首调单声部视唱教程(上下)/21世纪音乐教育丛书 正版书籍 艺术 郑敏 西南师大 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

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出版社： 1

ISBN：6842798815959

商品编码：29867426488

作者介绍

 

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郑敏，女，西安音乐学院教授，硕士生导师，中国音乐家协会会员，曾任中国视唱练耳、乐理学会秘书长。郑敏1936年出生于上海，1954年毕业于西北艺术学院(西安音乐学院前身)音乐系作曲专业，并留校任教至今。1956—1957年考入文化部主办于中央音乐学院的苏联专家瓦西里·巴拉晓夫视唱练耳专家班学习，成为中华人民共和国成立后我国培养的首批专职视唱练耳教师。郑敏50余年来一直从事高等音乐院校视唱练耳教学工作，同时潜心于本学科的教学法研究及专题研究。出版教材《单声部视唱》(上册)、《现代音乐视唱教程》等，发表学术论文数篇。上述两本教科书为本院学生必修教材，并被多所兄弟院校选用。郑敏2010年获教育部高等学校艺术类专业教学指导委员会颁发的“基础教学终身奉献奖”。

内容提要

 

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《首调单声部视唱教程(上下)》是一本采用首调唱名法教学体系的视唱教程，共八个章节，括各调位置的识谱练习、各种节拍与节奏的练习、各种变化音的练习及各种转调练习等。教材对教学内容和流程做了全新的设计，按照“七个位置，以DO定位”的原则编排以简化首调识谱的繁琐过程；并在学习早期即加入和贯穿大量的变化音练习，使学生尽早摆脱七个自然音的束缚，扩大练习曲目，提高音乐听觉能力。

 

目录

 

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作者简介
前言
使用说明
各调及各调式在高、低音谱表上的唱名位置一览表
章 无升降号的调、高音谱表、低音谱表、基本节拍、节奏
节 高音谱表(以第三间为do)、四二拍(2／4)、四四拍(4／4)
第二节 附点音符、四三拍(3／4)、八三拍(3／8)
第三节 低音谱表(以第二间为do)
第四节 十六分音符的节奏组合
第五节 切分节奏
第六节 弱起小节、弱起节奏
附录音程练习曲15首
第二章 不同唱名位置的调及节拍、节奏、变化音(一)
节 一升号调(以第二线为do)及其同位置调
附录G大调音程练习曲
第二节 一降号调(以间为do)及其同位置调
附录F大调音程练习曲
第三节 三连音
第四节 变化辅助音(变化助音)
第三章 不同唱名位置的调及节拍、节奏、变化音(二)
节 二升号调(以第四线为do)及其同位置调
第二节 二降号调(以第三线为do)及其同位置调
第三节 八六拍(6／8)
第四节 变化经过音
第四章 不同唱名位置的调及节拍、节奏、变化音(三)
节 三升号调(以第二间为do)及其同位置调
第二节 三降号调(以线为d0)及其同位置调
第三节 简单的变拍子及不常用的拍子
第四节 变化邻音
第五章 小调式
节 自然小调
第二节 和声小调
第三节 旋律小调
第四节 平行大小调的交替及转调
第六章 复杂的节拍、节奏及音调
节 复杂的节拍
一、复拍子
二、混合拍子
三、较复杂的变换拍子
第二节 复杂的节奏
一、三十二分音符和六十四分音符的节奏组合
二、连续切分节奏及延音线形成的复杂节奏
三、连音符
第三节 复杂的音调
一、跳进到达(解决)或离去(未解决)的变化邻音
二、小调降低II音级的变化音
三、变化音综合练习(括较复杂的音调和半音音阶练习)
第七章 转调(一)
节 转上属调系统
一、转入上属调
二、转入上属调又转回原调
三、转入上属调的平行调
第二节 转下属调系统
一、转入下属调
二、转入下属调又转回原调
三、转入下属调的平行调
第三节 近关系转调的综合练习
第八章 转调(二)
节 同主音大小调的转调
第二节 远关系转调
一、转入相差2—4个升降号的调
二、转入相差5个及5个以上升降号的调
参考文献
后记

 

