视唱练耳：四部和声听觉训练 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

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出版社： 高等教育出版社

ISBN：9787040482591

商品编码：29761370100

商品基本信息，请以下列介绍为准
商品名称：	视唱练耳：四部和声听觉训练
作者：	页志明著
定价：	28.0
出版社：	高等教育出版社
出版日期：
ISBN：	9787040482591
印次：
版次：
装帧：
开本：	16开

内容简介

每章节均可选用其中一部分练习作为课内视唱、听写或听辨的材á

音乐理论与实践精要：和声学、对位法与曲式分析 一本全面涵盖西方音乐传统核心技艺的权威指南 本书旨在为音乐专业学生、作曲家、指挥家以及所有对深入理解音乐结构有浓厚兴趣的学习者提供一套系统、严谨且富于实践性的理论框架与应用指导。我们超越了单一学科的界限，将和声学、对位法、曲式分析及配器法等关键领域融会贯通，构建起一座坚实的音乐分析与创作的桥梁。 第一部分：深度和声解析与实践（Advanced Harmony and Practice） 本部分致力于系统梳理和巩固西方调性音乐（Tonal Music）的和声基础，并将其推向更复杂的领域。我们不再仅仅停留在基础的三和弦与七和弦的堆叠，而是深入探讨和声进行背后的逻辑、色彩的运用以及功能性变化。 第一章：调性功能与和声色彩的精微探究 详细分析主、属、下属和弦在不同调式（大调、小调、和声小调、旋律小调）中的精确功能负载与情感色彩。重点剖析导音作用、临时转调（Modulation）的技巧，特别是对“色彩和弦”（Chromatic Chords）的细致考察，如那不勒斯六和弦（Neapolitan Sixth）、增六度（Augmented Sixth Chords，包括意大利、德国、法国式）的构成原理、功能对位以及在不同音乐语境下的效果差异。 第二章：扩展与非功能性和声的探索 深入研究九和弦、十一和弦、十三和弦的实际应用，探讨如何利用和弦的延伸音（Tensions）增加和声的密度和张力。本章着重分析“非功能性”和声进行，如平行和弦、平行五度/八度的规范与突破，以及如何通过和声的“悬置”（Suspension）和“更替”（Substitution）手法，构建更具流动性和不确定性的音乐织体。我们还将引入对早期的印象主义和声（如德彪西、拉威尔的作品中常用的全音阶、五声音阶和弦）的初步分析方法。 第三章：传统与现代配器基础：和声的听觉化 本章将和声理论与乐器法紧密结合。不再局限于钢琴上的和弦排列，而是细致探讨不同乐器组（弦乐、木管、铜管、打击乐）在不同音域内演奏特定和弦时所产生的音响效果差异。讲解“音响平衡”（Timbral Balance）、和弦在管弦乐队中的分置（Voicing）原则，以及如何利用乐器的音色对比来实现和声的“听觉可视化”。 第二部分：对位法的严谨逻辑与创作（The Discipline of Counterpoint） 对位法是西方音乐的骨架。本部分以巴赫的复调音乐为蓝本，系统教授如何构建独立、平衡且相互依存的旋律线条。我们强调的不是机械地遵循规则，而是理解这些规则背后的逻辑，以便在现代创作中自如地运用复调思维。 第四章：严格对位法：线条的独立性与和谐性 全面讲解胡斯顿（Johann Joseph Fux）《等级》（Species Counterpoint）的五种形式，从单音对单音的对位，逐步深入到二、三、四声部的严格对位。重点训练学生对节奏的控制能力和旋律线条的逻辑发展——如何处理不协和音程（如经过音、倚音、装饰音）的引入、预备与解决。我们特别关注如何在对位中保持旋律的歌唱性（Cantabile），而非仅仅是数学上的组合。 第五章：自由对位与赋格曲的结构 从严格对位过渡到自由对位，这是巴赫赋格曲的基石。本章细致分析“主题”（Subject）的构建原则，如何设计出富有活力、易于发展的主题。深入讲解赋格曲的各个结构环节：呈示部（Exposition）的进呈、插入段（Episodes）的写作（通常基于主题的动机发展）、中段与再现部。通过对具体范例的拆解，学习如何保持多声部线条的清晰度和逻辑性，即使在复杂的模仿和再现中。 第三部分：曲式结构与音乐的宏观叙事（Form and Macro-Structure） 音乐的意义往往体现在其宏大的结构布局中。本部分将分析主流音乐体裁的内在骨架，帮助学习者理解作曲家如何组织音乐材料以实现叙事性和统一性。 第六章：小型曲式与乐章的模块化构建 详细解析最基本的音乐单元：二部曲式（Binary Form）与三部曲式（Ternary Form，ABA）。探讨其在奏鸣曲快板乐章前的早期应用，如组曲（Suites）中各个舞曲的排列逻辑。重点分析主题材料的对比（A段与B段的材料差异）、转调路径以及中段（Trio）的功能。 第七章：奏鸣曲式：核心分析工具 奏鸣曲式（Sonata Form）被誉为古典音乐的蓝图。本章对其进行最细致的剖析，包括呈示部（主题呈示、副部主题的引入与转调）、展开部（材料的碎片化、冲突与发展）、再现部（所有材料回归主调的统一过程），以及尾声（Coda）的功能。我们将使用海顿、莫扎特和贝多芬的作品作为范例，展示奏鸣曲式在不同时期的演变与个性化处理。 第八章：大型结构与主题的周期性发展 超越奏鸣曲式，本章探究大型作品的组织方式：如回旋曲式（Rondo Form）的交替性、变奏曲（Variations）的内在逻辑（如固定低音、固定和声进行、固定曲调的变奏技巧）。此外，还将介绍综合性曲式，如三乐章或四乐章奏鸣曲、协奏曲、交响曲的整体结构布局，以及浪漫主义时期出现的“自由曲式”与“标题音乐”对传统结构的冲击与重塑。 结语：构建创作的综合视野 本书的最终目标是培养一种综合的音乐思维。和声的色彩需要通过对位法的线条来支撑，而所有的线条和和声的进行，都必须服务于一个宏大的曲式结构。学习者将通过大量的分析练习和创作作业，学会如何像作曲家一样思考——既注重每一个音符的微观质量（听觉训练的成果），又能掌控整部作品的宏观走向（曲式分析的成果）。这套体系化的训练将为任何音乐实践者提供稳定、深厚的理论根基与创作自由。

