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店鋪： 海源閣圖書專營店

齣版社： 安徽文藝齣版社

ISBN：9787539646404

商品編碼：29867429347

叢書名： 世界著名小提琴音樂會隨想麯

齣版時間：2013-09-01

 

探索音樂的無限可能：精選音樂教程與世界名麯賞析 一、 經典鋼琴演奏技法精要 本冊教材匯集瞭跨越數個世紀的鋼琴演奏精髓，旨在為不同階段的學習者提供係統、深入的指導。從巴赫的對位法嚴謹性到肖邦浪漫主義的細膩處理，再到德彪西印象派的和聲色彩，本書無所不包。 第一部分：基礎奠基與指法訓練 本部分詳盡闡述瞭鋼琴演奏的物理基礎。我們不僅關注傳統的五指練習、音階與琶音的規範性，更引入瞭現代人體工程學視角下的觸鍵深度與重量傳遞理論。 觸鍵力度控製（Dynamics）： 深入剖析pp到ff之間的細微差彆如何影響音色的構建。通過大量的練習麯（如哈農、車爾尼的精選段落），強調手指的獨立性、穩定性和放鬆的平衡。 踏闆的藝術運用： 區彆於簡單的“踩到底”概念，本書詳細區分瞭延音踏闆、柔音踏闆（Una Corda）和保持踏闆的功能性與情感錶達作用。特彆針對復調作品（如巴赫的賦格）中踏闆使用的禁忌與技巧進行瞭專題討論。 視奏能力的提升： 提供瞭大量結構復雜度遞增的樂譜片段，訓練學習者在不中斷節奏的前提下，同時處理高音譜號、低音譜號的音高、節奏與錶情記號的能力。 第二部分：風格解讀與麯目分析 本部分著重於將技術訓練融入到對特定作麯傢風格的理解之中，確保演奏不僅是技巧的展示，更是對音樂思想的詮釋。 巴洛剋時期： 重點剖析瞭“裝飾音”在巴赫和亨德爾作品中的必要性。裝飾音不是可有可無的技巧炫耀，而是鏇律綫不可分割的一部分。講解瞭如何準確把握切分音的節奏感和上行/下行裝飾音的演奏速度。 古典主義時期（海頓、莫紮特）： 強調清晰的綫條感和結構對稱性。對奏鳴麯式的結構分析被置於重要位置，幫助演奏者在宏大結構中把握樂句的起承轉閤。 浪漫主義時期（舒曼、李斯特）： 探討情感的深度錶達。如何通過觸鍵的細微變化（如微弱的重量變化）來錶現內心的掙紮或狂喜。李斯特的炫技作品被解構，還原為對特定音區和音色的極緻追求，而非單純的速度比拼。 印象派與二十世紀早期： 聚焦於和聲色彩的構建。德彪西和拉威爾的作品要求演奏者超越傳統大小調的束縛，探索泛音的微妙變化和音色的“模糊感”。 三、 樂理基礎與和聲結構深入 本書的理論部分旨在將抽象的樂理知識轉化為實際的演奏指導。 和聲進行與功能分析： 教授如何快速識彆主和弦、屬和弦、下屬和弦以及代理和弦的功能，從而理解樂麯的“驅動力”。在演奏時，對功能和弦的重音處理會有所不同，以增強樂麯的邏輯性。 對位法基礎： 即使是單鏇律樂器學習者，理解對位法也有助於他們處理復雜的復調織體，確保主鏇律清晰，副鏇律得到適當的烘托。 --- 二、 20世紀室內樂精選與閤奏技巧指南 這本教程專注於提升學習者在多人協作環境下的音樂錶現力與溝通技巧，特彆針對弦樂四重奏、鋼琴三重奏等經典室內樂編製。 第一部分：室內樂的哲學與閤作基礎 室內樂的核心在於“對話”，而非“獨奏的集閤”。本部分深入探討瞭這種獨特的藝術形式對演奏者提齣的要求。 “聆聽”的藝術： 詳細闡述瞭主動聆聽（Active Listening）的重要性。學習者需要時刻關注左邊或右邊聲部的動態變化，並實時調整自己的音量和音色，以達到完美的平衡。 呼吸與節奏的統一性： 針對管弦樂器和弦樂器，強調集體呼吸點和弓法（或氣流）的一緻性。書中通過分析貝多芬晚期四重奏的樂譜，展示瞭如何通過細微的節奏彈性實現統一的音樂意圖。 樂譜標記的解讀： 室內樂總譜往往包含瞭所有聲部的動態和錶情記號。本部分教授如何快速掃描總譜，找齣指揮者（通常是第一提琴手或鋼琴手）的意圖，並迅速融入集體。 第二部分：特定室內樂重奏的挑戰與應對 本書根據常見的室內樂組閤，提供瞭針對性的技術指導。 弦樂四重奏（String Quartet）： 重點分析瞭舒伯特、巴托剋等作麯傢的作品。討論瞭如何區分“歌唱性鏇律”和“伴奏織體”的職責分配。例如，在巴托剋的某些作品中，中提琴可能需要擔負起不和諧音的突齣，這需要特殊揉弦和弓法處理。 鋼琴三重奏（Piano Trio）： 鋼琴在其中扮演的角色復雜多變，時而是主導，時而是微妙的和聲支撐。本部分指導鋼琴演奏者如何“退後一步”，用柔和的觸鍵支撐住小提琴和大提琴的鏇律，避免聲音的衝突。 弦樂五重奏（String Quintet）： 增加瞭第二中提琴聲部的處理。第二中提琴聲部往往是連接高音聲部與低音聲部的橋梁，其音色必須具備足夠的穿透力，同時保持溫暖的質感。 第三部分：排練策略與舞颱實踐 高效的排練比單純的重復練習更為重要。 分段攻剋難點： 提齣“標記、隔離、解決、整閤”的排練流程，避免無效的通奏。特彆針對齊奏段落，強調使用節拍器進行極其精確的節奏對齊。 舞颱適應性： 討論瞭不同音樂廳的聲學特性對室內樂音量平衡的影響。在排練時模擬聲場變化，預先決定在不同空間下，哪些樂器需要稍微加強或減弱力度。 --- 三、 20世紀管弦樂配器法入門與實踐 本書是針對作麯、配器初學者設計的入門教材，重點介紹管弦樂隊的構成、音色特性和橫嚮組閤原則。 第一部分：管弦樂隊的傢族劃分與音色圖譜 全麵介紹管弦樂隊的四大組彆及其核心樂器。 木管組： 詳細描述長笛、雙簧管、單簧管、巴鬆管的音域、音色特點（如雙簧管的穿透力、單簧管的寬廣性）。教學如何利用交替演奏（如長笛與單簧管的切換）來延伸單個樂器的音域或保持連續的鏇律綫。 銅管組： 重點分析圓號的融閤性、小號的銳利感、長號的莊重感。特彆講解瞭弱奏時銅管組的控製難度，以及如何使用弱音器（Mute）來改變音色而非僅僅是降低音量。 弦樂組： 深入探討小提琴、中提琴、大提琴、低音提琴在不同弓法下的效果（如Divisi、Sul Ponticello、Col Legno），這是管弦樂“音響織體”的基礎。 打擊組： 不僅限於定音鼓，還涵蓋瞭各種有固定音高（馬林巴、顫音琴）和無固定音高（鑔、軍鼓）的樂器，並分析它們在烘托氣氛中的作用。 第二部分：配器的基本原則與技術 本部分的核心是將聲音轉化為可視化的配器方案。 音域的疊加與避免衝突： 講解如何利用樂器音域的“敏感區”進行配器。例如，避免讓小提琴的高音區與單簧管的低音區在強奏時發生摩擦，因為它們各自的泛音結構可能相互乾擾。 織體的構建（Texture）： 從單綫條（Monophony）到復調（Polyphony）再到和聲式（Homophony）的演變。分析如何通過“鋪底”（如大提琴與低音提琴的持續音）來穩定整個和聲結構。 配器色彩的對比與融閤： 如何利用木管組的溫暖來承托弦樂的抒情段落，以及如何利用銅管組的爆發力來強調節奏的重音。書中大量引用瞭馬勒、拉威爾等大師的管弦樂片段進行剖析。 第三部分：實際案例分析 通過分析理查·施特勞斯和斯特拉文斯基的配器範例，學習者可以直觀地理解理論在實踐中的運用，掌握如何為特定的音樂動機選擇最閤適的樂器組閤，從而達到預期的藝術效果。

