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店铺： 海源阁图书专营店

出版社： 上海音乐出版社

ISBN：9787552305500

商品编码：29867393119

丛书名： 现代钢琴演奏技巧

价格 ￥81.00 套餐价 67.50元 弹琴三大宝：哈农拜厄599

 

目录

莱默尔一吉泽金钢琴教学法导读
第-编
序
第三版序
一、我的钢琴教学法的基础
二、实例讲解
1．勒伯特一施塔克的《练习曲》
2．J．S．巴赫的《C大调创意曲》
3．J．s．巴赫的《c大调三部创意曲》
4．贝多芬的《f小调奏鸣曲》作品2之l
三、自然的音乐表现
四、关于练琴
五、关于专门性技巧的练习
1．练习曲
2．音阶
3．分解和弦
4．和弦
5．颤音
6．动作的平稳
附录：贝多芬《f小调奏鸣曲》作品2之一
第二编
节奏、力度、踏板及钢琴演奏的其他问题
一、J．S．巴赫《法国组曲》中《阿勒芒德舞曲》的读谱记忆指导
巴赫《法国组曲》中的《阿勒芒德舞曲》
二、用头脑掌握钢琴演奏的技巧
三、节奏
1．教学提示
2．二连音、四连音等其他连音
3．弱起
4．切分音
5．速度
四、力度
五、触键方式
1．自由落键方式
2．掷与击、起落方式
3．滚动方式
4．贴键方式
5．运用触键方式的基本要点
6．演奏姿势
7．连奏
8．非连奏、半连奏、断奏
9．技术练习中的触键方式运用
10．八度、六度和三度
11．对位演奏及分句时的触键
六、分句
1．乐谱中的分旬标记
2．音乐表现中的分句
七、踏板
1．为聚合声音而运用踏板
2．为获得手指无法达到的连接效果而运用踏板
3．为突出不同和弦的色彩特征而运用踏板
译后记

 

在器乐演奏中，如果演奏者在乐谱中一遇到较难的技巧，便强调演奏技巧的科学处理，这样很容易导致技巧练习与钢琴演奏整体过程的分离。卡尔·莱默尔、瓦尔特·吉泽金编著的《现代钢琴演奏技巧(原版引进)》详述当代钢琴演奏技巧，具有时代感和实用性，可为广大钢琴爱好者提供参考。此次有重大修改，作为修订版再版。

 

