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店铺： 海源阁图书专营店

出版社： 上海音乐学院出版社

ISBN：9787807510895

商品编码：29867508300

丛书名： 外国音乐简史(全国普通高等学校音乐学教师教育

开本：16开

出版时间：2012-10-01

目录

前言
第I章 古希腊古罗马音乐
第I节 概述
第二节 古希腊音乐体裁
第三节 古希腊音乐理论
第四节 古希腊乐器
第五节 古罗马音乐

第二章 中世纪音乐
第I节 概述
第二节 单声部宗教音乐--格里高利圣咏
第三节 单声部世俗音乐--游吟诗人诗歌
第四节 复调音乐的产生与发展
第五节 中世纪音乐理论
第六节 新艺术时期音乐

第三章 文艺复兴时期音乐
第I节 概述
第二节 勃艮第乐派
第三节 佛兰德乐派
第四节 宗教改革音乐和反宗教改革音乐
第五节 世俗声乐音乐
第六节 威尼斯乐派

第四章 巴洛克时期音乐
第I节 概述
第二节 巴洛克歌剧
第三节 巴洛克教堂声乐音乐
第四节 巴洛克器乐音乐
第五节 巴赫与亨德尔

第五章 古典主义时期
第I节 概述
第二节 18世纪歌剧
第三节 奏鸣曲式与器乐音乐
第四节 维也纳古典乐派

第六章 浪漫主义时期音乐
第I节 概述
第二节 早期浪漫主义
第三节 中期浪漫主义
第四节 晚期浪漫主义
第五节 浪漫主义歌剧
第六节 民族乐派

第七章 20世纪音乐
第I节 概述
第二节 印象主义音乐
第三节 表现主义音乐
第四节 新古典主义音乐
第五节 1945年以后的音乐流派

内容推荐

音乐教师教育是我国教育的重要组成部分，是中小学艺术教育赖以发展的基础，是决定艺术教育质量的关键因素。改革开放以来，我国的音乐教师教育事业得到了长足发展。本世纪初开始的新一轮基础教育课程改革，在教育思想、教育观念、课程内容、教学模式、教学方法等方面，对教师提出了新的更高的要求，也对音乐教师教育提出了新的课题。为满足我国教育事业不断发展对师资队伍建设的需求，应对新一轮基础教育课程改革的呼唤，适应高等院校音乐学（教师教育）专业改革的需要，教育部组织有关专家，经过充分调查研究和反复征求意见，研制了《普通高等学校音乐学（教师教育）本科专业课程指导方案》（以下简称《方案》）和《普通高等学校音乐学（教师教育）本科专业必修课程教学指导纲要》（以下简称《纲要》）这两个重要的教学指导文件。
《方案》和《纲要》进一步明确了音乐学（教师教育）的培养目标和人才规格，对专业课程体系建设及主干专业课程的教学实施，提出了具体的指导意见，对于我国高等学校音乐学（教师教育）的专业建设具有重要的指导意义。
《方案》和《纲要》颁发后，与之配套的教材建设随即被提上了工作日程。这是实施《方案》的重要环节，也是为落实《纲要》提供必要的课程资源。我们本着“先主干课（全体学生的共同必修课），后选修课；由点带面，分批推出；精心组织，注重质量”的原则，对教学急需而又实际紧缺的11门专业主干课程，在我国范围内组织力量进行了教材编写。

 