評分☆☆☆☆☆

《流動的光束》這本書簡直是為那些在國際比賽的壓力下迷失方嚮的年輕人量身定做的“心理急救包”。這本書的特點在於其高度的實用性和聚焦於“舞颱錶現力”的特質。它不像一些書隻談論如何把音拉準，而是深入探討瞭如何在三分鍾內將你的全部音樂理解和個性魅力通過肢體語言、眼神交流以及舞颱走位完整地傳遞給聽眾。作者用一種非常接地氣、甚至略帶幽默的口吻，拆解瞭頂級音樂會上的各種“微錶情”和“潛颱詞”。比如，書中有一節專門分析瞭演奏傢在謝幕時的鞠躬角度和停留時間所暗示的不同藝術態度，這真是聞所未聞的細節。更重要的是，它提供瞭大量的壓力應對策略，從賽前一小時的飲食控製到臨上颱前的快速呼吸法，都給齣瞭具體的操作流程。我感覺作者不是站在高高在上的指導者角度，而是像一個過來人，真誠地分享自己如何在無數次高壓時刻拯救瞭自己。這本書讓我明白瞭，技術是地基，而舞颱魅力纔是將建築提升到令人難忘高度的靈魂裝飾。對於任何需要麵對評委和觀眾的演奏者來說，這本書的實戰價值無可替代。

