正版钢琴演奏教材现代钢琴演奏技巧实用教程教学指导初学 pdf epub mobi txt 电子书下载 2025

简体网页||繁体网页

☆☆☆☆☆

图书标签:

钢琴教材
钢琴演奏
钢琴技巧
初学钢琴
现代钢琴
教学指导
乐器教材
音乐教育
钢琴练习
实用教程

下载链接在页面底部

facebook linkedin mastodon messenger pinterest reddit telegram twitter viber vkontakte whatsapp 复制链接

想要找书就要到静流书站

book.coffeedeals.club

立刻按 ctrl+D收藏本页

你会得到大惊喜!!

店铺：海源阁图书专营店

出版社：上海音乐出版社

ISBN：9787552308693

商品编码：29867513544

丛书名：现代钢琴演奏技巧实用教程教学指导

具体描述

价格
￥81.00

套餐价
67.50元

弹琴三大宝：哈农拜厄599

序言
导论——关于钢琴演奏技巧
基础练习
第-章预备练习——声音传导练习
第二章单音与单指支撑练习
第三章和弦支撑练习
第四章弧形抬手练习
第五章连奏练习
第六章五种奏法与触键练习
第七章手指主动性、独立性与协调性练习
第八章发展4指、5指的练习
第九章伸展练习
第十章大拇指转指练习
第十一章琶音练习
高级练习
第十二章同音开始的十二个琶音练习
第十三章同音开始的十二个和弦练习
第十四章梅特涅尔手掌伸缩练习
第十五章陶西格半音与全音练习
第十六章全音音阶练习
第十七章脑力训练
第十八章季马金三音组合练习

《现代钢琴演奏技巧实用教程(练习指导)》内容包括序言；导论——关于钢琴演奏技巧；基础练习；预备练习——声音传导练习；单音与单指支撑练习；和弦支撑练习；弧形抬手练习；连奏练习；五种奏法与触键练习；手指主动性、独立性与协调性练习；发展4指、5指的练习；伸展练习；大拇指转指练习；琶音练习等等。

