单人舞编舞技法张守和附2DVD 正版编舞技法系列教程 编舞蹈教程 舞蹈舞编教材 教程 编排 上海音乐 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

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店铺： 海源阁图书专营店

出版社： 1

ISBN：2889285864457

商品编码：29867393999

舞者的心之所向：当代舞蹈的多元探索与实践 本书聚焦于当代舞蹈领域，旨在为学习者和专业人士提供一个广阔的视野和深入的实践指导，探讨舞蹈创作的多个维度，而非局限于特定名家的特定技法体系。我们将跨越流派、融合风格，深入剖析现代舞蹈、当代芭蕾、即兴创作以及剧场性构建等核心议题。 第一章：现代舞的源流与身体语言的重塑 本章将追溯现代舞自二十世纪初以来的发展脉络，重点解析玛莎·葛兰姆（Martha Graham）、荷西·林蒙（José Limón）以及默斯·坎宁汉（Merce Cunningham）等先驱的哲学基础和技术体系。我们不会停留在对既有动作的模仿，而是深入探讨他们如何从古典芭蕾中解放身体，建立起一套全新的“人”的动作词汇。 核心内容： 1. 呼吸与重力（Breath and Gravity）： 探讨葛兰姆的“收缩与释放”（Contraction and Release）如何成为情感表达的内在动力，以及林蒙技术中对呼吸在动作启动与连接中的关键作用。分析身体如何在重力场中寻求平衡、抵抗与顺从，构建出具有张力的空间形态。 2. 空间与时间概念的颠覆： 深入研究坎宁汉对“偶然性”（Chance Operations）和“非叙事性”（Non-narrative）的运用。理解舞蹈动作如何脱离音乐的束缚，独立存在于舞台空间中，以及如何利用舞台的维度（前、中、后景，上下）来构建视觉层次。 3. 即兴与生成性： 引入接触即兴（Contact Improvisation）的基础原则，讲解如何通过身体的物理接触、重量转移和动态平衡，在当下环境中生成新的、不可预设的动作序列。强调倾听身体与伙伴的对话，而非预设的编排意图。 第二章：当代芭蕾的解构与再语境化 当代芭蕾并非古典芭蕾的简单延伸，它是在批判性继承的基础上，对古典语汇进行解构、拉伸和重组的过程。本章旨在解析如何将古典训练的精确性与当代观念的自由性相结合。 核心内容： 1. 古典语汇的“异化”： 分析威廉·福赛斯（William Forsythe）对旋转、平衡和线条的极端化处理。探讨如何通过加速、失衡、扭曲和重复，使观众熟悉的古典动作产生陌生的张力感和视觉冲击力。 2. 地板工作与轴线转换： 研究当代舞中常见的大幅度地面动作（Floor Work）如何被整合进芭蕾的肢体美学中。重点讲解如何安全、流畅地完成从站立到地面的转换（Level Changes），以及在不同平面上保持身体的清晰度。 3. 身体的中心与周边： 探讨身体核心力量（Core Strength）在维持复杂动作序列中的重要性，以及如何通过外周肢体（手臂、腿、头部）的独立运动，创造出多重焦点和复杂的空间轨迹。 第三章：跨媒介合作与剧场性构建 舞蹈的呈现早已超越了单纯的舞台表演，它与科技、视觉艺术、声音景观的融合成为当代创作的重要趋势。本章关注如何构建一个具有整体审美和概念深度的剧场作品。 核心内容： 1. 声音景观的设计： 不再局限于传统音乐的伴奏，本章探讨如何运用环境音效、电子合成乐、白噪音甚至无声元素来引导观众的情绪和注意力。分析声音与动作的同步、对抗或错位如何服务于作品的主题。 2. 视觉元素与空间装置： 讨论灯光设计、投影媒体（Video Projection）和舞台装置在塑造氛围和叙事中的作用。如何利用光影来分割空间、强调或隐藏舞者的身体，以及如何将装置本身转化为与舞者互动的“角色”。 3. 叙事性与非叙事性的选择： 探讨叙事性舞蹈（Narrative Dance）与纯粹的“在场性”（Presence）表达之间的张力。分析如何通过符号学、意象堆叠或重复的行为模式来建立起观众可感知的“意义场域”，即便没有清晰的故事情节。 第四章：创作方法论：从概念到实践的转化 本章聚焦于编舞的实际操作层面，提供一系列结构化的方法论，帮助创作者将抽象的灵感转化为具体的、可执行的舞台作品。 核心内容： 1. 素材的搜集与提炼： 介绍多种搜集动作素材的方法，包括角色扮演法、运动观察法（Observational Movement）以及基于特定限制（Constraints）的创作练习。 2. 结构与形式的搭建： 讲解常见的舞蹈结构模型，如A-B-A三段式、序列递进、主题变奏等。重点讨论如何在不牺牲艺术自由的前提下，为作品建立起清晰的内在逻辑和节奏感。 3. 排练室的动态管理： 探讨与舞者合作的有效方式。如何清晰地传达抽象的观念？如何处理不同技术背景舞者的差异？以及如何在排练过程中保持创作的活力和开放性，避免陷入僵化的重复。 第五章：舞蹈身体的哲学反思与伦理考量 优秀的舞蹈创作必然伴随着对身体、表演和文化角色的深刻反思。本章引导创作者跳出技术层面，思考舞蹈在社会文化中的位置。 核心内容： 1. 身体政治学（Politics of the Body）： 探讨舞蹈如何反映或挑战主流文化对性别、种族和身体标准的界定。分析“何种身体才‘适合’跳舞”这一议题的伦理困境。 2. 观众与在场体验： 研究表演的发生性（The happening）——即舞蹈作为一种转瞬即逝的艺术形式，它如何与观众建立起独特的、不可复制的共同体验。分析“第四面墙”的打破与重构。 3. 对“原创性”的审视： 在一个信息高度共享的时代，如何定位自身的“声音”？本章鼓励创作者从对前人的致敬中汲取养分，并发展出具有个人印记的、不被完全归类的身体语言。 本书旨在提供一个开放的知识平台，鼓励学习者和创作者在掌握扎实技术的基础上，勇敢地进行跨界实验、概念探索和个人表达，最终形成独树一帜的当代舞蹈实践。