评分☆☆☆☆☆

这本书的章节结构安排得太巧妙了，完全符合人脑对复杂信息的接收习惯。它没有一开始就抛出那些令人望而生畏的复杂理论，而是从最基础的音高辨识开始，稳扎稳打。我尤其欣赏它在引入新概念时所采用的对比方法，比如将大调和小调的听感差异放在一起进行比较，这种直观的冲击力远胜于枯燥的文字描述。而且，作者似乎深谙如何将枯燥的练习变得有趣味性，穿插了一些历史小故事或者经典作品的片段作为例证，一下子就让冰冷的音符活了起来。读到后面，你会发现知识点之间的内在联系被搭建得非常清晰，前一个章节的知识点会自然而然地成为后一个章节的基石，这种逻辑上的严密性让人在学习过程中几乎没有“卡壳”的感觉，每一步都走得踏实而自信。

评分☆☆☆☆☆

这本书的实用性可以说是教科书级别的，这一点从它对练习环节的精心设计就能看出来。它提供的不仅仅是题目，而是一整套完整的训练系统。我特别喜欢它设置的“自我检测”和“进阶挑战”两个板块，前者帮助我及时巩固当天所学，后者则有效地激励我去突破自己的舒适区。更值得称赞的是，书中的练习音频（虽然我需要另外获取，但其设计理念很明确）的质量要求极高，这保证了我们训练出来的耳朵是适应专业水准的。我尝试着跟着书中的指示进行了一些听写和模唱练习，发现原本觉得模糊不清的音高和节奏，在经过针对性的训练后，清晰度有了质的飞跃。这种“学以致用，用以促学”的良性循环，是这本书最宝贵的财富。

评分☆☆☆☆☆

作为一个对音乐理论有一定基础的学习者，我最看重的是教材的深度和广度。这本书在这方面做得非常出色。它不仅覆盖了基础的和声进行，还深入探讨了一些更高级的调式转换和色彩和声的听辨。我发现书里提供的一些练习范例，其复杂度和实用性远远超出了我预期的标准。特别是那些涉及到不协和音程和解决方式的听觉训练部分，作者给出的解析非常透彻，不仅仅告诉你“是什么”，更解释了“为什么”会产生那样的听感，以及在实际创作中如何运用。这种深度的挖掘，让我感觉自己不再是简单地记忆规则，而是在真正理解和掌握音乐语言的精髓，这对于提升我的音乐鉴赏力和创作能力，无疑是巨大的助益。

评分☆☆☆☆☆

这本书的封面设计真是直击人心，那种沉稳又不失活力的色彩搭配，立刻就让人感受到音乐的力量。刚拿到手的时候，我就被它那种扎实的质感吸引住了，纸张的厚度和印刷的清晰度都非常棒，翻阅起来是一种享受。更别提书里的排版了，每一个音符、每一个和弦的标记都清晰明了，即使是初学者也能迅速找到重点。我特别喜欢它在引言部分对于学习态度的引导，那种循序渐进、充满鼓励的语气，让人立刻就想沉下心来，认真对待接下来的学习旅程。它不仅仅是一本教材，更像是一位耐心的导师，在你还没开始之前，就已经为你铺好了平坦的道路。这种对细节的关注，让这本书的整体品质瞬间提升了一个档次，完全不是那种粗制滥造的应试工具书可比拟的。

评分☆☆☆☆☆

这本书的作者显然是一位经验极其丰富的教育者，他对学习者可能遇到的困惑有着精准的预判。在讲解过程中，他总是能用最简洁、最贴合实际的语言来描述那些抽象的音乐概念，避免了过多晦涩的术语堆砌。例如，在解释某种特定和弦的“情绪倾向”时，他没有停留在理论层面，而是描述了一种画面感，比如“像是在夕阳下的告别”，这种具象化的描述极大地帮助了我这个偏向感觉派的学习者去捕捉和记忆。再者，这本书在知识点的收尾部分总会有一个小小的总结或者“思维导图”式的提示，虽然简单，却能帮助我们将零散的知识点串联成一个整体的知识网络，这对于长期学习来说，是巩固记忆、防止遗忘的强大工具。总而言之，这本书的编写体现了一种深沉的关怀和高超的教学艺术。