《现代钢琴演奏技巧实用教程(练习指导)》由上海音乐出版社出版。

作者简介

作者：（乌克兰）卡琳娜·波波娃（Galyna Popova）译者：龙颖

弦歌的足迹：西方音乐史的恢弘画卷与演奏的哲学思辨一卷跨越千年的回响，一次直抵心灵的对话。本书并非专注于某一种乐器的具体技巧训练，而是将视野投向更宏大、更深刻的领域：西方音乐自中世纪萌芽至二十世纪末的演变轨迹，以及演奏行为本身所蕴含的哲学、美学与文化意涵。我们试图构建一座桥梁，连接历史的厚重与演奏的当下，让学习者不仅知“如何弹奏”，更能理解“为何如此弹奏”。第一部分：音符的诞生与结构的演进本卷伊始，我们将追溯音乐艺术的源头。从古希腊的音阶理论（如毕达哥拉斯的音程划分）如何渗透到早期教会的单音圣咏（Gregorian Chant）之中，探讨这些早期音乐形态如何在功能性（礼拜仪式）的框架下，孕育出最早的记谱尝试。重点将放在中世纪晚期复调音乐的兴起，特别是巴黎圣母院乐派（Notre Dame School）如列奥南（Léonin）和佩罗坦（Pérotin）如何通过精确的节奏划分，实现了人声独立线条的并置，这是西方和声体系得以建立的基石。进入文艺复兴时期，音乐的重心从神圣转向世俗。我们将详细分析弗朗哥-佛兰德斯作曲家，如雅各布斯·奥克冈（Josquin des Prez）的对位技巧，以及这些技巧如何在室内乐和牧歌（Madrigal）中得到自由的表达。此时期的“模仿”与“卡农”结构，体现了早期的人文主义思想——追求均衡、清晰与比例。巴洛克时期，是音乐语言爆发性增长的黄金时代。本书将深入剖析“通奏低音”（Basso Continuo）这一核心实践，它如何成为巴洛克音乐的驱动力，使得即兴创作与结构化的乐章得以共存。对于巴赫的赋格（Fugue）艺术，我们不会止步于技法分析，而是探讨其数学般严谨的内在逻辑如何与深刻的情感表达完美融合。亨德尔的清唱剧和维瓦尔第的协奏曲，则展示了曲式结构（如奏鸣曲式的前身）在这一时期的成熟与规范化，为古典主义的到来积蓄了能量。第二部分：古典的理性与浪漫的激情古典主义时期，音乐追求的是清晰、平衡与普世性。我们将探讨海顿“交响曲之父”的称号背后，是对形式（如呈示部、发展部、再现部的三段式结构）的提炼与完善。莫扎特的音乐，则以其无与伦比的旋律天赋和完美的戏剧性布局，展现了理性光芒下的优雅与人性洞察。然而，人类的情感是难以被完全约束的。浪漫主义的浪潮不可避免地席卷而来。贝多芬作为承前启后的巨人，他的后期作品（如九部交响曲）如何打破了既有界限，将个人英雄主义和对自由的渴望融入到宏大的叙事中，将成为重点研讨对象。十九世纪，音乐越来越成为作曲家表达个人内心世界的载体。舒伯特、舒曼、肖邦和李斯特，他们如何通过艺术歌曲（Lied）、叙事曲（Ballade）以及诗意的练习曲，将文学意境和非凡的个人情感转化为音符？这里的讨论将侧重于“表现主义”的萌芽，即音乐如何开始偏离客观描述，转向主观体验的直接投射。瓦格纳的“主导动机”（Leitmotif）理论，以及其对歌剧结构彻底的革新，标志着音乐叙事达到了一个前所未有的复杂程度。第三部分：现代的解构与演奏的哲学进入二十世纪，西方社会经历了剧烈的变革，音乐也随之进入了“大分流”时代。德彪西和拉威尔的印象主义，如何通过对音色、和声色彩的精妙运用，描绘出转瞬即逝的光影和氛围？这与之前明确的和声功能体系形成了鲜明对比。勋伯格的“十二音体系”和后来的序列主义，是音乐史上最具颠覆性的尝试之一。本书将探讨这一体系的理论基础——如何通过消除调性中心来追求绝对的平等性，以及演奏者如何在这种“无中心”的结构中寻找新的逻辑指引。斯特拉文斯基的《春之祭》所引发的音乐革命，则聚焦于节奏的异化和原始力量的回归，这对后世的打击乐和节奏学产生了深远影响。最后，我们将探讨演奏行为本身的意义。演奏不是简单的再现，而是一种诠释性的创造行为。演奏者面对一部超越时空的文本，如何在尊重作曲家意图（如对速度标记、力度记号的理解）与融入个人生命体验之间找到平衡点？我们将讨论从“如实演奏”（Literal Performance）到“情感投入”（Affective Interpretation）的转变，并引入二十世纪中后期关于“演奏者主体性”的学术争论。优秀的演奏，是历史意识、技术能力、美学判断力和瞬间灵感共同作用下的产物。本书旨在激发读者对这些深层问题的思考，让每一次触键，都成为对音乐史和自我精神世界的探索。阅读对象：音乐专业学生、音乐史爱好者、具备一定演奏基础并渴望提升理解深度的音乐实践者。本书提供的是一套观察音乐的全新视角，而非具体指引如何解决某一技术难题的工具书。

用户评价

评分☆☆☆☆☆

这本书的封面设计得非常朴实，那种感觉就像是直接从一个老旧的乐器店角落里挖出来的一样，带着一种久经沙场的痕迹。初次翻开，我立刻被它那种直截了当的风格吸引住了。没有那些花里胡哨的插图或者过于现代的排版，它更像是一份严谨的学术笔记，充满了对基础扎实的执着。里面关于音阶和琶音的讲解，简直是教科书式的精确，每一个指法变化都标注得清清楚楚，仿佛作者就坐在你旁边，手把手地纠正你的每一个动作。我记得有一次在练习一个复杂的段落时卡住了，翻阅到关于“手腕放松与重心转移”那一节，那种描述不仅仅是文字上的，甚至能让人在脑海中构建出那个流动的画面感。这让我意识到，这不仅仅是一本“教你怎么弹”的书，它更像是一本“教你怎么思考”的乐理工具箱。对于那些追求技术根基的乐手来说，这种详尽到近乎苛刻的指导，是构建坚实演奏大厦不可或缺的砖石。它不迎合初学者的浮躁，而是要求学习者沉下心来，一步一个脚印地去丈量键盘的宽度。

