼吸与连贯性时，作者引用了大量的管弦乐配器法作为类比，这对于钢琴独奏者来说是一个极具启发性的角度。它帮助我们跳出键盘的限制，将钢琴视为一个模拟整体乐队的乐器。更令人赞叹的是，书中对不同时期钢琴制作工艺演变对演奏技巧影响的分析，这为我们理解贝多芬的作品需要什么样的触感、而德彪西的作品需要什么样的延展性，提供了历史依据。这种跨学科的融合，让原本枯燥的技巧训练，染上了一层人文历史的色彩，极大地提升了学习的趣味性和内在驱动力。每次合上书本，都感觉自己对指尖下发出的每一个声音，都有了更负责任的态度。

评分☆☆☆☆☆

我必须指出，这本书绝非适合初学者的快速入门读物，它需要学习者具备一定的音乐基础和专注力去消化。但对于那些已经掌握了基础技巧，却感到艺术表达受限的进阶学习者，它无疑是一座宝库。作者对“听觉训练”和“内心听觉”的描述，细致到令人难以置信。他不仅仅告诉你“要听清楚”，而是解析了如何通过特定的身体感知和心理暗示来“构建”出理想中的声音模型，然后再去努力实现它。这种对“声音想象力”的培养，是许多技术导向的教材所缺失的。我尝试用书中的方法来“预听”尚未演奏的段落，发现这不仅能有效减少演奏失误，还能让音乐的流畅性大大提高。这本书真正教会了我如何成为自己音乐的第一个、也是最苛刻的听众，这对于一个追求精益求精的演奏者来说，是无价的财富。

评分☆☆☆☆☆

这本厚重的书籍简直是音乐殿堂里的一座里程碑，它以一种近乎百科全书式的广度，为我们描绘了从最基础的指法训练到复杂作品的深度诠释的完整路径。我特别欣赏作者在解析不同历史时期演奏风格上的细致入微，比如巴赫时代的对位清晰度与浪漫主义时期那种情感的自由挥洒之间，是如何通过技法层面的精微调整来实现的。书中对踏板使用的讨论尤其精彩，不再是简单的“踩下”或“抬起”，而是深入到不同钢琴声学特性下，如何利用踏板作为声波的延伸和色彩的调和剂。那种对音乐“内在呼吸”的捕捉，让原本冰冷的乐谱仿佛被赋予了生命。我花了很长时间对照书中的范例进行练习，发现它提供的不仅仅是“怎么做”，更是“为什么这么做”的哲学基础。对于那些希望超越机械性重复，真正理解钢琴艺术的演奏者来说，这本书无疑提供了坚实的理论支撑和艺术指导。它迫使你停下来思考，你弹奏的每一个音符背后所承载的历史、情感和结构意义。