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店铺： 海源阁图书专营店

出版社： 上海音乐学院出版社

ISBN：9787806676677

商品编码：29867043282

丛书名： 练琴的艺术

开本：32开

出版时间：2005-06-01

 

 

目录 致谢
序一
序二
序三
引言
 1部分 出发点
 1章 相识自我
第二章 挣扎与自由
第二部分 十步进阶
第三章 伸展
第四章 静心
第五章 调整你的内心
第六章 基本机能
第七章 好奇的火花
第八章 三种方式的挣扎
第九章 简单朴实
第十章 纯粹的感知
第十一章 自发的洞察力
第十二章 起舞的身体
第十三章 用心灵演奏
第十四章 慷慨胸怀
跋
附录 参考资源

 

 

内容推荐 玛德琳娜·布鲁瑟尔在关于积极有效练琴的实践方式、心理途径和精神状态上多有创获，练琴向来被视为苦修，如今则成为了快乐有益的努力。本书将直接有助于达到这样一种境界。
我越来越意识到练琴不是强迫的劳作；我也越来越意识到，这是一种精致的艺术，它熔教学、灵感、忍耐、优雅、明澈、平衡于一炉。总而言之，是为了在运动和表现中求得更大的欢乐。这才是练琴的本真状态。
许多练琴者都像奴役般挣扎，忍受不断的失败，各种身心的疼痛乃至心理的抑郁。对此，布鲁瑟尔女士已有了正确的解脱法门，我对本书的问世不胜欣悦。 
本书从心理和生理两个方面来帮助读者克服困难，对各种乐器的演奏者都有一个普遍的指导。任何在练琴中遇到困惑的乐手，都可以从中得到启发。

 

