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店铺： 海源阁图书专营店

出版社： 上海音乐出版社

ISBN：9787552304466

商品编码：29867044528

丛书名： 中国古典舞术语词典

出版时间：2014-10-01

艺术的边界与无限可能：一部探索全球舞蹈史与现代编舞哲学的深度著作 本书旨在为舞蹈艺术爱好者、研究者以及专业舞者提供一个宏大而精微的视角，审视舞蹈在全球范围内的发展脉络、理论基石及其在当代语境下的创新实践。我们拒绝固守某一特定流派或地域的藩篱，转而构建一个跨越文化、时间与风格的对话场域。 第一部分：失落的史诗——古代文明中的身体语言 本书的开篇将带领读者穿越时空，探寻人类文明早期舞蹈的起源与功能。我们聚焦于那些未被主流艺术史充分记录的领域，例如美索不达米亚的祭祀舞蹈符号，如何通过陶器和楔形文字的残片得以窥见其神圣的叙事结构；以及古埃及的葬礼仪式舞蹈，如何成为连接生者与冥界、维护宇宙秩序的媒介。 重点章节解析： 1. 美洲原住民的“活的档案”： 详细分析了阿兹特克、玛雅文明中，舞蹈如何作为口述历史的载体，记录战争、丰收与历法变迁。我们特别关注其空间布局、节奏模式与天文观测的关联性，揭示其超越娱乐性的哲学深度。 2. 地中海的律动：从狄俄尼索斯到罗马角斗场： 深入探讨古希腊悲剧中的合唱队舞蹈（Chorus Stasimon）的结构与情感张力，对比其在罗马帝国为满足帝国威权叙事而进行的“军事化、程式化”的演变过程。这部分将挑战“古典即完美”的刻板印象，展现舞蹈在权力结构下的异化。 第二部分：跨文化的熔炉——“东方”的身体哲学与技艺交汇 本书的第二部分将视线投向亚洲、非洲及中东地区，探讨这些区域迥异的身体感知体系如何塑造出独特的舞蹈美学。我们避免将这些体系简单归类为“异域风情”，而是将其视为与西方现代性并行不悖的成熟艺术形式。 深度剖析： 印度古典舞的“Rasika”理论： 不仅介绍不同“Bhava”（神态）和“Mudras”（手印）的传统语汇，更着重分析印度美学中“Rasa”（情味）的生成机制，即观众如何通过高度程式化的表演进入一种共同的情感共振状态。本书将对比南印与北印流派在“Tempo Rubato”（节奏的弹性处理）上的哲学差异。 东南亚宫廷舞蹈的“微观运动学”： 聚焦于爪哇、巴厘岛的舞蹈，分析其对手指、眼睑的极致控制，以及这种“极慢”的运动哲学如何体现了对时间流逝的深刻理解，与西方追求速度和爆发力的美学形成鲜明对比。 非洲部落舞蹈的“身体中心性”： 探讨非洲舞蹈中，躯干（Torso）作为情感和生命力的主要发声器官，如何与鼓点形成“呼应与抗衡”的关系。书中将引用人类学家观点，阐释其身体语言如何直接服务于社区凝聚与生命力的确认。 第三部分：现代性的冲击——从芭蕾体系的解构到当代舞蹈的诞生 本部分是全书的理论核心，聚焦于19世纪末至20世纪中叶，舞蹈艺术如何应对工业革命、两次世界大战以及弗洛伊德理论带来的认知颠覆。 核心议题： 1. 芭蕾“反叛者”的谱系： 详细梳理伊莎多拉·邓肯、洛伊·富勒等先驱者如何从古希腊理想、自然律动中汲取灵感，“拒绝紧身胸衣与足尖鞋”，寻求身体的自然解放。 2. “现代舞”的结构化： 深入分析玛莎·葛兰姆（Martha Graham）的“Contraction and Release”（收缩与释放）理论的生物力学基础，以及荷西·林蒙（José Limón）对“坠落与恢复”（Fall and Recovery）的哲学探讨。我们探究他们如何将内在心理体验转化为可被量化的、结构化的运动体系。 3. 欧洲的“非叙事”转向： 介绍欧洲大陆上兴起的反传统运动，特别是康宁汉（Merce Cunningham）的“机遇法则”（Chance Operations），以及他如何通过分离动作、音乐和舞台空间，挑战观众对舞蹈意义的既有期待。这部分将重点讨论“运动即是意义”的激进立场。 第四部分：当身体遭遇技术——当代编舞的边界实验 本书的最后部分着眼于当前，探讨21世纪初的舞蹈艺术如何与科技、社会议题、后人类主义思潮发生碰撞。 肢体与算法的共舞： 分析捕捉技术（Motion Capture）如何被编舞家用于创造“非人类”的运动轨迹，以及这是否削弱了“人类表演性”的核心价值。书中将引用多位数字媒体艺术家的案例，探讨虚拟身体与实体表演的张力。 “身体政治”的再审视： 探讨当代编舞如何直接介入性别、身份政治、环境危机等议题。例如，如何运用极简主义或极度冗余的身体行为，来批判消费主义下的“身体物化”现象。 剧场之外的剧场： 考察“场所特定舞蹈”（Site-Specific Dance）的兴起，分析当舞蹈离开传统剧场空间，进入公共广场、废弃工厂或自然环境时，环境如何反过来定义和重塑了舞者的动作逻辑与观众的观看经验。 结语：未完成的对话 本书并非提供一套“正确答案”，而是提供一把理解舞蹈世界复杂性的钥匙。我们相信，真正的舞蹈艺术存在于那些被固化体系所排斥、那些介于已知与未知的边缘地带。它是一种持续生成、永不满足于既有定义的生命实践。我们邀请读者，带着批判性的眼光，去聆听那些在历史尘埃中依然鲜活的、来自世界各地的身体发出的声音。

