谢尔盖·普罗科菲耶夫 彼得与狼(附CD一张) 钢琴演奏小品古典音乐启蒙 钢琴基础入门教材书 汉斯-金

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汉斯-金特霍伊曼 编,陈音徐植 译
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店铺: 海源阁图书专营店
出版社: 上海教育出版社
ISBN:9787544440721
商品编码:29866967837
丛书名: 彼得与狼(附光盘谢尔盖普罗科菲耶夫钢琴演奏小
开本:8开
出版时间:2012-04-01

具体描述

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好的,这是一份关于其他图书的详细简介,旨在提供丰富的内容,同时避免提及您提供的特定书籍信息。 --- 《交响诗篇:从巴赫到德彪西的音乐之旅》 引言:穿越时空的和声脉络 音乐,是人类情感最直接的表达,也是时间长河中最坚韧的印记。本书并非仅仅是一部音乐史的罗列,而是一次深入心灵的探索,带领读者沿着西方古典音乐发展的清晰脉络,体验从巴洛克时期的严谨秩序到浪漫主义的炽热情感,再到印象主义的朦胧色彩的完整旅程。我们聚焦于那些奠定西方音乐基石的作曲家及其核心作品,解析其创作背景、音乐语言的革新,以及对后世艺术的深远影响。 第一部分:巴洛克的回响——秩序与虔诚的时代 (约 1600-1750) 巴洛克时期,是西方音乐从复调走向主调的关键转折点。本部分将详尽剖析这一时期的结构美学与情感深度。 一、奠基者与赋格的艺术:约翰·塞巴斯蒂安·巴赫 巴赫,这位被誉为“西方音乐之父”的巨匠,其作品的数学般精确性与神学般的深度令人叹为观止。我们将重点分析: 1. 《平均律键盘曲集》的结构意义: 不仅是技巧的展示,更是对十二平均律体系的系统性确立。深入解析其中的前奏曲与赋格,探讨复调音乐中“模仿”与“对抗”的技巧如何构建宏大的音乐场景。 2. 协奏曲的范式确立: 以《勃兰登堡协奏曲》为例,讲解协奏曲中独奏乐器组与合奏团之间的张力与对话,揭示“巴洛克式”的能量流动。 3. 清唱剧与受难曲中的宗教叙事: 探讨巴赫如何将复杂的神学概念融入音乐,特别是《马太受难曲》中对人物内心挣扎的描绘,其戏剧性和心理刻画的深度。 二、歌剧的诞生与歌唱的辉煌:亨德尔与维瓦尔第 本节转向音乐的世俗化与戏剧化表达。 1. 亨德尔的“英国式”清唱剧: 重点剖析《弥赛亚》,分析其合唱段落(如“哈利路亚”)如何运用简单的动机创造出排山倒海的气势,以及他将意大利歌剧元素融入英语清唱剧的成功之处。 2. 维瓦尔第的协奏曲语汇: 以《四季》为例,探讨早期协奏曲的快速-慢速-快速三乐章结构的确立,以及如何通过音乐“描绘性”的手法(如模仿风暴、鸟鸣)来契合听众的直观感受。 第二部分:古典的清晰与平衡——美学规范的形成 (约 1730-1820) 古典主义时期,音乐追求清晰的结构、和谐的比例和普适的逻辑性。奏鸣曲式成为一切器乐形式的骨架。 一、奏鸣曲式的解构与重建:海顿的幽默与智慧 海顿被誉为“交响曲之父”和“弦乐四重奏之父”。本部分将: 1. 交响曲的体裁化: 分析海顿如何固定了四乐章的结构(快板-慢板-小步舞曲/谐谑曲-回旋曲),以及他如何在严谨的框架内注入惊奇和幽默感。 2. 弦乐四重奏的对话艺术: 考察海顿晚期四重奏中,四个声部如何超越伴奏与主旋律的简单关系,实现真正平等的对话,为室内乐的发展指明了方向。 