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好的，这是一份关于其他图书的详细介绍，旨在避开您提到的《正版 现代钢琴演奏技巧教材 钢琴演奏教程 钢琴弹奏书籍 上海音乐》的内容。 --- 经典钢琴艺术的传承与革新：一部跨越时代的演奏指南 《钢琴演奏的艺术与心智：从巴洛克到浪漫主义的深度探析》 图书简介 本书并非一部侧重于“现代”或“技巧速成”的教程，而是一部深入探讨钢琴演奏历史脉络、风格演变以及演奏家心智构建的权威著作。它将带领读者穿越时空，重新审视钢琴艺术自其诞生之初到高峰期的核心精神与实践方法。 第一部分：历史语境下的键盘音乐演变 本部分聚焦于钢琴艺术的“根基”——从羽管键乐器时代到现代三角钢琴确立前的关键过渡期。我们详细考察了早期的键盘作品，如巴赫的赋格与组曲，强调了那个时代对“触键的清晰度”、“音色的均衡性”以及“对位法的逻辑性”的极端要求。 巴洛克时期的触键哲学： 探讨了巴赫和斯卡拉蒂作品中对平均律的理解以及“指法即思想”的演奏理念。书中细致分析了在缺乏现代踏板和均匀音色的乐器上，如何通过手指的独立性与重量转移来塑造旋律线条，这是纯粹的技巧磨练，而非一味追求力度变化。 古典主义的结构美学： 深入剖析了莫扎特和海顿作品中对清晰度、比例感和装饰音的规范处理。书中不仅提供了大量的乐谱分析，更结合当时的乐器特性（如维也纳式钢琴），解释了何为“优雅的表达”和“结构的分离”。我们特别设置了章节，讲解如何平衡主旋律与伴奏声部的关系，避免陷入“平均用力”的陷阱。 早期浪漫主义的内在张力： 转向贝多芬，我们探讨了从古典到浪漫的巨大飞跃。这不是简单的“增加力度”，而是对情感深度和戏剧性冲突的精确控制。本书详述了贝多芬后期作品中踏板使用的革命性意义，以及如何运用对比手法来凸显其作品中蕴含的英雄主义与悲剧色彩。 第二部分：演奏家的心智构建与诠释深度 本书的核心价值在于对“演奏者如何思考”的深度剖析。它旨在培养的是拥有独立思考和历史责任感的音乐家，而非仅是技巧的执行者。 风格学的精确应用： 风格学不仅仅是知道哪个时期用什么速度，更是理解该时期作曲家对“装饰”、“力度记号”和“乐句处理”的约定俗成。书中通过对比不同历史时期的肖邦练习曲版本，展示了风格理解的偏差如何导致对原作精神的扭曲。我们提供了详细的练习方法，用以训练听觉辨识能力，使其能准确捕捉到不同时代音响的“色彩指纹”。 技术与音乐的辩证统一： 我们拒绝将技术视为脱离音乐的孤立训练。本书提供的技术练习，其目标永远是服务于特定的音乐形态。例如，在练习快速琶音时，重点不在于手指的“速度上限”，而在于琶音在特定和声进行中应保持的“音色均匀性”和“清晰的边缘感”。针对复调作品，我们强调了“声部独立听觉”的培养，即演奏者必须能像指挥家一样，在脑海中清晰地听到并控制每一个独立声部的走向。 诠释的自由与边界： 如何在尊重原作文本（Urtext）的基础上，注入个人的情感体验？本书提供了严谨的框架，引导学习者区分“必要的个人化处理”与“随意的个人发挥”。我们通过分析多位伟大钢琴家对同一作品（如舒曼的《幻想曲》）的不同处理，阐释了诠释的深度源于对作品结构、历史背景以及作曲家生平的全面掌握。 第三部分：钢琴音乐的文学性与哲学意蕴 本部分提升了阅读层次，探讨钢琴艺术如何成为哲学思考和文学叙事的载体。 标题音乐的解读： 专注于李斯特和穆索尔斯基等作曲家的作品，探讨如何将听觉转化为视觉和叙事。书中要求演奏者在弹奏前，必须对所依据的文学原型（如但丁、普希金）有深入的阅读理解，确保技术上的炫技服务于故事的推进和人物的塑造。 声音的“形而上学”： 探讨了钢琴音响的衰减特性如何象征时间与存在。我们鼓励读者将每次触键视为一个“微小的生命”，其从产生到消逝的过程，都是音乐表达不可或缺的一部分。这要求演奏者对每一个音符的“收尾”和“呼吸”给予与“开始”同等的关注。 读者对象 本书适合有一定基础的钢琴学习者、音乐专业学生、钢琴教师，以及任何渴望超越单纯指法训练，追求深刻艺术理解的键盘音乐爱好者。它提供的是一种沉思式的学习路径，旨在培养一位能够与历史对话、用思想驾驭键盘的成熟演奏家。 --- 《管弦乐配器法与钢琴转写艺术：从宏大到纤细的声学转换》 图书简介 本书聚焦于钢琴作为一种多声部乐器的特殊地位，特别是它在处理管弦乐队复杂织体时的独特挑战与机遇。它完全不涉及现代钢琴演奏技巧的日常训练，而是将钢琴视为一种“缩微管弦乐队”的工具。 第一部分：管弦配器的基本原则与钢琴的映射 本部分首先为读者构建了一个坚实的管弦乐声部概念框架，并教授如何将其精确地“翻译”到钢琴键盘上。 声部分离与平衡： 我们详细解析了木管、铜管、弦乐和打击乐声部的音域、音色特性以及它们在乐队中的功能。不同于单列的钢琴谱，本书着重训练读者在阅读总谱时，能即时在脑海中构建出不同乐器组的音响层次。 钢琴上的“色彩模拟”： 探讨了如何利用钢琴的音区（高、中、低）和触键力度（从ppp到fff）来模拟不同的管弦乐器音色。例如，使用断奏和不同的音色处理来模仿木管乐器的气息感，或通过和弦的密集度来再现铜管组的辉煌感。这是一种声音的联想训练，而非简单的指法练习。 踏板作为“延音的调控器”： 在管弦乐转写中，踏板不再是简单地延长音高，而是模拟“混响”和“和声的交织”。本书提供了关于如何使用踏板来模仿交响乐厅中的空间感和不同声部间的微妙重叠。 第二部分：经典转写案例的精细剖析 本部分通过大量历史上的经典转写范例（例如，李斯特改编的贝多芬交响曲片段，或拉赫玛尼诺夫的管弦乐改编作品），进行结构化的拆解分析。 结构还原与清晰化： 钢琴演奏者在面对复杂的管弦乐织体时，最大的挑战是如何在有限的十指内保持结构清晰。书中提供了专业的“声部筛选”和“重要性标记”方法，确保在转写过程中，主要的旋律线条（通常来自小提琴或独奏木管）不会被钢琴的中声部厚重感所淹没。 和声的密度管理： 管弦乐队的和声往往通过不同乐器的叠加而自然形成，而在钢琴上则需要精确地计算和弦的“空隙”和“厚度”。我们教授如何根据原配器的意图，决定哪些和声音符可以被省略、哪些必须保留，以避免钢琴音响的“泥泞化”。 第三部分：为独奏而改编的艺术实践 本部分转向实践，指导有志于将管弦乐作品改编为钢琴独奏或双钢琴作品的读者。 节奏与速度的弹性处理： 管弦乐的节奏往往受制于指挥的引导，而钢琴演奏则需要内化这种弹性。本书指导如何将乐队中由呼吸、弓法决定的细微速度变化，巧妙地融入到钢琴的指法和踏板控制中。 从作曲家到演奏家的思维切换： 强调成功的转写是“二次创作”而非“机械复刻”。它要求演奏者不仅要“听懂”管弦乐的每一层，更要懂得如何用键盘的物理限制去创造出新的、同样富有说服力的听觉效果。 适用读者 本书特别适合对配器法有兴趣的进阶钢琴学习者、对交响乐有深入研究的音乐学专业人士，以及希望拓宽视野，将钢琴演奏提升到“声学工程师”层面的音乐家。它关注的是宏观的声学结构与微观的键盘映射之间的复杂关系。