评分☆☆☆☆☆

这本书的装帧设计相当精美，封面色彩的搭配既有古典的韵味又不失现代的活力，拿到手里就能感受到出版方在细节上的用心。光是翻阅目录，就能感受到作者在舞蹈编排这个领域里探索的深度和广度。我特别欣赏它将理论与实践相结合的编排思路，很多舞蹈教学书籍往往过于侧重某一方面，要么是晦涩难懂的理论堆砌，要么是缺乏系统性的动作示范。但这本书似乎找到了一个很好的平衡点，它没有急于抛出复杂的概念，而是用一种循序渐进的方式，带领读者领略编舞的内在逻辑。尤其是对于初学者来说，这种结构清晰的引导至关重要，它能帮助新手建立起一个初步的、扎实的知识框架，避免在学习过程中迷失方向。我期待着能够深入研究它的章节安排，看看作者是如何将抽象的“艺术构思”转化为具体的“技术步骤”的。从排版上看，字体选择和行间距都非常适宜长时间阅读，这对于需要反复研读的专业教材来说，无疑是一个加分项，显示了出版方对读者体验的重视。

评分☆☆☆☆☆

坦白说，我对舞蹈教学法中那些偏重“感觉”和“启发”的部分往往持保留态度，因为它们太依赖于授课者的个人魅力和经验，难以标准化和复制。我更偏爱那种能清晰拆解步骤、明确指出训练目标的教程。这本书如果能做到这一点，那它将是难得的优秀教材。我希望它能像解剖学图谱一样，将一个复杂的舞蹈段落，分解为最基础的运动单元、情感节点和空间轨迹。我希望看到明确的“如果达到A效果，应该采取B的技术路径”这样的逻辑链条。我经常发现很多教程在讲到高潮部分的衔接时，总会突然变得含糊其辞，仿佛秘密只掌握在少数人手中。我期待这本书能打破这种壁垒，用清晰、严谨的语言，揭示出成功的编排背后的通用规律。只有当规律被掌握后，创新才有了更坚实的基础，而不是盲目的尝试。

评分☆☆☆☆☆

从我过去阅读各类艺术教程的经验来看，很多教材的局限性在于它们往往只关注一种成熟的风格或流派，对“风格演变”和“个性化发展”讨论不足。我希望这本书能提供一个更具包容性的视角，不将任何一种编舞风格视为终极真理。我希望看到作者如何引导读者批判性地看待既有的经典作品，并鼓励他们去探索自己的“声音”。例如，书中是否探讨了如何在继承传统语汇的基础上，注入强烈的个人印记？一个成功的编舞者，最终需要形成自己独特的签名式动作或叙事方式。如果这本书能提供一些关于如何进行“自我风格调试”的练习或者思考方向，那它就从一本技法书提升到了哲学层面。我需要的是一把钥匙，能打开通往我自身创造力的那扇门，而不仅仅是另一套现成的工具箱。我期待它能激发我思考：我自己的舞蹈语言应该是什么样的？

评分☆☆☆☆☆

我最近在钻研如何将现代舞的肢体语言融入到古典舞的叙事结构中，这是一个非常具有挑战性的跨界课题。市面上关于纯粹古典舞技巧的书籍汗牛充栋，但真正能谈及“融合”与“创新”的教材却凤毛麟角。这本书的副标题中透露出的那种对“技法”的深入剖析，让我燃起了强烈的兴趣。我希望它能在处理不同舞蹈语汇的冲突与和谐上提供一些独到的见解。例如，当一个高度程式化的古典手位需要与一个极度自由的现代舞姿态对接时，中间的过渡点和情感的支撑在哪里？这本书是否能提供一套可供参考的、经过实践检验的“转译”方法论？我非常看重实战性，如果书中有大量的案例分析，比如对某几个著名段落的解构与重组，那就太棒了。如果它只是泛泛而谈，那它的价值就会大打折扣。我对“编舞”的理解，很大程度上依赖于对“结构”的把握，希望这本书能在这方面给予我更坚实的理论后盾，让我不再仅仅依赖于直觉去进行创作。

评分☆☆☆☆☆

作为一名长期从事舞台美术设计的专业人士，我关注的重点往往在“呈现”而非“创作过程”。然而，一个优秀的舞台作品，其核心驱动力必然来自于扎实的编排。我希望这本书能够提供一些关于如何与编舞者进行有效沟通的视角。比如，当我在思考灯光设计、服装概念或是场景转换时，我需要理解编舞者在每一个动作序列背后隐藏的“意图”和“节奏感”。这本书如果能深入探讨编舞如何影响空间运用和时间感知的处理，那将对我拓宽设计思路大有裨益。我尤其好奇，书中是否探讨了如何将非舞蹈元素（如多媒体、装置艺术）融入到舞蹈结构中去，并保持舞蹈本体的纯粹性。一个好的编舞教程不应该只局限于舞者本身，它应该是一座连接不同舞台艺术门类的桥梁。如果它能提供一些跨学科合作的范例或思考框架，那它的价值就远远超出了舞蹈教学本身的范畴。