正版单簧管独奏世界浪漫名曲简易版 初学 入门曲谱教程书籍教材 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

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阿提姆瓦西列夫 编

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店铺： 海源阁图书专营店

出版社： 上海音乐学院出版社

ISBN：9787807518457

商品编码：29867033054

丛书名： 单簧管独奏世界浪漫名曲(简易版)

开本：8开

出版时间：2011-08-01

 

 

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目录

 

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裸体歌舞No．1
月光(选自《贝加莫斯卡组曲》)
F大调旋律
爱之梦No．3
圆舞曲
夜曲
威仪堂堂进行曲
前奏曲No．4(选自《28首前奏曲》)
罗密欧与朱丽叶序曲
梦幻曲(选自《童年情景》)
婚礼进行曲(选自《仲夏夜之梦》)
《鳟鱼五重奏》主题旋律

 

 

 

 

内容提要

 

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本书内容有：鳟鱼五重奏（舒伯特曲）、月光（德彪西曲）、爱之梦（李斯特曲）、婚礼进行曲（门德尔松曲）、梦幻曲（舒曼曲）、罗密欧与朱丽叶、（柴科夫斯基曲）。

 

编辑推荐

 

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12首浪漫名曲独奏
世界*作曲家的作品
简易改编呈现于世
CD伴奏音轨重现美妙音响
为独奏编配了完整管弦乐伴奏
CD含所有乐器示范演奏MP3
作品均由当代演奏家倾情示范录制
另含钢琴伴奏乐谱供参考使用。

 

 