奏响指尖的交响：深度解析钢琴演奏的精妙与心法 图书名称：《指尖的共鸣：从乐理基石到演奏哲学的蜕变之旅》 图书简介： 本书并非市面上常见的初学者钢琴教材，它更像是一本为所有致力于提升钢琴演奏深度与广度的学习者量身打造的“进阶工具箱”与“精神指南”。我们摒弃了枯燥的音阶与琶音指法教学，转而聚焦于钢琴艺术的核心理解、心理调适、以及跨越技术瓶颈的哲学思考。 第一部分：重构基础——超越指法的音响几何学 我们深知，扎实的技术是表达的载体，但理解其背后的原理，才能让技术拥有灵魂。本部分将深入探讨钢琴发声的物理机制与听觉心理学，帮助演奏者从“如何弹奏”跃升至“如何让声音说话”。 1.1 触键的微观世界：压力、速度与音色的光谱分析 动态的非线性感知： 探讨人耳对不同力度（如pp到ff）的感知差异，以及如何通过精准控制手指触键瞬间的速度矢量，实现音色的微妙过渡，而非仅仅依靠踏板的模糊处理。 重量的传递链： 详细解构从躯干、手臂、手腕到指尖的能量传递路径。分析不同演奏流派（如德奥学派与法兰西学派）在重量使用上的哲学差异，并提供针对性的身体校准练习，旨在消除不必要的肌肉紧张，实现“毫不费力的力量”。 “虚拟”踏板的构建： 深入研究延音踏板（Sustain Pedal）的使用禁忌与艺术拓展。教授“半踏”、“碎踏”在营造空间感和音响织体上的高级应用，强调踏板是声音的延伸，而非简单的混响器。 1.2 节奏的雕塑艺术：内在节拍与自由速度的张力 内在节拍器的建立： 如何摆脱机械节拍器的束缚，培养出不受外部干扰的、内在稳定的“时间感”。探讨巴赫复调音乐中“律动”（Pulsation）的意义。 速度的叙事性： 分析乐谱指示的“快板”、“行板”等术语背后的情感色彩。教授如何通过微小的速度变化（Rubato），为乐句注入呼吸感和戏剧张力，使演奏更具叙事性。 第二部分：诠释的迷宫——从音符到情感的解码工程 音乐的真正魅力在于其超越文字的表达能力。本部分致力于引导学习者掌握深度解读乐谱、构建个人化演奏观点的能力。 2.1 和声的建筑学与情绪地图 功能和声的深度挖掘： 不再停留在识别“主属和弦”，而是深入分析七和弦、九和弦、副属和弦在特定时期音乐中的功能与情绪暗示。例如，解析浪漫主义作品中不协和音的“渴望”与“解决”所带来的心理冲击。 调性色彩学： 探讨不同调性（如C大调的纯净与升F小调的幽暗）在历史语境下带给听众的潜意识影响。学习如何根据作品的调性特征，预设演奏的整体氛围。 2.2 结构分析与织体分离 多声部的层次划分： 在复调作品（如赋格、对位练习）中，如何清晰地“听见”并“弹奏”出旋律线之间的主次关系。提供“声部分离练习法”，使高音声部清晰、中音声部连贯、低音声部稳固。 乐句的呼吸与高潮点预测： 教授识别乐句的起点、转折点和终结点，像文学家一样布局句子的停顿与强调，确保音乐叙事的逻辑性与连贯性。 第三部分：演奏家的心理韧性与舞台心理解剖 技术问题往往源于心理障碍。本部分是本书的独特核心，专注于处理演奏过程中的焦虑、失误恐惧以及如何实现高效的日常练习。 3.1 克服“舞台黑洞”：焦虑的科学管理 生理机制解析： 解释肾上腺素在演奏中的双面性——既是激发潜能的燃料，也是导致颤抖和思维空白的元凶。提供基于呼吸科学的即时镇静技巧。 预演的心理模拟训练（Mental Rehearsal）： 详细指导如何进行高效的“闭目演练”。这不仅是重复听觉记忆，更是对触觉、视觉、听觉、情感的完整情境模拟，从而降低实际舞台的陌生感。 “失误共存”哲学： 颠覆对“零失误”的执念。教会演奏者在技术失误发生时，如何“无缝修复”——即如何让听众察觉不到错误的发生，保持音乐的完整性。 3.2 练习效率的革命：从时间投入到质量产出 目标导向的片段练习法（Chunking & Targeting）： 摒弃从头到尾的重复练习，专注于找出并攻克“问题节点”。提供录音自测与分析的标准化流程，将练习从“感觉驱动”转变为“数据驱动”。 专注力的阈值管理： 探讨如何最大化短时高强度练习的效能，避免长时间低效重复导致的肌肉疲劳和听觉麻木。 3.3 诠释的个人化：建立你的音乐身份 对话经典： 如何在学习前人伟大演奏家的诠释后，找到属于自己的声音？鼓励读者将自身的生命体验、文化背景融入到作品的再创作中，最终实现技术服务于个性表达的目的。 本书旨在陪伴有一定基础的学习者，跨越从“会弹”到“会演奏”的鸿沟，最终使每一次触键都成为一次深思熟虑、充满情感共鸣的艺术行为。它是一本关于钢琴的实践哲学，而非简单的入门手册。

评分☆☆☆☆☆

作为一名已经多年没有碰过钢琴的成年人，重拾乐器对我来说，最大的障碍就是“时间稀缺”和“成就感滞后”。我总觉得，我花半小时练习，结果还不如一个孩子五分钟的有效练习。这本书完全颠覆了我的这种焦虑。它用了很大的篇幅来讨论如何针对有限的时间进行“目标导向型”的碎片化练习，并提供了一套评估练习效果的内部标准，这个标准完全是主观和内在的，不以外界的掌声或快速的进度为衡量尺度。这一点对我意义非凡，它允许我按照自己的节奏来，只要我今天对某一个和弦的触感更清晰了，或者某段乐句的起承转合更自然了，就算是一次成功的练习。这种“内在反馈机制”的建立，极大地缓解了我的挫败感。书中的案例分析非常具有代表性，涵盖了从古典乐曲的难点攻克到即兴演奏的心理障碍，内容广度和深度都超乎我的预期。它不只是教你“怎么练”，更重要的是教你“如何与练琴这件事和平共处”。