评分☆☆☆☆☆

说实话，这本书《节奏的骨架与旋律的血肉：结构分析在演奏中的应用》对我来说，简直像是一份高级乐谱解读说明书。我一直以来都比较偏重感性的演奏，对于结构分析不太上心，总觉得那样会把音乐弹得太“理性”而失去灵魂。然而，这本书巧妙地证明了，对结构的深刻理解，才是释放更深层次情感表现力的前提。它通过大量莫扎特和贝多芬奏鸣曲的范例，一步步拆解了主题的呈示、发展、再现以及乐章的平衡布局。作者的论证逻辑极其严密，他展示了，当你理解了某段旋律为何在此处进行转调，或者某个小节为何突然插入一个对比动机时，你弹奏时的“意图”就会变得无比明确。比如，当你知道一个看似简单的经过句，实际上是为即将到来的高潮做情感铺垫时，你会自然而然地在指尖酝酿出一种前驱的力量感，而不是机械地把它当成一个过场。这本书的叙事风格非常克制，带着一种学者特有的精确性，但又不失对音乐热爱的激情。它让我明白了，技术是工具，而结构分析则是使用工具的蓝图，没有蓝图，再好的工具也只能盖出歪七扭八的房子。

评分☆☆☆☆☆

这本《音乐的魔法：触键与心灵的对话》真是一本让人醍醐灌顶的佳作。作者似乎拥有一种神奇的能力，能够将那些晦涩难懂的钢琴演奏原理，转化成我们每个学习者都能立刻领会并实践的直观感受。书中对于手指触键时力度变化的描述尤其精彩，他不是简单地告诉你“要用力”或者“要轻柔”，而是用了一连串充满画面感的比喻，比如将手指想象成羽毛的尖端，去“拂过”琴键的表面，而不是“砸向”它。这种细腻的观察和表达，彻底改变了我过去那种“一按到底”的僵硬手感。我记得有一章专门讲如何处理连奏，作者提出了一种“呼吸式”的指法概念，要求演奏者在按下一个音后，手指要像在水下潜行一样，保持一种动态的、微微向内的张力，直到下一个音的产生。这让我在练习巴赫的赋格时，那些原本模糊不清的声部线条，瞬间变得清晰、独立且富有歌唱性。这本书没有堆砌复杂的乐理术语，而是像一位经验丰富的老师在你耳边低语，告诉你如何倾听自己的手指和琴弦发出的真实声音。它的价值不在于教你弹奏某首特定的曲子，而在于为你打造了一套独一无二的“听觉系统”，让你学会如何真正地“听见”自己的演奏，并进行即时、精准的修正。这本书，我已经推荐给了所有我认识的、正在为瓶颈期困扰的琴友。