二、旋律之王与情感的初次波动:莫扎特的音乐天才 莫扎特的作品以其无与伦比的旋律天赋和情感的微妙处理而著称。 1. 歌剧中的人性展现: 深入分析《费加罗的婚礼》和《唐璜》中的“角色音乐”。探讨莫扎特如何通过咏叹调的结构变化和宣叙调的推动力,刻画人物复杂、矛盾的内心世界,超越了传统歌剧的脸谱化。 2. 钢琴协奏曲的成熟: 聚焦于莫扎特后期的钢琴协奏曲,分析钢琴独奏与乐队的互动如何从早期的“请求与服从”转变为平等的“协商与共鸣”。 三、从古典到浪漫的桥梁:贝多芬的革命 贝多芬是古典主义的集大成者,也是浪漫主义的先驱。他的音乐充满了意志力的挣扎与胜利的凯歌。 1. 奏鸣曲式的扩展与张力: 分析《c小调第五交响曲》第一乐章的“命运动机”,探讨贝多芬如何通过动机的变奏和发展,构建出史诗般的戏剧冲突。 2. 个人精神的注入: 考察《庄严弥撒》和晚期弦乐四重奏,这些作品显示了作曲家日益内向、哲学化的探索,标志着音乐开始承担更重大的个体叙事使命。 第三部分:浪漫主义的火焰——情感的无限扩张 (约 1800-1910) 浪漫主义时期,音乐挣脱了古典束缚,成为个体情感、民族精神和超自然想象力的载体。 一、钢琴的解放与抒情之声:肖邦与舒曼 钢琴成为表达浪漫主义最主要的工具,它既是独白的对象,也是交响乐的微缩版。 1. 肖邦的波兰灵魂: 重点研究玛祖卡和波兰舞曲,分析其节奏与旋律如何融合民族色彩,以及夜曲中那种介于梦境与现实之间的精致哀愁。 2. 舒曼的“德意志精神”: 探讨他的器乐套曲(如《狂欢节》),解析他如何通过音乐中的“角色扮演”来构建一个完整的文学化音乐世界,以及对自由体裁的偏爱。 二、管弦乐的叙事革命:柏辽兹与瓦格纳 交响诗和“主导动机”的运用,极大地拓宽了音乐的叙事边界。 1. 柏辽兹的“意象”构建: 详细分析《幻想交响曲》,探讨“固定音型”如何实现对特定人物或情感的持续追踪,以及配器法上的大胆创新,如何塑造前所未有的音响景观。 2. 瓦格纳的“乐剧”理念: 探讨其“总体艺术作品”的构想,重点分析其和声语言(如《特里斯坦与伊索尔德》中的“特里斯坦和弦”)如何模糊了终止感,使音乐的张力得以无限延续。 三、民族主义与晚期浪漫的辉煌 本部分关注欧洲各地作曲家如何将本土民间音乐和历史融入宏大的交响结构。 1. 俄罗斯五人组的探索: 以穆索尔斯基的《图画展览会》为例,分析如何将视觉艺术转化为音乐语汇,展现对本国民族性格的热情描绘。 2. 马勒的“世界交响曲”: 探讨马勒晚期交响曲中对人生、死亡和自然界的大胆探讨,以及他如何将民歌、军乐等“非古典”元素纳入严肃的交响结构中,达到极度的个人化表达。 结语:通往现代的门槛 从古典的秩序到浪漫的激情,音乐在十九世纪末达到了其表现力的巅峰。但这种极致的个人化和和声的复杂化,也孕育了对新秩序的渴望,为二十世纪的现代主义音乐探索埋下了伏笔。本书的收尾,将简要展望德彪西等人的印象主义尝试,预示着音乐语汇的下一次重大变革。 --- 本书特色: 结构清晰的年代划分: 帮助读者建立清晰的时间认知框架。 核心作品深度解析: 聚焦于最具代表性的十余部作品,避免泛泛而谈。 理论与历史的结合: 不仅讲述“谁写了什么”,更深入探讨“他们是如何写出来的”以及“这在历史上意味着什么”。 丰富的注释与图表: 包含关键和声进行、曲式结构图解,便于理解复杂的音乐概念。 专业术语的通俗解释: 确保非专业读者也能领略古典音乐的深层魅力。