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音乐的宏伟篇章：一部跨越时空的鉴赏之旅 本书旨在带领读者进行一场深入而全面的音乐鉴赏之旅，聚焦于那些塑造了人类听觉文明的伟大创作、革新性的思想流派以及决定性的历史转折点。我们避开了严格的音乐理论教学范畴，转而专注于音乐的审美体验、文化语境及其在不同历史阶段所扮演的角色。这是一部面向所有对音乐抱有浓厚兴趣的爱好者的指南，旨在拓宽听觉的疆界，深化对音乐艺术的理解。 第一部分：源起与奠基——远古的回响与宗教的律动 本篇追溯音乐的神秘起源，探讨人类最早的声音组织形式，分析史前音乐在社会仪式、巫术活动中的作用。我们考察了古希腊音乐理论对西方音乐美学思想的深远影响，尤其是毕达哥拉斯的音程学说如何成为后世和声体系的理论基石。 随后，我们将目光投向中世纪的宗教殿堂。详尽描述了格里高利圣咏（Gregorian Chant）的发展脉络，剖析其单音的纯粹性、庄严的节奏模式及其在统一西方基督教礼仪中的核心地位。我们不会过多纠缠于具体的记谱法细节，而是侧重于分析圣咏如何通过其内在的流动性，反映出早期信仰的内在精神世界。重点探讨了奥尔加农（Organum）的诞生，这是人类首次有意识地尝试在同一时间维度上组织两个或多个独立的声部，标志着复调音乐的曙光。这一时期，音乐的主要功能是服务于神圣的表达，其结构和情感张力都围绕着信仰的核心展开。 第二部分：人文主义的觉醒与复兴的辉煌——从世俗到精致的过渡 文艺复兴（约1400-1600年）是音乐史上一次重大的美学转向。随着人文主义思潮的兴起，音乐的主题开始从单纯的“侍奉上帝”转向关注“人类情感与世俗生活”。 本部分详细考察了法国勃艮第乐派的复杂织体，以及帕莱斯特里那（Palestrina）如何通过其清晰、平衡的复调技巧，将宗教音乐推向精巧的巅峰，塑造了“完美和谐”的典范。我们着重分析了经文歌（Motet）和弥撒曲（Mass）在这一时期结构上的演变，以及声部间的对话如何变得更加精妙和富有逻辑性。 同时，世俗音乐的兴盛同样引人注目。香颂（Chanson）在法国宫廷中的流行，以及英国的维吉纳琴音乐，展示了音乐家如何将更具人情味的旋律和更贴近生活的题材引入创作。这一阶段的重点在于声部线条的独立性和平衡感，音乐家们致力于创造一种“人人可唱”的精致工艺。 第三部分：巴洛克的戏剧性与情感的爆发——对听众的直接诉求 巴洛克时期（约1600-1750年）是音乐史上最具戏剧张力和情感表达力的阶段之一。本部分将深入探讨歌剧（Opera）在意大利的诞生及其迅速风靡全球的过程。我们分析了宣叙调（Recitative）和咏叹调（Aria）在叙事和抒情功能上的区别，以及早期歌剧如蒙特威尔第作品中对原始情感的直接刻画。 对奏鸣曲（Sonata）和协奏曲（Concerto）形式的结构性革新进行了细致的梳理，尤其是维瓦尔第作品中对固定乐队编制的运用，以及“快-慢-快”三乐章结构的成熟。 高潮部分聚焦于两位巨匠：巴赫（J.S. Bach）和亨德尔（G.F. Handel）。