好的，这是一份关于其他类型图书的详细简介，内容侧重于不同领域，力求详尽且自然流畅： --- 精装珍藏版：文艺复兴至巴洛克时期欧洲室内乐的演变与实践 作者： 艾尔莎·凡德比尔特 页数： 680页（含大量乐谱节选与历史图片） 尺寸： 220mm x 297mm (A4大开本) 装帧： 丝绒布面精装，烫金字体，内含防潮衬纸 本书是一部深度剖析文艺复兴晚期至巴洛克盛期（约1550年至1750年）欧洲室内乐发展脉络的权威著作。作者艾尔莎·凡德比尔特，现任职于维也纳音乐史研究所，以其严谨的学术态度和对早期乐器演奏实践的深刻理解，为读者构建了一个宏大而细腻的音乐图景。 第一部分：乐汇的源流与早期探索（1550-1620） 本部分着重考察了“协奏曲”（Concerto）概念在早期音乐中的萌芽。我们不再将目光局限于成熟的协奏曲形式，而是深入研究了如“Venetian School”（威尼斯画派）的作曲家（如加布里埃利兄弟）如何运用空间布局和不同乐器组的对比来创造音响奇观。书中详细分析了五部具有里程碑意义的合奏作品，探讨了“色彩”（Color）在器乐织体构建中的核心作用，这与同期对位技术的严肃性形成了鲜明的对比。 此外，本书对“里切卡尔”（Ricercar）和“幻想曲”（Fantasia）进行了详尽的比较分析，揭示了这些即兴性较强的体裁如何成为后来奏鸣曲和赋格曲的理论基础。书中特别收录了多份首次翻译的早期手稿注释，阐释了当时演奏者在力度变化（dinamica）和装饰音处理上的灵活度，这远超后世刻板的记谱要求。 第二部分：巴洛克中期的核心：奏鸣曲与三重奏的黄金时代（1650-1720） 这一章节是全书的重点，聚焦于奏鸣曲（Sonata）体裁的成熟。本书系统梳理了意大利索纳塔（Sonata da Chiesa, Sonata da Camera）与法国歌剧序曲风格对器乐作品的反哺作用。我们探讨了阿卡迪亚学派（Arcadian Academy）对音乐中“自然性”与“清晰度”的追求，以及它如何影响了科雷利和维瓦尔第的写作手法。 重点分析案例包括：科雷利《大协奏曲，Op. 6》中对独奏组（Concertino）与合奏组（Ripieno）平衡的精妙处理；以及巴赫早期在魏玛时期为管风琴创作的室内乐性奏鸣曲，展示了对位技巧如何渗透到结构布局之中。书中特别辨析了“奏鸣曲”一词在不同地域的指代差异，避免了现代术语对历史实践的误读。 第三部分：风格的融合与巅峰的抵达（1700-1750） 进入巴洛克晚期，欧洲音乐中心逐渐东移。本部分详述了法国路易十四宫廷音乐对“抒情性”的偏好如何与德意志地区的“结构严谨性”产生化学反应。我们对洪堡（Humboldt）宫廷乐团的编制进行了重建性考察，分析了当时管弦乐团的实际音响特点——这对于理解巴赫的《布兰登堡协奏曲》至关重要。 本书最具开创性的部分在于对“装饰音的自主性”的讨论。通过对比同一乐段在不同抄本中的处理方式，本书论证了巴赫、亨德尔等大师并非简单地“允许”即兴，而是将装饰音视为乐句呼吸和情感表达不可或缺的一部分。书中提供了大量对比乐谱，并附有对特定装饰音符号（如appoggiatura和mordent）在不同语境下的具体演奏建议，这些建议基于对当时器乐演奏法手册的考证。 附录与工具书部分： 本书的实用价值极高，附带了详尽的索引、术语对照表（意大利语、法语、德语），以及一份珍稀的早期器乐法手册摘录。特别值得一提的是，附录中包含了对“维奥尔琴”（Viola da Gamba）在室内乐中角色变迁的专题研究，解析了它如何逐渐被“小提琴家族”所取代的过程，并分析了这种更替对音色和演奏技巧带来的实质性影响。 阅读群体： 本册书籍适合对早期音乐史有深入研究意愿的音乐学院学生、专业演奏家、指挥家，以及对欧洲古典艺术史有浓厚兴趣的严肃读者。它要求读者具备一定的乐理基础，但其清晰的叙事结构和丰富的图表解析，确保了专业内容的易读性。它不是一本入门手册，而是一扇通往理解巴洛克室内乐精神内核的沉浸式窗口。 --- 当代哲学思辨：技术异化与后人类主体性研究 作者： 梁志远 出版社： 远方视野文化 ISBN： 978-7-5309-XXX-X 字数： 450,000字 本书是一部立足于当代信息社会语境下，对技术进步与人类存在状态进行深刻反思的哲学著作。作者梁志远教授，以其跨学科的知识背景——融合了现象学、结构主义和当代批判理论——构建了一套系统性的分析框架，探讨数字技术如何重塑我们的感知、记忆乃至伦理判断。 第一章：技术本体论的回归：海德格尔的修正与赛博格的召唤 本书开篇即挑战了将技术简单视为中立工具的传统观点。作者追溯了海德格尔“座架”（Gestell）的概念，但主张在后摩尔定律时代，我们必须引入“算法的座架”（Algorithmic Gestell）。