好的，这是一本名为《和声学基础：从古典到现代的和声分析与创作实践》的图书的详细简介，内容完全独立于您提到的《首调单声部视唱教程》。 --- 和声学基础：从古典到现代的和声分析与创作实践 作者： 王建明、李晓华 出版社： 音乐文化出版社 装帧： 精装，双色印刷 页数： 约680页 丛书信息： 本册属于“二十一世纪音乐理论与实践前沿丛书” --- 内容概述 《和声学基础：从古典到现代的和声分析与创作实践》是一部旨在为音乐学、作曲、音乐教育等专业人士及高水平音乐爱好者提供全面、深入的和声学理论基础与实践指导的权威著作。本书突破了传统和声学教材仅侧重于某一历史时期的局限性，构建了一个贯穿巴洛克至二十世纪中叶乃至当代拓展和声的完整知识体系。 全书结构严谨，逻辑清晰，理论阐述力求精准严密，同时兼顾了音乐实践的直观性与可操作性。作者们凭借深厚的学术积累和丰富的教学经验，将枯燥的理论讲解与大量的实例分析、练习创作紧密结合，力求使读者在掌握规则的同时，深刻理解和声背后的音乐逻辑与审美意图。 本书共分为五大部分，共计二十章，内容涵盖了从基础的音级功能划分到复杂的多功能和弦应用，再到非功能性（无功能性）和声的探索。 --- 第一部分：传统功能和声的基石 (Classical Functional Harmony) 本部分着重于西方音乐体系建立之初，特别是中世纪晚期至浪漫主义晚期（约1600年至1900年）音乐中，以调性为核心的功能和声体系。 第一章：音级功能与三和弦体系的建立 详细探讨了主音、下属音、属音（T-S-D）的严格功能定义，分析了大小调的自然音阶与和声音阶的构建，并深入讲解了三和弦的转位、功能变化以及不协和音程的解决规则。特别强调了“和声动因”的概念，即和声进行背后的驱动力。 第二章：七和弦的深化与功能延伸 系统介绍了属七和弦（V7）的结构、解决与替代。随后深入讲解了导七和弦（VII°7）的用法，以及次属和弦（如V/V, V/IV）在强化主功能方面的作用。本章还引入了“和弦外音”的初步概念，如经过音、经过和弦和挂留音。 第三章：调性连接与转调的技法 重点分析了同主音大小调转调、平行调转调的常见手法，并详细剖析了等音转调（Enharmonic Modulation）的复杂性，如利用三和弦的等值异名（例如Cmaj与Bdim7的转换）实现远关系转调的原理。 第四章：特定和弦的应用与风格化 深入探讨了增强六和弦（意大利式、法国式、德国式）的功能、结构及其在德奥古典乐派作品中的典型运用。分析了减七和弦（Diminished Seventh Chord）在制造戏剧性冲突与模糊调性中的双重角色。 --- 第二部分：浪漫主义的扩张与和声的模糊化 (Romantic Expansion and Harmonic Ambiguity) 本部分聚焦于19世纪中叶至20世纪初，作曲家们如何挑战和扩展传统功能和声的界限，为现代和声的到来奠定了基础。 第五章：丰富化色彩的和弦 详尽解析了九和弦、十一和弦、十三和弦在实际作品中的使用方式，区分了它们作为“色彩和弦”（Color Chord）与“功能和弦”的不同侧重。讨论了如何通过和弦的增添音（Added Tones）来稀释原有的功能色彩。 第六章：半音性和借用和弦 深入剖析了李斯特、瓦格纳等作曲家对半音和声的运用。重点研究了“副属和弦”（Secondary Dominants）的泛化应用，以及如何通过“借用和弦”（Modal Mixture）从关系小调或平行小调中借用和弦来增加色彩深度。 第七章：调式色彩的渗透 阐述了调式和声（Modal Harmony）如何与传统调性并存。通过分析民间音乐和早期复调音乐的影响，讲解了如弗里吉亚、利底亚调式音响如何在晚期浪漫主义和声中被重新发掘和使用。 --- 第三部分：非功能性与音响和声的探索 (Atonality and Sound-Based Harmony) 此部分是本书的理论高地，旨在引导读者理解和声从“功能驱动”转向“音响结构驱动”的转变过程。 第八章：十二音体系的理论基础 系统介绍了阿诺德·勋伯格的十二音作曲技术（Dodecaphony）。详述了音列的构成、基本形式（Prime, Retrograde, Inversion, Retrograde Inversion）及其变换规则。重点讨论了音列在和声构建中的垂直组合逻辑。 第九章：序列主义与序列化的和声 讨论了如何将十二音技术扩展到节奏、力度等其他音乐元素（即序列主义）。分析了韦伯恩等作曲家如何利用音列的排列生成结构清晰但听觉上分散的和声块。 第十至十二章：新调性与集合理论 详细介绍了艾伦·福特（Allen Forte）的“音高集合理论”（Pitch Class Set Theory），这是分析无调性音乐的必备工具。阐述了集合的定义、主集合类（Prime Form）、等价关系（Z-类等）以及集合与特定历史风格的关联。此部分配有大量图表辅助理解。 --- 第四部分：当代和声的织体与扩展 (Contemporary Textures and Extensions) 本部分关注战后至21世纪初，作曲家们在和声织体、复调处理及音色探索方面的实践。 第十三章至十五章：复调与密度分析 探讨了复调的织体如何影响和声的听觉效果。分析了“集群和声”（Tone Clusters）的构造方法，包括紧密集群与宽泛集群。介绍了利用非传统音程（如纯四度堆叠、半音平行）构建的“平移和声”（Harmonic Shifting）。 第十六章：微音与非十二平均律的和声 简要介绍了西方音乐中对音高微小差异的运用，探讨了在非平均律体系下（如五度音律、纯律）和声的构建原则，以及如何通过音响实验来拓展和声的听觉疆域。 第十七章：声像与空间和声 从物理声学角度探讨了和声的“空间维度”。分析了如何利用乐器法、音区分布和复调层次来营造特定的声场效果，使和声不仅是垂直的组合，更是空间的分布。 --- 第五部分：创作实践与分析案例 (Compositional Practice and Case Studies) 本部分是理论与实践的桥梁，提供大量的练习与深入的音乐作品分析。 第十八章：和声配器练习指导 提供了大量基于不同历史风格的和声写作练习，包括：四部和声的风格化写作、钢琴伴奏写作中的和声填充、管弦乐中的和声色彩处理等。强调了“为特定乐器写和声”的思维转变。 第十九章：中外经典和声分析案例 选取了巴赫的对位实例、莫扎特的奏鸣曲呈示部、德彪西的《亚麻色头发的少女》、以及斯特拉文斯基某作品的片段进行深入的和声分析。分析范式结合了传统功能分析与集合理论分析，展现了多角度解读的可能性。 第二十章：创作中的和声自我修正 指导学习者如何从作曲家视角审视自己的和声进行。内容包括：如何评估和声的“清晰度”、“张力点”和“风格一致性”，以及在融合不同和声语言时应注意的平衡原则。 --- 特色与价值 1. 贯穿性强： 首次将古典功能和声、浪漫主义扩展和声与二十世纪的无调性及集合理论和声系统地整合在一册书中。 2. 分析深入： 案例选取兼顾了历史代表性和理论教学价值，分析工具先进。 3. 实践导向： 提供了大量的创作练习和指导，确保理论知识能够有效转化为创作技能。 4. 图表精良： 全书配有大量自绘的乐谱示例、和弦结构图和音高集合图表，极大地辅助了复杂概念的理解。 《和声学基础：从古典到现代的和声分析与创作实践》是当代音乐理论学习者不可或缺的工具书和参考书，它不仅是回顾历史的教科书，更是面向未来和声探索的指南。