我们不侧重于复杂的对位法分析，而是探讨巴赫如何通过其赋格曲和清唱剧，构建出宏大、逻辑严密、充满宇宙秩序感的音乐结构，以及亨德尔如何运用壮丽的合唱来表现史诗般的主题，例如他在英国的清唱剧中所达到的艺术高度。巴洛克的关键词是“激情理论”和“装饰性”，音乐旨在打动和说服听众。 第四部分：古典主义的清晰与秩序——普世美学的追求 古典主义时期（约1750-1820年）是对巴洛克繁复装饰的反思，追求清晰、对称、均衡的理想。这一时代的美学观受到了启蒙运动理性精神的深刻影响。 本卷重点介绍奏鸣曲式（Sonata Form）的定型，这是古典器乐结构的核心。我们将分析海顿如何通过其在四重奏和交响曲中的创新，为这一形式奠定了不可动摇的基础，他被誉为“交响乐之父”。随后，我们将进入莫扎特的音乐世界，探讨他如何将完美的旋律天赋与清晰的结构完美结合，其歌剧中的人物塑造如何达到了前所未有的心理深度。 最后，我们考察贝多芬的开创性工作。他如何从古典主义的框架中挣脱，以强大的意志力和创新的手法，将交响曲的篇幅和情感强度推向新的极限，预示着浪漫主义的到来。 第五部分：浪漫主义的激情与个体解放——超越界限的探索 浪漫主义（约1820-1900年）的核心是个体情感的无限延伸、对自然的崇拜以及对民族身份的强调。音乐成为表达“自我”最直接的媒介。 本部分详细考察了艺术歌曲（Lied）的兴盛，特别是舒伯特和舒曼如何将诗歌的意境与钢琴伴奏的叙事功能提升到与人声同等重要的地位。我们分析了肖邦如何将钢琴这件乐器“个人化”，使其成为表达微妙心绪的终极工具。 交响诗（Symphonic Poem）的出现标志着标题音乐的胜利，李斯特如何通过这一形式，直接描绘文学或绘画作品。民族乐派的兴起（如德沃夏克、斯美塔那）则展示了音乐如何成为承载和弘扬民族文化身份的重要载体。 最后，我们审视了晚期浪漫主义的宏大叙事，如瓦格纳的“乐剧”概念，其中音乐、戏剧、哲学融为一体，对后世音乐产生了颠覆性的影响。 第六部分：世纪之交的断裂与重塑——通往现代的十字路口 进入二十世纪，音乐界经历了前所未有的动荡和实验。本部分着重于分析作曲家们如何系统性地瓦解了自巴洛克以来建立的调性体系，寻找新的组织原则。 我们探讨了印象派（Impressionism），如德彪西对音色和氛围的捕捉，如何打破传统的和声逻辑。随后是表现主义（Expressionism）的激进立场，特别是勋伯格对十二音体系（Twelve-Tone Technique）的建立，这是一种旨在确保所有音高平等和声学自由的尝试。 本部分也关注了斯特拉文斯基在《春之祭》中对原始节奏的狂暴运用，以及他在不同创作阶段对新古典主义的回归。我们还将考察民间音乐与爵士乐对欧洲严肃音乐的影响，揭示二十世纪音乐在多元文化碰撞中寻求新生的复杂图景。 结语：未完待续的听觉世界 本书的收束不仅是对历史的回顾，更是对未来音乐可能性的展望。我们强调，音乐的历史并非线性发展，而是充满了回归、反叛与融合的复杂过程。理解这些历史脉络和美学倾向，能够让听众在面对任何形式的音乐时，都能以更广阔的视野去欣赏其内在的逻辑、情感的表达及其所处的时代精神。本书旨在培养的是“会听”的耳朵，而非单纯的“识谱”能力。

