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方新佩 编

图书标签:

• 音乐创作
• 多声部音乐
• 和声学
• 作曲技法
• 音乐理论
• 音乐分析
• 对位法
• 复调音乐
• 音乐史
• 音乐研究

店铺： 火把图书专营店

出版社： 苏州大学

ISBN：9787567221284

商品编码：29776074473

开本：16

出版时间：2018-04-01

基本信息

• 商品名称：多声部音乐创作研究
• 作者：方新佩
• 定价：45
• 出版社：苏州大学
• ISBN号：9787567221284

其他参考信息（以实物为准）

• 出版时间：2018-04-01
• 印刷时间：2018-04-01
• 版次：1
• 印次：1
• 开本：16开
• 包装：平装
• 页数：227
• 字数：300千字

内容提要

从20世纪以来，随着人类音乐思维、音乐观念、 作曲技术以及音乐表演形式的不断发展，音乐的构成 形式也日趋多样化，从音乐表现手段方面来看，主要 以调性的动摇和功能和声的解体、曲式结构的变异为 标志；从音乐表演形式方面来看，主要表现为音乐剧 、声乐与器乐重组一体的“声器室内乐”（声乐器乐 化），自然音响的过分追求，标新立异诠释音乐的方 式等等。由方新佩著的《多声部音乐创作研究》正是 在这样的新音乐语境下创作而成的，体现了一定的时 代性，紧密结合当下的音乐创作实践，旨在通过复调 音乐的分析与研究、合唱音乐的分析与研究、配器法 的分析与研究、电声乐队的写作与研究四个方面，对 多声部音乐理论进行系统而全面的分析研究，总结出 多声部音乐作品的分析方法和写作技法，以*好地服 务于普通高校音乐学专业多声部写作课程的教学。
    

作者简介

方新佩，男，讲师，白俄罗斯国立文化艺术大学艺术学硕士，主修作曲技术理论。湖南科技学院侨联委员。湖南科技学院音乐与舞蹈学院党总支宣传委员。主要讲授乐理与视唱练耳、曲式与作品分析、歌曲写作等课程。 2006年任职以来主编视唱练耳教材两部，主持校级科研课题两项、校级教学改革课题一项、校级合格课程一项。指导大学生创新课题省级、校级各一项。研究方向主要是民族音乐素材在音乐创作中的运用，在核心期刊发表学术文章与音乐作品多篇：音乐创作体裁主要涉及民族管弦乐、合唱、弦乐四重奏、民族歌曲作品等，代表作品有男中音独唱《一步一步》、无伴奏女声合唱《桃花谣》、弦乐四重奏《中州韵》、领唱与合唱《南风歌》、民族管弦乐《豫乡情》等。

目录

前言
**部分 二声部复调音乐创作研究
第一章 对比式二声部
第一节 对位中的音程关系
第二节 对位中的节奏型与声部进行方式
第三节 对位中声部的对比
第四节 对比式二声部的织体类型
第五节 对比式二声部写作的注意事项
第二章 对比式二声部的变化形式
第一节 八度(十五度)复对位
第二节 倒影对位
第三节 复对位
第三章 模仿式二声部
第一节 模仿条件与写作形式
第二节 模仿式二声部复对位
第四章 复调手法在主调音乐中的运用
第一节 装饰
第二节 补充
第三节 丰富
第四节 对比
第二部分 合唱分析与研究
第五章 合唱中的人声
第一节 人声的特点
第二节 人声的类型和音域
第三节 两种特殊的歌唱发声方法及循环吸气
第六章 合唱的声部
第一节 合唱的基本声部
第二节 合唱声部的记谱
第三节 合唱队的常用音域
第四节 各声部的表现性能与性格特色
第七章 同声合唱
第一节 同声二部合唱
第二节 同声三部合唱
第三节 同声四部合唱
第八章 混声合唱
第一节 混声二部合唱
第二节 混合二部合唱
第三节 混声四部合唱
第四节 合唱声部的再分部
第五节 混声四部合唱中的齐唱
第九章 主调音乐风格的合唱写作
第一节 同节奏和声式织体
第二节 声部进行方式及其运用
第三节 主旋律与伴唱
第十章 复调音乐风格的合唱写作
第一节 模仿式合唱
第二节 对比式合唱
第三部分 配器法分析与研究
第十一章 管弦乐队常用乐器及乐队组合形式
第一节 管弦乐队中常用的乐器