评分☆☆☆☆☆

我对这套教材中的“术语词典”部分给予极高的评价，这简直是为我们这些“半路出家”的舞者准备的及时雨。过去我在阅读一些舞蹈评论或者观看演出介绍时，常常会因为不理解某些专业术语而感到困惑，比如“精气神”、“圆춤”、“含蓄蕴藉”这些抽象的概念，往往只能停留在表面感受。但词典部分却将这些术语进行了精准的界定和溯源，使得我对中国古典舞的语言体系有了更深层次的理解。它不仅仅是名词的解释，更像是对一种文化现象的剖析。例如，它对“精”的解释，就结合了道家养生和戏曲身法的精髓，让我明白了古典舞的“美”绝非仅仅是外形的线条优美，更是一种内在生命力的流转。这种系统性的梳理，极大地提升了我欣赏和鉴赏古典舞作品的能力，从一个单纯的“观众”进阶到了一个能够进行初步“解读”的爱好者。这种对文化内涵的挖掘，远超出了普通技巧书的范畴。

评分☆☆☆☆☆

这套关于中国古典舞的书籍，对于我这样一个初学者来说，简直是开启了一扇通往古典美学的大门。我尤其欣赏它在基础训练部分的处理方式。不同于市面上很多强调“快速出效果”的教材，这里的讲解显得格外扎实和审慎。比如，在“移、旁、扣、 subrayar”这些基本功的分解动作描述上，作者几乎是带着手把手教学的耐心，对身体重心的转移、关节的松紧配合，都做了细致入微的图文解析。我记得光是“沉肩坠肘”这个看似简单的要求，书中就用近乎哲学思辨的笔触，阐述了它如何影响到整个手臂线条的韵味和力量的蓄发。我特别喜欢那种循序渐进的感觉，它不急于展示高难度的技巧，而是反复强调“根基要稳，意境要远”，这让我在练习时，不再是机械地模仿动作，而是开始思考每一个动作背后的气息和内在逻辑。对于那些希望系统、科学地打下古典舞底子的爱好者来说，这套书提供了非常清晰的路径图，让人感到每一步的付出都是有价值的，而且这种价值是长远的、可以内化的。

评分☆☆☆☆☆

这套丛书的整体编排风格非常独特，它不像一本冷冰冰的教科书，反而更像是一位经验丰富的老师，用一种非常古典、甚至带着点文人气质的方式与读者对话。尤其是在讨论到古典舞“意境”的塑造时，作者大量引用了中国传统诗词的意象来辅助说明。比如，当讲解如何表现“水袖”的动态时，会穿插引用李白的“飞流直下三千尺”的豪迈，或是苏轼的“一江春水向东流”的婉转。这种跨艺术领域的参照，极大地丰富了我的想象空间，也让我体会到中国古典舞如何根植于深厚的文化土壤。它成功地将“形体训练”提升到了“精神审美”的层面，让我明白了每一个手位、每一个眼神，都承载着千年文化赋予的象征意义。这使得学习过程本身就变成了一种精神享受，而非单纯的体力消耗。

评分☆☆☆☆☆

从一个纯粹的技法角度来看，这套教材的实用性毋庸置疑，但更让我感到惊喜的是它对于“中国化”的坚持和深度挖掘。许多现代舞蹈课程往往会引入一些国际化的训练模式，但这套书始终坚守着中国古典舞的文化内核。它详细地分析了古典舞与戏曲、武术之间错综复杂的关系，特别是对“趟马”、“圆场”等身法在不同艺术形式中的体现差异，做了清晰的对比。这种对比分析，帮助我厘清了古典舞作为独立艺术体系的独特价值和发展脉络。对于想要真正掌握“中国古典舞”精髓，而非仅仅学会一套优美身段的人来说，这种对源头和体系的尊重，才是最宝贵的财富。我感觉我手中的不只是一套练习指南，更是一部关于“中国之美”的文化史诗的导览图。

评分☆☆☆☆☆

读完《基础教程》的初期章节，我最大的感受是“慢即是快”的真谛。它并没有急于教授那些眼花缭乱的跳跃和旋转，而是将大量的篇幅用在了“身韵”的初步建立上。书中对“立、圆、曲、拧”这几个核心形态的阐述，反复强调了身体的“中正安舒”与“意念的引导”。特别是关于“立”的讲解，它不像其他教材那样只关注站姿是否笔直，而是探讨了如何通过对脊柱的微妙控制，让身体达到一种既稳定又充满弹性的状态。我尝试按照书中的建议，将注意力集中在呼吸与腰胯的联动上，奇迹般地发现，原本僵硬的躯干开始有了流动感。这种流动感并非刻意做出来的姿态，而是身体在符合其自然规律的前提下，被引导至最优美的状态。这种深入骨髓的调整，需要极大的耐心和反复的体悟，但书本提供的理论支撑，让我的每一次练习都有了明确的“靶心”。