评分☆☆☆☆☆

这本书的理论深度和广度令人印象深刻，尤其是在对后浪漫主义到20世纪早期音乐的梳理上，展现了作者极强的学术前瞻性。它没有止步于德彪西和斯特拉文斯基这些“老生常谈”，而是将视野投向了更具实验性的领域，如序列主义的诞生、新古典主义的回潮，甚至提到了十二音体系与民间音乐的潜在张力。更令人兴奋的是，它在介绍这些“颠覆性”的音乐运动时，所采用的语言风格非常克制和客观，避免了对某种新潮音乐的盲目推崇或不加批判的贬低，而是聚焦于它们对传统调性体系所发起的挑战，以及这种挑战在音乐结构上具体体现为何。这种平衡感让读者在面对20世纪音乐的“陌生感”时，有了一个可靠的理论支点去进行分析和理解，而不是仅仅停留在“听不懂”的层面。它鼓励的是一种批判性的聆听和思考，而非被动接受。

评分☆☆☆☆☆

我必须承认，起初我对“简史”这个词是持保留态度的，担心它会流于肤浅，无法提供足够的深度。然而，当我接触到关于中世纪音乐和早期复调音乐的部分时，我的疑虑完全打消了。书中对格里高利圣咏的起源、记谱法的发展，以及奥尔加农（Organum）等早期复调形式的演变过程的论述，细致入微，甚至提到了当时的修道院文化对音乐创作的制约和推动作用。对于这些相对冷门但至关重要的历史节点，作者没有采用一笔带过的方式，而是投入了相当的篇幅进行专门的解析，这对于志在打下坚实理论基础的学生来说，价值极高。它不仅仅是告诉你“发生了什么”，更重要的是解释了“为什么会以那样的方式发生”。例如，关于早期记谱法从纽姆（Neumes）到五线谱的演进，书中配有清晰的图表对比，直观展示了人类在试图固定声音记录上所付出的巨大努力。这种对音乐技术和历史语境结合的深刻理解，是教科书的典范。

评分☆☆☆☆☆

这本书的封面设计非常简洁，黑白为主色调，给人一种古典而严肃的感觉，非常符合教材的定位。拿到手里，分量感十足，装帧质量看起来相当扎实，应该能经得起长时间的使用和翻阅。我尤其欣赏的是它在内容排版上的用心，字体大小适中，行间距也留得比较合理，即便是像我这样稍微有些老花眼的读者，阅读起来也感到轻松不少。知识点的划分非常清晰，每一章节的标题都能准确地概括其内容，这对于快速定位和复习特定知识点极为方便。而且，书中似乎还穿插了一些历史手稿的复印件或者一些早期乐谱的局部展示，这些视觉元素极大地丰富了阅读体验，让枯燥的理论学习多了一丝历史的厚重感和亲切感。虽然是作为专业教材，但它并没有采取那种冷冰冰的学术腔调，反而透露出一种对音乐学习者尊重的态度。例如，在介绍复杂的和声进行时，作者会用一些很生活化的比喻来辅助理解，这对于初学者来说无疑是一个福音，避免了在晦涩的术语面前望而却步的尴尬局面。整体来看，从实体感受上，它传递出一种专业、严谨且人性化的教学理念。

评分☆☆☆☆☆

我花了将近一个星期的时间来通读前三章，最大的感受是其叙事逻辑的严密性和宏大视野的平衡把握。它不像某些音乐史教材那样，只是简单地罗列作曲家和作品的年代顺序，而是非常巧妙地将音乐风格的演变与当时欧洲社会、哲学思潮的变迁紧密地联系起来。比如，在探讨巴洛克晚期音乐如何向古典主义过渡时，作者并没有停留在对对位法和奏鸣曲式的技术分析上，而是深入剖析了启蒙运动对音乐审美趣味带来的根本性转变——从对上帝的敬畏转向对“自然人”的赞美和对清晰、均衡形式的追求。这种宏观背景的铺陈，使得每一个音乐时期的特征都变得有血有肉，不再是孤立的音符组合。更难得的是，书中对不同地域、不同流派之间的相互影响也有着细致的描摹，避免了将某个国家或学派过度神化的倾向，保持了一种全球视野下的音乐发展图景。阅读过程中，我时常会停下来思考，作者是如何在如此庞大的信息量中，提炼出如此精炼且富有洞察力的论点的，这种对材料的驾驭能力，实在令人佩服。

评分☆☆☆☆☆

作为一本长期使用的工具书，我关注的另一个重要方面是它的参考性和可检索性。这本书在附录部分做得非常出色。从一份详尽的音乐术语对照表（涵盖了德语、法语、意大利语的主要音乐术语），到按时间轴整理的关键作曲家及其代表作的清单，都体现了编者极强的服务意识。特别是那份对音乐时代划分的表格，简洁却全面，将各个时期音乐的核心特征、主要代表人物、乃至重要的乐器发展史都囊括其中，是考前快速回顾的绝佳材料。此外，书中的索引做得极为详尽，任何一个专业名词，无论是曲式结构名称还是具体的历史事件，几乎都能在索引中找到对应的页码，极大地提升了学习效率，省去了翻找的麻烦。这本书的设计目标显然是成为一本可以伴随学习者整个专业生涯的案头参考书，而非仅仅是交完试就束之高阁的教材，这一点在细节的处理上体现得淋漓尽致。