用户评价

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这本书的装帧和设计真的让人眼前一亮,那种典雅中带着一丝活泼的气息,完全符合古典音乐入门读物的气质。纸张的质感摸上去很舒服,印刷的色彩过渡自然,即便是那些复杂的乐谱符号,看起来也清晰不费力。我尤其欣赏它在排版上的用心,留白处理得恰到好处,阅读起来一点也不觉得拥挤,即便是初学者面对厚厚的乐谱也不会产生畏难情绪。封面设计上,那种古典的字体搭配现代的插图风格,巧妙地平衡了传统与新潮,让人立刻就能感受到这是一本旨在引导孩子进入音乐世界的“友好之书”。细节之处体现了出版方对读者的尊重,比如书脊的牢固程度,翻阅多次也不会轻易松散,这对于一本需要反复使用的教材来说至关重要。总的来说,它给我的第一印象就是“用心制作”,是那种愿意长期陪伴学习者的伙伴,而不是一本随便印制的工具书。这种对实物品质的关注,极大地提升了学习的愉悦感,让孩子在拿起书本的那一刻,就已经被音乐的美好所吸引了。

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这本书的实用性毋庸置疑,但真正让我感到惊喜的是它在拓展学习视野方面的努力。虽然它是一本基础入门教材,但字里行间透露出对更高阶音乐素养的引导。它巧妙地在基础练习中植入了对不同音乐时期风格的初步认知,比如在某个练习中,会附带一句关于那个旋律可能属于哪个时代风格的提示,虽然简短,却为日后的深入学习埋下了伏笔。这是一种非常高明的做法,避免了入门教材过于局限的问题。而且,它在关于如何“聆听”音乐的部分,提供了很多启发性的思考方向,比如如何区分不同乐器的音色,如何捕捉音乐中的情绪变化等,这些都是超越了纯粹指法训练的宝贵财富。可以说,它不仅在教你“怎么弹”,更在引导你“如何去理解音乐”。对于想要培养孩子真正音乐素养的家庭来说,这一点价值千金。

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从一个读者的角度来看,这本书的“用户体验”设计达到了一个很高的水准。无论是从体力上的舒适度(纸张、装帧),还是从精神层面的友好度(讲解方式、趣味性),它都做到了极佳的平衡。很少有教材能做到如此清晰地划分出“必须掌握的基础”和“可以拓展探索的内容”。很多入门书为了追求全面性,反而显得头重脚轻,但这本书的结构组织非常合理,每一步都有明确的目标和检验标准。对于我个人而言,最赞赏的是它没有过度依赖电子附属品(虽然附带了CD,但书本身的内容依然完整且独立),确保了即使没有播放设备,学习过程也不会被打断。它给人的感觉是,这是一位经验丰富、富有耐心的良师,用最清晰的语言和最贴心的设计,为你铺设通往音乐殿堂的第一段坚实阶梯。这是一套真正能让人安心投入学习的教材。

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我带着我家那位刚开始接触钢琴的小家伙一起研究这本书,他的反应倒是比我预期的要积极得多。这本书在讲解基础概念时,那种循序渐进的处理方式非常到位,它不是简单地抛出一个又一个枯燥的术语,而是用非常生动形象的比喻将它们串联起来。比如讲解节奏型的部分,作者似乎很懂得如何与孩子“对话”,用生活中的场景来类比音符的长短和强弱,一下子就抓住了孩子的注意力。更让我欣慰的是,它没有一味地追求速度和难度,而是非常注重“乐感”的培养。书里穿插的一些小故事和音乐背景知识,极大地丰富了练习的内涵,让孩子明白他们弹奏的不仅仅是黑白键上的符号,而是在讲述一个完整的故事。对于我们这些陪读的家长来说,它提供的指导性意见也非常清晰,即便是音乐基础不扎实的家长,也能大致明白孩子在哪方面需要加强和鼓励。这种将理论与实践、知识与趣味完美结合的编排,实在值得称赞。

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作为一名对音乐教育有一定了解的人,我非常关注教材的教学法是否与时俱进。这本书在这方面做得相当出色,它摆脱了过去那种填鸭式的、强调机械模仿的练习模式。它似乎更强调“主动探索”,鼓励学习者去“听”他们正在弹奏的声音,去感受旋律的流动和和声的变化。书中的练习曲目选择上,也明显是经过精心挑选的,它们难度跨度自然,每完成一个小阶段的练习,都能带来明显的成就感,这对于维持学习的积极性至关重要。我特别喜欢它在引入新的技巧时,总是先用一个非常短小但意境丰富的片段来展示这个技巧在实际音乐中的作用,而不是先给出大量的、脱离音乐背景的指法练习。这种“情景导入”的方式,让学习不再是枯燥的技能习得,而更像是一场探索音乐世界的奇妙旅程。整体的教学逻辑非常连贯且富有逻辑性。

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