音乐的结构与张力：一部关于西方古典音乐形式分析的深度探索 作者： [此处留空，或填入一个虚构的学者姓名，如：阿道夫·冯·施特劳斯] 出版社： [此处留空，或填入一个具有古典学术气息的虚构出版社名称，如：莱比锡大学音乐学讲义系列] ISBN： [此处留空，或填入一串虚构的、看起来专业的ISBN号] 字数： 约 1500 字 --- 内容提要： 本书旨在提供一个对西方古典音乐核心结构和形式逻辑的全面而深入的分析框架。它并非一部通史，亦非侧重于某位特定作曲家的风格研究，而是一部着眼于音乐建构性原则的理论性著作。本书将“音乐”视为一种复杂的、具有内在逻辑的建筑艺术，通过解构巴洛克晚期至浪漫主义盛期之间最主要的体裁（如奏鸣曲式、赋格、变奏曲、回旋曲等）的底层语法、主题发展策略、以及如何通过和声与对位关系来创造时间和空间上的叙事性张力，为读者搭建起一座理解古典音乐“何以如此”的知识桥梁。 本书的独特之处在于，它拒绝依赖于高度简化或经验主义的描述，而是深入探究了特定历史时期音乐家们在面对结构约束时所展现出的非凡创造力。我们将重点考察形式的动态本质——即形式是如何在创作过程中被“动态地”形成和颠覆的，而非仅仅作为一套僵硬的范式来套用。 第一部分：形式的基石——乐思的生成与句法结构 本部分首先界定“乐思”（Motif）与“乐句”（Phrase）在音乐逻辑中的基础地位。我们认为，宏大结构最终建立在最微小的、可辨识的音乐单元之上。 第一章：音高与时值的原子结构 本章探讨了动机的原始形态，如何通过节奏的切分、音程的变形以及序列化的发展（如螺旋式推进或对映展开）来预示后续的结构功能。我们将分析贝多芬早期奏鸣曲中那种看似简单的动机，如何被赋予了推动整个乐章前进的“能量”。重点将放在动机的潜能——即一个短小的音乐意念中内含的全部结构可能性。 第二章：句法：从陈述到回应 借鉴语言学的分析方法，我们详细考察了乐句在“提出”（Antecedent）与“回答”（Consequent）之间的张力关系。这种二元结构如何与调性体系紧密结合，形成功能和声的支撑。书中将使用大量的图示和谱例分析，展示乐句终止式（Cadences）不仅仅是结束，更是下一段落的逻辑起点。我们将分析如何通过“假终止”来拉伸听觉预期，从而构建出具有呼吸感的音乐篇章。 第三章：段落的组织：清晰度与模糊性的平衡 本章聚焦于更宏观的段落划分——如呈示部、发展部与再现部的功能界定。我们特别关注作曲家们如何处理“过渡段”（Transition）的模糊性：过渡段既要清晰地指向新的主调，又要保持其自身的动力性，避免成为简单连接词。书中将深入解析主导动机（Tonic Dominant Relationship）在调性冲突与解决中所扮演的叙事角色。 第二部分：大型曲式的建筑学：空间与时间的编排 本部分是全书的核心，聚焦于最复杂的、体现古典主义精神的宏大曲式。我们视奏鸣曲式为一个三维结构，而非线性的叙事。 第四章：奏鸣曲式的内在矛盾：统一性与多样性的辩证法 奏鸣曲式被誉为古典音乐的“哲学”。