评分☆☆☆☆☆

这本《练琴的艺术》真是一股清流，我拿到手的时候就被它简洁的封面设计吸引了。作为一名学琴多年的业余爱好者，我深知“练琴”二字背后的心酸与挣扎，很多时候，技巧上的瓶颈期比不上心态上的崩塌来得让人泄气。这本书没有过多地纠缠于枯燥的五线谱理论或是那些听起来高深的演奏技巧分析，而是非常接地气地探讨了我们日常练琴中遇到的那些“心魔”。比如，如何处理拉锯战式的重复练习？如何在高压的表演面前保持镇定？作者似乎洞察了每一个琴童和成人学习者内心的困扰，用一种近乎朋友间的娓娓道来的方式，把那些原本让人束手无策的心理障碍一一拆解开来。我尤其喜欢其中关于“专注力碎片化”的章节，它提供了一套非常实用的时间管理和精力分配方法，让我意识到，有效的练习时间远比总练习时长重要得多。它教会我的，不是“弹得更快更好”，而是“如何更聪明、更平静地面对我的钢琴”。这本书的价值，在于它修复了我对练琴这件事的负面认知，让原本带着点任务感的练习，逐渐变成了一种自我对话和情绪的出口。它更像是一本心灵鸡汤，只不过药方开得极其专业且精准，直击那些看不见的“内伤”。

评分☆☆☆☆☆

说实话，我对市面上那些动辄厚如砖头的“入门教程”大多敬而远之，因为它们往往假定读者拥有超乎常人的毅力和时间。然而，这本《练琴的艺术》——尽管名字听起来像是给高阶演奏家准备的——却意外地成了我的“救星”。我一直是那种“三天打鱼两天晒网”的典型，不是弹不下去，就是弹了没效果，然后就陷入自我怀疑的怪圈。这本书的切入点非常独特，它没有直接教你C大调音阶怎么跑，而是先跟你聊聊“你为什么想学钢琴”，以及“你对完美演奏的定义是不是太苛刻了”。它把钢琴学习的整个过程，从一个技能习得，提升到了一个自我完善和情绪管理的高度。阅读过程中，我感觉自己仿佛在和一位经验丰富、极富同理心的导师进行深度对话。它鼓励我们拥抱不完美，接受练习中的挫败感是通往进步的必经之路。这种心理建设的力量是巨大的，它让我不再恐惧拿起琴键，因为它提供的不是评判，而是理解和引导。对于基础知识的梳理，它也做得非常巧妙，不是堆砌知识点，而是将这些知识点融入到“如何有效练习”的语境中，让你明白每一个练习步骤背后的心理学逻辑。

评分☆☆☆☆☆

这本书的排版和文字的亲和力，让我感觉它不像是一本严肃的教材，更像是作者在深夜里为你点亮的一盏灯。它处理“练琴疲劳”和“学习倦怠”的方式尤其高明。它没有采用那种“咬牙坚持、强行突破”的口号式激励，而是深入分析了大脑在重复性劳动中产生的抗拒心理，并给出了科学的休息和切换练习内容的建议。我特别欣赏它对“演奏焦虑”的剖析，它将这种焦虑的根源追溯到童年时期被过度强调的“表现欲”和“服从性”，这一点触及了很多人内心深处最柔软和最抗拒的部分。通过引导读者识别和重塑这些早期的心理设定，这本书帮助我们真正把钢琴的学习目的，从“取悦他人”转变为“悦己”。读完后，我重新审视了自己放在架子上的那本旧的技巧书，感觉那些技巧不再是冰冷的符号，而是可以被用心灵去驾驭的工具。这是一本真正意义上能够让人“爱上练琴”的书，因为它先治愈了练琴者那颗容易受伤的心。

评分☆☆☆☆☆

我对技术层面的书籍通常抱有一种审慎的态度，因为文字描述终究无法替代实际的触键感和声音的反馈。但这本书的厉害之处在于，它成功地将“如何思考”和“如何弹奏”这两个维度紧密地结合了起来。它不直接告诉你手指应该怎么抬，而是探讨了当你感到手指僵硬时，你的思维模式可能出现了什么偏差。我特别欣赏它对“听觉专注力”的训练方法，这部分内容极其细腻，它引导读者去分辨自己弹出的声音中的每一个微小瑕疵，不是用批评的眼光，而是用探索者的好奇心。我尝试了书里介绍的一个“慢速沉浸式听音”练习，效果立竿见影，原本以为自己听得很仔细，但对照书中的要求去听时，才发现自己忽略了太多音符之间的呼吸和重量转移。这本书的语言风格非常清晰，逻辑层层递进，它不像传统的教材那样枯燥，反而充满了哲学思辨的味道，让人在阅读时也能感受到一种思维的舒展和放松。它真正做到了“以心驭手”，让技术服务于音乐的表达，而不是被技术本身所奴役。