评分☆☆☆☆☆

我尝试着根据这本书的编排顺序进行练习，感觉作者在内容递进上把握得极为精准和科学。它不是那种生硬地堆砌难度，而是像一位经验丰富的老教师，循序渐进地引导你穿越视唱艺术的迷宫。开始的部分，对基础的音程关系和调性感觉的建立，处理得非常细腻，每一个小节的设置似乎都经过了精心的数学计算，确保了理论知识与实际应用之间的无缝衔接。特别是那些引入变化音程和复杂调式的部分，作者没有直接抛出难点，而是先通过一系列巧妙的前置练习，让我们的耳朵和思维提前适应了那种“不和谐”的美感。我发现，当你真正进入到高级篇幅时，那些曾经让你望而生畏的四部和声进行或复杂的复节奏，不知不觉间，你的视线和心跳已经能跟上它的节奏了。这种“润物细无声”的教学设计，远胜于市面上很多急于求成的教材，它真正考虑到了人类学习声乐技能的生理和心理规律。

评分☆☆☆☆☆

这本书的装帧和印刷质量实在令人惊喜，拿到手里就能感受到沉甸甸的质感。纸张的厚度适中，摸上去有种温润的感觉，不像有些廉价教材那样粗糙刺手。油墨的运用也非常到位，无论是谱号、五线谱还是那些复杂的节奏符号，都清晰锐利，即便是长时间盯着看，眼睛也不会感到太吃力。而且，封面设计得相当典雅，那种朴素中透着专业的气息，让人一看就知道这是一本经过精心打磨的学术著作，而不是随便拼凑的资料汇编。我特别注意到，书中的一些特殊记号和演奏提示，它们采用了不同的字体或颜色区分，这在视唱练习中至关重要，能帮助我们迅速抓住重点，避免混淆。考虑到这是一本专门的视唱教程，涉及到大量的符号记忆和音准的训练，这种对细节的关注无疑大大提升了学习的效率和阅读的舒适度。即便是对于初学者来说，这种高质量的呈现方式，也能在很大程度上激发他们持续学习的兴趣，而不是因为阅读体验不佳而半途而废。这绝对是教材制作中的一个典范。

评分☆☆☆☆☆

这本书的价值，绝不仅仅停留在“学会视唱”这个层面，它更像是一部关于“音乐语法”的入门指南。我注意到，它在讲解一些特殊技巧时，会不动声色地融入乐理知识。比如，在练习关于调式转换的章节时，作者几乎是同步地讲解了主导音和关系大小调之间的转换关系，让你在解决实际演唱困难的同时，自然而然地吸收了乐理知识，而不是为了乐理而乐理。这种“在实践中学习理论”的方式，极大地避免了传统乐理学习的枯燥感。此外，作者的语言风格非常严谨且富有逻辑性，没有太多华丽的辞藻，但每一个定义和解释都直击要害，这对于需要精准理解的音乐学习者来说，是最宝贵的品质。它真正做到了将技术训练与深层理解相结合，使得学习者不仅是机械地掌握了一种技能，更是提升了对音乐作品的鉴赏能力。

评分☆☆☆☆☆

这本书在处理节奏方面的深度，是我之前接触的很多视唱教材所无法比拟的。很多教程往往将节奏视为旋律的附属品，但在这里，节奏本身被提升到了一个独立的、具有美学价值的层面来探讨。书中对那些非对称性节拍，比如五拍子、七拍子，以及各种复杂的附点和休止符组合的处理，简直可以说是教科书级别的示范。我记得有几页专门分析了不同时代音乐中节奏的特征，比如巴洛克时期的严谨和浪漫主义时期的自由交织，这不仅仅是技巧的训练，更是一种音乐文化背景的熏陶。通过这些练习，我开始真正理解为什么同样的音高组合，换了一种节奏后，听起来的“感觉”会天翻地覆。对于想深入理解音乐结构和演奏准确性的学习者来说，这部分内容简直是宝藏，它教会我们如何用身体去“感受”时间在音乐中的流动，而不是仅仅用眼睛去看谱子上的符号。

评分☆☆☆☆☆

如果让我从一个演奏者的角度来评价，这本书对“听觉想象力”的培养起到了决定性的作用。视唱的本质，就是将书面符号快速转化为内在听觉图像，并准确地在喉咙里再现出来的过程。这本书的精妙之处在于，它不仅仅要求你“唱对音高”，更强调你对“声部进行和和声色彩”的预判。例如，在进行到声部交错或者需要快速转调的段落时，它会设计一些巧妙的“陷阱”，如果你只是机械地按照音高唱，很容易出错。但如果你带着对整体和声走向的理解去“听”，那么你就能提前预感到下一个音符应该落在哪里，这完全是一种听觉上的导航。这种对内在听觉的反复雕琢，使得练习不再是枯燥的音符辨认，而更像是一种高级的“听力游戏”。这种能力一旦建立起来，对于未来学习任何复调音乐或者配器法，都会打下极其坚实的基础，可以说，它培养的是一种全面的音乐思维。