算法不再仅仅是“显现”的方式，它们本身构成了新的实在界。本章通过分析“深度学习”模型如何生成“似是而非的真实”，揭示了主体在面对高维度数据流时的认知失能。 第二章：身体的分解与数字化的临界点 着重探讨了身体在虚拟现实（VR）、增强现实（AR）以及日常生物反馈监测设备中的角色转变。作者引入了德勒兹关于“无器官身体”（Body without Organs）的讨论，并将其应用于对“穿戴设备”（Wearables）的批判性考察。当我们的生理数据成为持续被监测和预测的对象时，“自律性”是否被技术性地侵蚀？本书认为，数字化的身体正走向一个“可塑的临界点”，在此点上，身体的边界不再由皮肤界定，而是由接入协议决定。 第三章：记忆的公共化与遗忘的困境 本书细致考察了“云端记忆”对个人主体性的冲击。社交媒体平台和永久记录的数字档案，使得个体的“遗忘权”面临严峻挑战。作者援引了福柯的“全景敞视监狱”理论，并将其升级为“全景记忆监狱”。记忆不再是私密的、可重构的叙事过程，而是被编码、存储并随时可供调用的公开数据包。这如何影响了身份的连续性与历史的真实性？ 第四章：伦理漂移：自主性、责任与黑箱决策 在人工智能日益介入关键决策领域（如医疗诊断、金融风控乃至司法量刑）的背景下，本章深入探讨了责任归属问题。当一个决策过程被复杂的、不可回溯的黑箱模型驱动时，传统的功利主义或道义论伦理框架是否失效？作者提出了“责任分散的异化”这一概念，并试图在分布式责任模型中寻找新的伦理锚点。 第五章：后人类主体性的重构：意义的重建 本书的结论部分并非宿命论地宣告人类的终结，而是探索在技术介入下，主体如何“带着伤口”继续前行。作者借鉴了列维纳斯的面容伦理学，思考在机器无法提供“他者面容”的意义世界中，我们如何重建人际间的真正联结。这要求一种审慎的乐观主义，一种对“非数字化经验”的价值的坚守与再发现。 本书特色： 本书拒绝使用简化或情绪化的语言，而是以严谨的逻辑链条，对当代最紧迫的哲学问题进行了系统性的梳理。它为那些在信息洪流中寻求思想立足点的读者，提供了一套强大的批判性工具。随书附赠一份对当代欧洲大陆哲学家关于技术影响的最新访谈录。 --- 世界建筑史：从古希腊神庙到现代主义的地域性表达 作者： 乔治·汉森 版本： 第三版（修订增补） 目标读者： 建筑学专业学生、城市规划师、文化人类学者 本书是对世界建筑史进行宏观梳理与微观剖析的经典教材。不同于侧重于风格流派的传统叙事，汉森教授的著作核心关注点在于“地域性”（Regionalism）与“技术-社会需求”的动态平衡。 核心论点：地域性并非复古，而是技术与文化适应性的体现。 内容概览： 中世纪的韧性与在地材料的运用： 本书跳脱了对哥特式教堂尖拱的迷恋，转而重点研究了地中海沿岸和北欧地区，当地的砖石结构如何应对不同的气候挑战。例如，书中对意大利托斯卡纳地区的“砖砌穹顶技术”进行了详细的结构力学分析，展示了其与拜占庭技术的区别与联系。对于木构建筑，则侧重于日本“曲木结构”和北欧“榫卯技术”在抗震和保温方面的精妙设计。 文艺复兴的光学错觉与空间秩序： 汉森教授对文艺复兴建筑的解读，聚焦于其如何试图通过精确的比例（如帕拉第奥的“神圣比例”）来“驯服”自然。书中详细分析了“错觉透视”在壁画和建筑立面设计中的应用，揭示了这种理性主义如何服务于新兴的世俗权力结构，而非仅仅是美学追求。 工业革命的挑战与“功能至上”的局限： 本书对19世纪末期的结构创新（如艾菲尔铁塔、玻璃与钢铁的应用）进行了评估，但随即转向批判“普适性风格”的失败。作者认为，将标准化的工业材料强加于不同文化和气候的地区，导致了建筑的“文化贫困”。书中对奥地利和德国的早期社会住宅运动的地域性尝试进行了深入的比较研究。 20世纪的现代主义的地域性“回归”： 本书对现代主义的批判性继承是其最引人注目的部分。作者认为，阿尔托（Alvar Aalto）在芬兰的实践，以及巴西现代主义建筑师对当地材料和光线敏感度的把握，标志着现代主义开始自我修正，重新拥抱“地方感”（Genius Loci）。书中以图文并茂的方式，详细对比了勒·柯布西耶在欧洲和印度（如艾哈迈达巴德）设计的差异，强调了气候适应性对建筑语汇的重塑作用。 当代建筑的“超地域性”与可持续发展： 收录了最新的案例分析，探讨在全球化背景下，建筑师如何平衡全球技术标准与地方生态需求的矛盾。特别关注了“被动式建筑设计”如何与传统夯土、竹材等在地技术进行融合，形成新的可持续地域主义范式。 本书特色： 本书的图文排版极为考究，收录了数百张清晰的结构剖面图、早期建筑手绘图以及当代项目的红外热成像分析图，帮助读者从结构、材料和环境三个维度理解建筑的“地方智慧”。

