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店铺： 海源阁图书专营店

出版社： 上海音乐出版社

ISBN：9787552304442

商品编码：29867060916

丛书名： 古典芭蕾基础教学法

出版时间：2014-07-01

 

 

《舞动之光：现代舞的探索与实践》 前言：时代的脉搏与身体的语言 舞蹈艺术是人类情感最直接、最本能的表达方式之一。如果说古典芭蕾以其严谨的规范和永恒的和谐定义了“美”的疆界，那么现代舞则如同奔涌的河流，不断冲刷着既有的界限，以更贴近时代精神、更具个人化的语汇，探索着人类经验的深度与广度。 本书《舞动之光：现代舞的探索与实践》，并非是对传统技法体系的复述，而是聚焦于二十世纪初至今，现代舞如何在艺术思潮的激荡中，一步步挣脱束缚，建立起一套既强调个体解放又充满哲学思辨的身体哲学与技术框架。我们旨在为舞蹈学习者、编舞者以及所有对身体表达艺术抱有热情的人们，提供一个理解和进入现代舞世界的独特视角。 第一部分：源起与思潮——挣脱束缚的先驱者 现代舞的诞生，是对工业革命后社会变迁、弗洛伊德心理学、尼采哲学以及东方美学思潮的深刻回应。它是一场反叛，是对僵化、程式化的古典美学的反抗，是对“自然”与“真实”的重新追寻。 第一章：伊莎多拉·邓肯与自然之舞 邓肯的“自由舞”是现代舞的第一个里程碑。她的核心理念是：身体是灵魂的自然流露，动作应源于内心深处的冲动，而非外部强加的造型。本章深入剖析了她对古希腊理想的崇拜、对自然律动的模仿（如海浪、风、树木的形态），以及她如何通过赤足、宽松的服装，回归身体最原始的状态。我们讨论她的教学实践——虽然系统性不足，但其思想的革命性意义——“让心智指挥身体的每一部分自由运动”。 第二章：格雷姆技术的确立与结构的力量 玛莎·格雷姆是现代舞技术体系化最成功的代表人物。她的技术并非是对自由的否定，而是以一种高度结构化的方式，将人类的内在冲突外化。本章将详尽解析“收缩与释放”（Contraction and Release）的核心原理。 “收缩”不仅是腹部肌肉的紧缩，更是对情感痛苦、挣扎与内省的具象化；“释放”则是爆发、宣泄与重获新生的过程。我们将细致考察格雷姆技术中对于呼吸的运用、螺旋（Spiral）的形成、以及对地面（Floor Work）的深度挖掘。这套技术体系是如何将叙事性转化为纯粹的身体能量场的。 第三章：荷斯技术与空间维度 荷斯（José Limón）技术，源于多丽丝·韩芙莉（Doris Humphrey）对重力与平衡的哲学思考。本章探讨“跌倒与恢复”（Fall and Recovery）的动态平衡哲学。它不再仅仅是抵抗重力，而是与重力共舞，在失衡的边缘寻找新的稳定点。我们分析Limón如何将重心转移、摆荡（Sway）以及对惯性的利用，融入到流畅的、歌唱性的动作序列中，这为现代舞注入了抒情性和人性化的深度。 第二部分：技术与实践——身体的语汇库 现代舞的技术是开放的、流动的，但成熟的技术体系是其持续发展的基石。本部分旨在建立一套理解和运用现代舞核心动作概念的框架，这些概念超越了特定流派的边界。 