评分☆☆☆☆☆

我非常喜欢《钢琴演奏者的心路历程：如何从“弹好”到“表达”》这种充满个人色彩和反思的作品。这本书不像那种官方教材，它更像是一本深夜咖啡馆里，一位资深音乐家与你促膝长谈的记录。作者坦诚地分享了自己职业生涯中遇到的各种心理障碍和艺术上的迷惘，比如如何克服舞台焦虑，如何在诠释一首经典作品时，既尊重原作精神，又能注入自己独特的生命体验。书中对于“个性化表达”的讨论尤为深刻。他提出了一个观点：完美的技巧只是入门票，真正的艺术在于你选择用多少“不完美”来服务于你想要传递的情感核心。例如，在处理肖邦夜曲时，作者建议我们不必刻意追求音色的绝对均匀，而是要允许在某些表达张力最大的地方，出现略带沙哑或颤动的音色，以模拟人类声音的脆弱性。这种对“人味”的强调，极大地解放了我的演奏思维。它让我意识到，钢琴家不应是机械的复制者，而应是音乐的“转译者”。这本书读起来非常流畅温暖，它给予我的，不仅仅是演奏上的启发，更是一种面对艺术道路上挫折时的精神支持。

评分☆☆☆☆☆

这本《音色雕塑的艺术：对钢琴物理特性的深度挖掘》绝对是为那些追求极致音质的“发烧友”准备的宝典。它将注意力完全聚焦在钢琴这个乐器本身的物理属性上，探讨了如何通过对机械结构（如琴弦的张力、击弦角度、制音器的运作）的理解，来精细地控制我们听到的每一个音的“颜色”。作者对“泛音列”的解释细致入微，他教导读者如何通过不同力度的触键，来激发或抑制特定泛音的显现，从而创造出截然不同的音色质感——比如从“木质的温暖”到“金属的锐利”。书中有一段关于如何处理双八度音程的描述，作者建议采用一种非对称的指法压力分布，让一个音稍微靠前或靠后出现，以模拟两个不同材质的打击面带来的微小时间差，从而让和声听起来更饱满而非扁平。这种对微观层面的把控，对于演奏德彪西或拉赫玛尼诺夫这类对音色要求极高的作品时，起到了立竿见影的效果。这本书的图表和物理模型非常专业，虽然有些地方需要反复阅读才能完全消化，但一旦领悟，你对钢琴这件乐器的敬畏感和掌控欲都会大大增强。它教会我，音色不是天生的，而是演奏者精心“雕刻”出来的结果。

评分☆☆☆☆☆

我拿到这本《指尖下的宇宙：从生理到审美的跨界探索》时，原本以为又是一本老生常谈的技术手册，没想到它彻底颠覆了我的固有认知。这本书的视角极其宏大，它没有局限于键盘本身，而是将钢琴演奏置于一个更广阔的生理学、运动学乃至神经科学的框架下进行探讨。作者花了大量篇幅来分析人体肌肉群在不同演奏姿态下的能量消耗和效率问题，这对于我这种常年与肩颈僵硬作斗争的业余爱好者来说，简直是及时雨。书中详细绘制了解剖图，清晰地展示了如何利用手臂的重量而非单纯的手指力量来驱动琴键，这使得我在尝试一些需要爆发力的李斯特练习曲时，终于感觉不是在“搏斗”，而是在“驾驭”。更让我惊叹的是，它竟然引入了心理学中关于“心流”状态的理论，指导我们如何在练习中屏蔽外界干扰，进入那种时间感消失、演奏与自我融为一体的极致专注状态。这种跨学科的融合，让技术训练不再是枯燥的机械重复，而变成了一场对自身潜能的深度挖掘。读完它，我不再仅仅关注“弹得对不对”，更开始思考“我如何更自然、更高效地完成这个动作”。它提供的是一种哲学层面的指导，关于如何与自己的身体达成最和谐的共识，去创造美。