本章将剥离传统教学中对“呈示部-发展部-再现部”的机械划分，转而探究其深层逻辑：主题的冲突、位移与最终的统一。 主题的冲突性呈现： 分析第一、第二主题在调性、节奏、音域上的对立，以及它们如何共同构成“陈述”的完整意义。 发展部的动力学： 发展部不是素材的“碎片化展示”，而是对既有素材进行概念性提炼与冲突激化的过程。我们将考察如何通过转调链、减弱的节奏密度或过度的和声色彩变化来制造结构性危机。 再现部的“实现”： 再现部的关键在于“解决”。本书将重点分析作曲家如何通过巧妙的连接部重写，使原本冲突的主题群在主调上达成逻辑上的和解，并探讨变体再现（如贝多芬后期作品中主题的颠覆性回归）的意义。 第五章：赋格的逻辑：多声部的对位与结构完整性 赋格曲被视为对位技巧的巅峰。本章将不满足于对“主部”、“应答”等术语的罗列，而是探讨赋格“织体”如何本身成为一种结构形式。我们将分析： 空间感的构建： 在有限的音域内，通过声部进入的层次感如何模拟出空间纵深的延伸。 中插部的功能： 中插部如何既是调性上的调剂，又是对主部的动机性延伸。 stretto（紧奏）的结构高潮： 探讨紧奏段落如何通过缩短间隔来制造迫近感，体现出对时间流逝的控制。 第六章：变奏曲与回旋曲：框架的约束与自由的边界 本书对比分析了变奏曲（Theme and Variations）和回旋曲（Rondo）这两种截然不同的结构策略。 变奏曲中的“同一性”难题： 探讨在保持主题核心（如和声骨架或节奏轮廓）不变的前提下，如何实现素材的无限拓展。我们区分了“表面变奏”、“结构变奏”和“概念变奏”。 回旋曲的“锚定”作用： 回旋曲（A-B-A-C-A…）依赖于主题（A）的稳固性。本章分析了不同的插部（B、C等）如何通过调性对比和织体变化来增强主题回归时的“归属感”与结构上的清晰度。 第三部分：超越形式：张力、解决与听觉体验 最后一部分将研究上述形式如何共同作用于听众的感知，以及在浪漫主义时期，形式如何开始向情感表达让步，但其内在逻辑并未完全瓦解。 第七章：时间的感知：缓急、密度与期待的经济学 本章探讨了音乐的“时间感”是如何被有意操控的。通过分析慢乐章（如柔板 Adagio）的结构，我们发现缓慢并非缺乏事件，而是事件被拉伸、被细致地“描绘”。本章引入了对位密度与和声解决速度的量化分析，揭示作曲家在何时积蓄能量，何时释放张力，从而构建出感人的高潮。 结语：形式作为自由的必要条件 本书总结道：古典音乐的伟大不在于其形式的精美，而在于作曲家们在既定的、严格的结构框架内，通过对动机、调性、与对位的精妙处理，达成了前所未有的表达深度。形式不是枷锁，而是引发创造力的必要场域。本书期望能引导读者，在聆听每一部奏鸣曲或协奏曲时，不再仅仅是等待“熟悉的旋律”的回归，而是欣赏那结构如何精确地、不可避免地走向其最终的解决方案。 --- 本书面向对象： 音乐专业学生、作曲系师生、严肃的古典音乐爱好者，以及所有对音乐理论与分析有深入探究兴趣的读者。本书的讨论建立在对传统和声学与对位法有基本了解的基础上。