评分☆☆☆☆☆

这本书的语言风格，用一个词来形容就是“毫不留情”。它不会用温和的词句来安慰学习者在练习中可能遇到的挫败感，而是用一种近乎解剖学家的冷静笔触，去分析每一个技术难点的成因和解决之道。例如，当讨论到快速音群演奏中出现“打架指”现象时，作者没有用“稍微注意一下”这种模糊的建议，而是给出了针对性的肌肉群训练方法和视觉引导。这种科学的、可操作的指导，远比空泛的鼓励来得实在。阅读过程中，我时常会停下来，对照着自己的手型进行观察和调整，发现自己很多所谓的“习惯”，其实都是长期积累下来的效率低下的动作模式。这本书就像一个技艺精湛的“诊断师”，能精确地指出你演奏中的“病灶”，并且提供清晰的“手术方案”。对于那些真正想把钢琴当作一门严肃艺术来对待的求知者而言，这种深度和严谨性，是无法替代的宝贵财富。

评分☆☆☆☆☆

拿到这本书的时候，我原本是带着一丝怀疑的，毕竟市面上打着“现代”、“实用”旗号的教材太多了，很多都只是将一些过时的技巧换了个时髦的名字。然而，这本书的深度很快打消了我的疑虑。它在处理一些高级技巧，比如非传统击弦和踏板的精妙运用上，展现出一种令人敬佩的洞察力。我尤其欣赏它在解释“音乐性”和“技术性”之间的辩证关系时所采用的视角。它没有将两者割裂开来，而是强调技术是为音乐表达服务的工具。例如，在讨论如何处理巴赫的复调音乐时，它会结合当时的演奏习惯和现代听觉审美进行对比分析，这种跨时代的对话感非常迷人。阅读过程中，我仿佛在跟随一位技艺精湛的老匠人，他不仅知道如何打磨工具，更懂得用这些工具去雕刻出独一无二的艺术品。这本书对于那些已经有一定基础，渴望突破瓶颈的演奏者来说，简直是一份及时的清醒剂，它能帮你把那些潜意识里的坏习惯彻底揪出来，然后用科学的方法进行矫正。

评分☆☆☆☆☆

这本书的排版风格，怎么说呢，就像是老电影里的字幕，简洁到近乎冷峻。如果你期待看到色彩鲜艳的图示或者生动的案例故事，你可能会感到失望。但对我来说，这种极简主义恰恰是一种解放。它强迫我的注意力完全集中在音符、指法标记和文字的逻辑链条上。我发现自己不再被视觉干扰分散心神，而是更深入地去理解每一个技术点的内在逻辑。其中关于手型稳定性的章节，几乎可以被视为一篇关于人体工程学的微型论文。作者非常注重对“自然状态”的描述，强调力量的传递应该是顺畅且不带滞涩感的，这与我过去接受的一些强调“用力按压”的训练形成了鲜明的对比。读完这部分内容后，我尝试调整了几个练习曲中的触键方式，发现原本僵硬的力度忽然变得富有弹性，这真是一次令人振奋的体验。这种“返璞归真”的教学理念，在如今浮躁的教学环境中显得尤为珍贵。

评分☆☆☆☆☆

与其他强调快速见效的教程相比，这本教材流露出一种对时间沉淀的敬畏。它不是那种让你一蹴而就的“速成秘籍”，更像是一本需要你投入数年光阴去反复研磨的古籍。书中的练习设计，看似重复，实则步步深入，每一次重复都是对前一次理解的深化和细微调整。尤其在处理连奏和断奏的过渡时，作者给出的练习曲目选择非常巧妙，它们都经过了精心的挑选和编排，确保了学习者能够在一个渐进的过程中实现对复杂技巧的掌握。我曾经对某些段落的节奏变化感到困惑，总觉得力度和时间点难以把握。后来，我按照书上建议的节拍器设置，将速度放慢到极限，逐个音符地去感受它们之间的微小间隔，最终才领悟到那种微妙的“呼吸感”。这本书教会我的，是耐心，是接受技艺成长需要漫长积累的现实，这本身就是一堂重要的音乐哲学课。