評分☆☆☆☆☆

說實話，我原本以為這本《穿越時空的鏇律》可能又是一本故紙堆裏的老調重彈，但事實證明我錯得離譜。這本書的視角非常新穎，它沒有拘泥於某一特定流派或時期的技術細節，而是構建瞭一個宏大的音樂史觀。它巧妙地將不同時代作麯傢的創作動機與當時社會的文化背景緊密結閤起來。例如，書中對浪漫主義時期小提琴協奏麯中“炫技”部分的分析，不再簡單地斥之為矯揉造作，而是深入探討瞭這種爆發力背後，演奏傢渴望衝破既有藝術藩籬的時代精神。我特彆喜歡作者在探討某位十九世紀小提琴大師的運弓習慣時，引用瞭大量當時的書信和日記片段，讓那些遙遠的曆史人物瞬間變得鮮活起來。這種基於一手史料的考據和推測，使得全書的論證充滿瞭說服力。讀起來一點也不纍，它更像是一部引人入勝的音樂傳記文學，而非嚴肅的學術專著。它讓我開始反思，我所練習的那些麯目，它們誕生的土壤究竟是什麼樣的？如果我能理解當時的社會情緒，我的演奏會不會因此多一分曆史的厚重感？這本書成功地把“曆史感”和“演奏實踐”之間那道看似難以逾越的鴻溝，搭起瞭一座堅實的橋梁。

評分☆☆☆☆☆

哇，這本書簡直是音樂學習者的福音！我剛翻開《弦上的光影》，就被它那深邃而又充滿靈氣的文字吸引住瞭。作者對音色的理解簡直達到瞭齣神入化的地步，不僅僅是講解如何按弦、如何運弓，更是深入到瞭音樂的靈魂深處。比如，書中有一章專門探討瞭巴赫無伴奏大提琴組麯在現代演繹中的可能性，那種將古典的嚴謹與現代的自由完美融閤的思路，讓我茅塞頓開。我記得有一段描述，說一個完美的音符，應該是“空氣被溫柔地撕開，然後又迅速愈閤，隻留下餘韻在耳畔纏綿”，這種詩意的錶達方式，讓枯燥的技巧練習瞬間充滿瞭畫麵感和情感張力。而且，這本書的排版也非常講究，大量的留白讓讀者的思緒有足夠的空間去沉澱和迴味那些精妙的觀點。它不像是一本純粹的教學指南，更像是一位經驗豐富的大師在深夜裏與你促膝長談，分享他對於音樂、對於生活的全部感悟。我尤其欣賞作者對“內在聽覺”的強調，認為真正的演奏始於腦海中的完美迴響，這一點對於我這種經常在技術瓶頸期掙紮的琴手來說，無疑是一劑強心針。這本書真的能幫你建立起一個紮實的、由內而外的音樂觀，讓人不再僅僅是“拉琴”，而是真正開始“歌唱”。

評分☆☆☆☆☆

這本《寂靜的迴響》的閱讀體驗，與其他技巧導嚮的書籍截然不同，它幾乎是一本關於“心法”的寶典。全書的重點放在瞭如何處理音樂中的休止符、如何構建樂句的張力而非單純的技術展示上。作者用瞭大量的篇幅來討論“等待”在音樂中的重要性，以及如何通過控製呼吸和身體的鬆弛度來“醞釀”下一個樂章的到來。我記得書裏提到一個觀點，說一個偉大的小提琴傢，他沉默時的狀態，和他在演奏時同樣引人入勝，這讓我深思。書中沒有復雜的指法圖解，取而代之的是大量關於冥想、身體掃描和情緒引導的文字描述。我嘗試著在練習中融入書中推薦的“靜聽”練習——在不拉琴的時候，安靜地在腦海中迴放一段復雜的樂句，直到每一個細節都清晰無比。這種練習雖然耗費心神，但效果顯著，它極大地提高瞭我在現場演奏時的專注度，讓我不容易被舞颱上的突發狀況乾擾。對於那些追求藝術深度，希望從“匠人”蛻變為“藝術傢”的演奏者，這本書提供的精神指引價值，是無法用金錢衡量的。

評分☆☆☆☆☆

我對《指尖上的宇宙》這本書的評價是——極具顛覆性，但不失嚴謹。這本書的風格非常激進，它大膽地挑戰瞭許多我們習以為常的“金科玉律”。比如，它對揉弦速度的傳統教學法提齣瞭質疑，認為過度強調速度反而會扼殺音色的豐富性，並提供瞭一套完全基於呼吸和肌肉放鬆原理的新練習方法。起初我持懷疑態度，畢竟這些“老規矩”流傳瞭百年，但按照書中的指導進行瞭幾周的練習後，我驚訝地發現，我的換把位時産生的噪音明顯減少瞭，而且音高也更加穩定。書中的理論部分引用瞭大量的現代物理學和神經科學知識，解釋瞭為什麼某些技巧是“有效”或“無效”的，這種跨學科的論證方式，讓內容顯得非常具有現代感和科學依據。對於那些已經有一定基礎，但總感覺演奏“卡殼”的進階學習者來說，這本書簡直是一劑猛藥。它不會給你提供標準答案，而是教你如何用批判性的眼光去審視自己的每一次演奏，去解構那些看似神聖不可侵犯的演奏規範。讀完後，我感覺自己像是升級瞭操作係統，看待演奏問題的方式都變得更加靈活和開放瞭。