评分☆☆☆☆☆

坦白说，这本书的专业性已经超出了我预期的上限，它更像是一本为资深作曲家或音乐学研究人员准备的参考手册。书中的术语使用极为精准，几乎没有模糊地带，这对于学术写作爱好者来说无疑是福音。我特别关注了关于“对位法在非严格意义上的应用”这一部分，作者用非常清晰的逻辑展示了如何从严格的对位规则中提炼出精神内核，并将其灵活应用于当代音乐语境中。整个阅读过程，就像是跟随一位大师在极其复杂的迷宫中行走，他手中握着地图，每一步都精准无误，虽然我可能需要时不时停下来查阅词典或重新审视前面的章节，但最终总能被引导到正确的出口。这本书的价值不在于它提供了多少现成的范例，而在于它提供了一种审视和构建音乐结构的高级心智模型，让人在面对任何复杂的音乐问题时，都能找到一个稳固的出发点去进行有效的分析和创作尝试。

评分☆☆☆☆☆

这本书的阅读体验，说实话，更像是一场对耳朵和大脑的双重训练。我发现自己不自觉地开始用一种更具结构性的眼光去聆听平时的音乐作品，哪怕是听一些相对简单的室内乐，也会去分辨主旋律之外那些“潜伏”的声部是如何与主旋律进行对话和抗衡的。作者在讨论“非传统调性环境下的多声部构建”时，使用了大量的现代音乐实例，这部分内容对我来说挑战性很大，需要反复回溯前面的理论基础才能勉强跟上思路。书中对“音色与声部功能的结合”这一章节的阐述尤其令人印象深刻，它跳脱了单纯的音高和节奏分析，开始探讨特定乐器组在特定织体中扮演的角色，这无疑拓宽了我们对“声部”这个概念的理解边界。这本书绝对不是那种可以边喝咖啡边轻松翻阅的休闲读物，它要求读者全身心投入，甚至需要一定的音乐理论背景作为支撑，但一旦进入状态，那种豁然开朗的感觉是其他很多书籍无法给予的。

评分☆☆☆☆☆

这本书，我拿到手的时候，就有一种久违的学术气息扑面而来。封面设计简洁大方，虽然我对“多声部音乐创作”这个领域不算特别精通，但光是看到那些严谨的排版和清晰的目录结构，就让我对内容充满了期待。我特别留意了前言部分，作者显然是下了大功夫去梳理和界定研究的范畴，这让我感觉这不是一本泛泛而谈的入门读物，而是深入到特定理论框架下的专业探讨。尤其是对“和声语言的演变与结构性关联”这块的论述，引用了不少十九世纪末至二十世纪初的欧洲音乐范例进行对比分析，这种跨越时段的比较视角，让我对现代音乐的根源有了更深层次的理解。书中的图表绘制得非常专业，像是乐谱分析的微缩模型，虽然有些地方需要反复揣摩才能完全领会其中的精妙之处，但这种阅读的“阻力”反而激发了我继续探索的欲望。总的来说，这是一部需要静下心来，带着乐谱本才能真正品味出其价值的著作。

评分☆☆☆☆☆

读完这本书，我的第一感受是“广博”与“细致”的完美结合。作者的笔触非常细腻，尤其是在探讨复调织体中“声部线条的独立性与相互作用”时，简直像一位技艺高超的建筑师在向我们展示如何用声音的砖块搭建起宏伟的音乐殿堂。书中并没有简单地罗列各种技巧，而是深入挖掘了不同历史时期作曲家是如何在遵循既有规则的同时，又巧妙地突破限制，创造出令人耳目一新的听觉体验。例如，对于巴洛克时期卡农的结构分析，它提供的不仅仅是终止式和模写的规则，更重要的是探讨了“时间感”在复调结构中是如何被操纵和建构的。我个人尤其欣赏作者在论述中展现出的那种冷静的分析能力，既不盲目崇拜古典大师，也不对新潮理论抱有不切实际的幻想，始终立足于音乐本体的逻辑进行推演。这本书更像是提供了一套思维工具箱，而不是一套即用型的公式。

评分☆☆☆☆☆

我从这本书中学到的最重要一点是，多声部创作的精髓或许并不在于如何堆叠更多的声部，而在于如何让每一个声部都拥有清晰而合理的“生命力”。作者在论述中对“声部间的张力与释放”的分析极具洞察力，他似乎能够穿透音符的表面，直达作曲家内心的矛盾与和解。书中对不同时期配器法如何反作用于多声部写作的探讨，也展示了作者跨学科的广阔视野。比如，他会联系到十九世纪管弦乐队编制的变化如何直接影响了室内乐织体的写法，这种宏观的历史视野与微观的技法分析相结合的方式，使得全书的论证逻辑显得异常坚实有力。我尤其欣赏其中关于“不和谐音的消解与重构”的论述，作者没有将不和谐音视为一种需要被快速解决的“错误”，而是将其视为构建复杂听觉体验的必要元素，这让我在面对现代作品时，心态上也有了显著的松动与开放。