评分☆☆☆☆☆

说实话，我之前买过几本号称“入门”的教材，结果发现内容深度完全跟不上，要么就是选曲太幼稚，学了几页就觉得索然无味了，要么就是对技巧的讲解过于简略，导致我在一些关键的过渡期非常迷茫。然而，这本教材的编排逻辑真是让人眼前一亮。它不是简单地把难度增加，而是通过精妙的改编，让初学者也能成功演奏出那些宏大作品的“神韵”。我记得有一首改编自某位著名作曲家的小品，原版指法复杂到让人绝望，但这本书里的版本，用更简单的指型达成了几乎相同的听觉效果，这极大地提升了我的学习信心。此外，书中的排版设计也非常讲究，空白处留得恰到好处，读起来不费力，而且纸张的质量摸上去很舒服，长时间练习也不会反光刺眼。这种对细节的关注，体现了出版方对真正学习者的尊重。

评分☆☆☆☆☆

这本书简直是为我这种零基础的初学者量身定做的！我拿起单簧管才没多久，那些专业乐谱简直就是天书，各种复杂的指法和标记看得我头晕眼花。但是这本《世界浪漫名曲简易版》完全不一样，它把那些高大上的古典名曲拆解得非常友好，每一个音符都标得清清楚楚，连呼吸换气的地方都有明确的提示。我特别喜欢它选取的曲目，都是耳熟能详的经典，比如一些耳熟的圆舞曲或者小夜曲的改编版，旋律优美动听，一点也不枯燥。更棒的是，书里对基本功的讲解也非常到位，从正确的持琴姿势到口型调整，都配有清晰的图解，让我少走了很多弯路。我感觉自己每天都能看到明显的进步，不再是对着乐器发愁的“小白”了，而是真正开始享受音乐带来的快乐了。这本教材不仅是乐谱集，更像是一位耐心细致的私人老师，引导我稳扎稳打地迈入单簧管的世界。

评分☆☆☆☆☆

坦白说，市面上很多入门教材，要么就是太学术化，充满了德语或意大利语的术语，让人望而生畏；要么就是为了迎合“简易”二字，把乐曲改编得面目全非，失去了原作的美感。但这本教材在“简易”和“专业感”之间找到了一个绝佳的平衡点。它的指法标记清晰，避免了初学者因查阅复杂的指法表而中断演奏的流程，但同时，它对音符时值的处理、对基本节拍的把握，又都严格遵循了音乐的基本规范。这让我感到非常踏实，我知道自己正在学习的是正确、规范的音乐语言，而不是某种被过度简化的“玩具版”乐谱。这对于建立长远的演奏习惯至关重要。它让我相信，即使起点低，通过正确的方法，最终也能触及到更广阔的音乐世界。

评分☆☆☆☆☆

我是一个对音乐有强烈情感需求的学习者，我需要的不仅仅是机械地学习指法，更希望能通过乐器表达内心感受。这本书的选曲恰恰满足了我这一点。它聚焦于“浪漫名曲”，这些曲子本身就充满了叙事感和丰富的情感色彩。即便只是最简单的单音旋律，也能在演奏过程中体会到作曲家想要表达的那种温柔、忧郁或激昂。教材中附带的某些演奏建议（虽然是文字形式的），也常常点拨到演奏的“神韵”所在，比如在哪里需要更柔和地处理音色，哪里可以稍微拉长一点时间来增加戏剧性。这种侧重于音乐性而非纯技术性的教学方式，对我这种更看重艺术表达的业余爱好者来说，简直是如获至宝。它让我感觉自己不是在练习枯燥的音阶，而是在与大师的音乐进行一场跨越时空的对话。

评分☆☆☆☆☆

我通常下班后才有时间练习，时间零碎且精力有限，所以我非常看重教材的实用性和即时反馈效果。这本书最让我惊喜的一点是，它对每一个乐句的难度分层处理得非常巧妙。对于一些技术难点，它会立刻在旁边提供一个“替代方案”或者“练习提示”，而不是等到后面的章节才集中讲解。这种即时性的“支架式”教学，意味着我可以在遇到困难的当下就找到解决方案，避免了拖延和遗忘。而且，很多曲目的长度都非常适中，对于我这种只能抽出半小时练习的人来说，可以保证每天都能完成一个小段落的攻克，这种小小的成就感积累起来，就是巨大的动力。这本书的实用性体现在每一个精心设计的页面布局里，真正做到了把复杂知识点“化整为零”。