第四章：地面工作（Floor Work）的哲学与运用 与古典芭蕾将地面视为必须被征服和逃离的平面不同，现代舞将地面视为伙伴和支撑。本章详细阐述了如何安全有效地进行翻滚（Rolling）、滑动（Sliding）、旋转（Tilting）以及利用地面产生的反作用力进行跃升。这部分结合了当代编舞对地球引力的理解，强调身体与地面的对话，形成流畅的、低重心的运动。 第五章：即兴创作与动作研究（Movement Exploration） 现代舞的精髓在于探索“未知”的动作可能性。本章侧重于如何构建即兴练习，以激发内在的创造力。我们将介绍几种主要的即兴方法论： 1. 感官输入法： 通过听觉（音乐结构、白噪音）、视觉（光影变化、物体形状）或触觉（特定材质的布料）来启动动作。 2. 概念驱动法： 设定一个抽象概念（如“渗透”、“破碎”、“连接”），让身体去物理化地诠释它。 3. 排除法（Constraint）： 故意限制身体的某个部分（例如，只能用左侧身体运动），迫使大脑寻找非惯性的解决方案。 第六章：整合与转型——坎宁汉与后现代的视角 默斯·坎宁汉（Merce Cunningham）的出现，标志着现代舞进入了新的阶段，强调动作本身的中立性和非叙事性。本章分析他如何引入“机遇法则”（Chance Procedures）来决定动作序列、空间方位和时间结构，从而将编舞的意图与动作本身分离。这为后续的后现代舞蹈奠定了基础，即挑战“动作必须代表什么”这一传统观念。 第三部分：编舞与表达——思想的具象化 现代舞的最终目标是将深层的思想、社会评论或个人情感转化为可见的、有力量的身体文本。 第七章：空间几何与动态关系 现代舞的空间运用极为复杂。本章探讨如何超越传统的舞台中心和对称构图。我们将分析： 负空间（Negative Space）： 舞者间或舞者与环境之间留白区域的张力与意义。 线条的断裂与连续： 相比芭蕾的优雅长线，现代舞更偏爱锐利的、非人体的角度和瞬间的静止。 群组关系： 探讨群舞中如何运用“追随者-领导者”模式、连锁反应（Chain Reaction）以及集体意识的表达。 第八章：音乐与非音乐性表达 许多现代舞作品与传统意义上的音乐脱钩。本章研究： 1. 节奏的内部化： 动作的节奏来源于呼吸、心跳或内在的神经冲动，而非外部节拍。 2. 声音景观（Soundscape）： 如何运用环境音、电子音效、语言片段甚至沉默本身，来构建舞作的听觉世界。 3. 身体作为乐器： 探讨敲击皮肤、摩擦布料、脚步声等身体发出的物理声响，如何成为结构的一部分。 结语：永恒的未完成 现代舞永远处于“正在形成中”。它拒绝被最终定义，每一次呼吸、每一次跌倒、每一次实验，都在重塑其边界。本书所呈现的，并非一套可以被完全掌握的教条，而是一套工具箱，一套启发思维的哲学路径。掌握这些，舞者便能将自己的身体，转化为面对这个复杂世界时，最诚实、最富批判性的表达媒介。 --- （注：本书内容聚焦于现代舞的技术发展、哲学基础、编舞方法以及与古典体系的区分，完全不涉及任何古典芭蕾的基础教学法、教材或初学教程的具体内容。）

评分☆☆☆☆☆

这本书的装帧和纸张质量给我留下了不错的初步印象，拿在手里很有分量感，适合长期翻阅。我尝试用它来辅导一些准备考级的小朋友，希望书中简化的步骤能让他们更快上手。在对一些基础的旋转动作进行讲解时，我发现作者似乎在试图用最简单的语言来描述复杂的物理过程。比如，谈到“转的速度控制”时，书中只强调了“要保持核心稳定”，但对于如何预先积蓄力量，以及如何在旋转过程中通过手臂和视线（Spotting）的配合来克服离心力，几乎没有提及。这在实际教学中是行不通的，因为没有掌握这些技巧，孩子要么转不起来，要么就容易头晕摔倒。我不得不抛开书本，完全依赖我自己的经验来为孩子们做现场示范和即时纠正。这本书给出的建议，往往停留在表层，缺少对“力学原理”的支撑和对“常见错误”的预判及应对策略。它像是一张地图，指明了目的地，却漏掉了沿途重要的路标和交通规则，对于真正需要指导的实践者来说，其价值远低于那些更注重细节和理论深度的专业书籍。

评分☆☆☆☆☆

最近迷上了俄罗斯学派的古典技术，想找一些关于其精髓的书籍来拓宽视野。这本书的书名听起来宏大，涵盖了“古典芭蕾基础教学法”，我以为里面会收录不同流派的对比分析，或者至少对瓦岗诺娃体系中的某些独特技巧进行深入剖析。结果发现，这本书的内容似乎更偏向于一个综合性的、相对保守的教学框架。里面关于“脚踝力量的训练”那部分内容，描述得相当笼统，只是简单地提到了“要加强足弓的控制”，却完全没有提及如何通过特定的练习来激活深层小肌肉群，这一点在专业训练中至关重要。更令人费解的是，书中涉及到的音乐节拍和节奏训练部分，几乎是空白的，这对于理解古典芭蕾对音乐的精准把握是致命的缺陷。要知道，芭蕾的每一个动作都与音乐的内在律动紧密相连，没有对音乐的深入理解，技术永远只是僵硬的躯壳。这本书给我的感觉是，它在努力搭建一个框架，却忘记了填充支撑这个框架的核心“骨骼”——那些对技术细节的精准把控和对艺术性的融入思考。

评分☆☆☆☆☆

这本书的封面设计得非常精美，色彩搭配和谐，一看就知道是精心制作的。我对古典艺术一直抱有浓厚的兴趣，所以毫不犹豫地入手了。然而，当我翻开内页，那种期望值就开始悄悄地下降了。首先，排版上的一些小瑕疵让我有些困扰，比如字号的忽大忽小，以及某些章节之间的过渡显得有些生硬，缺乏行云流水的阅读体验。我原以为这是一本能系统梳理古典芭蕾发展脉络的学术性著作，能够提供一些深刻的理论洞察，或者至少包含一些富有启发性的历史轶事。但实际内容更像是零散的笔记集合，缺乏一条清晰的主线贯穿始终。比如，在谈及某位大师的教学理念时，描述得过于简略，没有深入挖掘其背后的哲学思考，让人感觉意犹未尽。而且，书中引用的参考资料和文献列表也显得有些单薄，对于想要进一步深挖主题的读者来说，指引性不足。总的来说，这本书在视觉传达上是成功的，但在内容的深度和广度上，未能达到一本“权威教材”应有的水准，更像是一本面向大众的入门速览册，而非专业人士案头必备的工具书。

评分☆☆☆☆☆

我是一个业余爱好者，学习芭蕾已经有几年时间了，一直希望能找到一本能真正帮助我修正基础姿态、提升技术层面的指导用书。在网上看到这本书的介绍时，它承诺了“基础教学法”的严谨性，这正是我所需要的。怀着这份期待，我仔细研读了其中关于“开、绷、直、立”的章节。说实话，图文并茂的展示是它的一大优点，那些分解动作的线条图画得相当清晰，对于理解肌肉的发力和关节的打开角度很有帮助。但是，当具体到动作的执行细节时，语言描述的精确性就暴露出了问题。比如，在描述“吸腹”和“沉肩”时，用了好几个近义词来反复强调，但对于“究竟应该如何感知这种感觉”的描述却非常抽象，缺乏一个“过来人”才能提供的、基于身体体验的有效反馈点。我尝试对照书中的建议来做“扶把位”练习，发现很多时候，文字的指导和身体的实际反应之间存在着一种难以跨越的鸿沟。它更像是记录了“应该做什么”，而不是教会你“如何去做”以及“做错了该如何调整”。对于需要细致纠错的初学者来说，这种指导的有效性大打折扣，感觉自己仿佛在听一个只会背诵口诀但不懂实践的教练的讲解。

评分☆☆☆☆☆

我是一名舞蹈专业的学生，在备考某个进阶课程时，希望能找到一些能深化我对“审美”和“舞台表现力”理解的书籍。我翻阅了本书中关于“艺术修养”和“角色塑造”的章节，期待能从中汲取一些表演的灵感，了解前辈艺术家是如何看待古典芭蕾的抒情性。然而，这部分内容写得尤为平淡，几乎可以说是空洞。它只是泛泛而谈“要充满情感”、“要学会表达”，却没有给出任何具体的分析案例，比如，如何通过手臂的微小变化来体现角色的喜悦或忧伤，或者在特定乐段中，如何运用身体的重心转移来增强戏剧张力。这些都是舞台上区分“技术合格”与“艺术卓越”的关键点。读完后，我感觉自己对技术动作的理解并没有因此得到提升，反倒是对如何将这些技术转化为富有感染力的表演艺术，依然感到一片迷茫。这本书似乎更专注于“如何把腿抬高”，而不是“为什么要抬高腿，以及抬高后你想说什么”。它更像是一本为绝对初学者准备的“安全指南”，而不是能引导人进入艺术殿堂的“灯塔”。