斯克里亚宾钢琴作品集Ⅶ协奏曲曲谱 正版钢琴教材 钢琴教程钢琴书 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

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张汝懋 译

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店铺： 海源阁图书专营店

出版社： 上海音乐

ISBN：9787807513049

商品编码：29867535664

丛书名： 斯克里亚宾钢琴作品集(协奏曲原版引进)

开本：8开

出版时间：2009-01-01

价格 ￥81.00 套餐价 67.50元 弹琴三大宝：哈农拜厄599

 

 

内容推荐 亚历山大·斯克里亚宾（1872．1915）在1896至1897年问创作了他的《升F小调钢琴协奏曲》，该部作品于1897年10月11日首演于敖德萨，由斯克里亚宾在莫斯科音乐学院期间的老师萨芬诺夫（Wassili Iljitsch Safonow）指挥。如果不把从1896年夏天开始创作但并没完成的《D小调交响快板乐章》算在内，这部钢琴协奏曲是斯克里亚宾本人第-部以管弦乐总谱形式创作的音乐作品。
斯克里亚宾的早期作品大多以短小的体裁形式出现，如前奏曲、练习曲、诗曲和多乐章奏鸣曲等钢琴作品形式。虽然他的创作受到肖邦的影响，并且在钢琴旋律形象方面也能让人感到略有弗朗克的痕迹，不过一位巴黎评论家的话也许更能从总体角度对其创作做出评价：“他（斯克里亚宾）的所有作品都展露出一个无以匹敌的艺术个性。他的演奏是独特的、不可言明的斯拉夫式魅力的经典垂范，他也是世界上出色的钢琴家。记住这个名字吧!”半）

 

协奏曲开头钢琴声部持续的戏剧性动机预告了整部作品的主体基调及其结构上有机的统一性。从这部作品我们能够看出斯克里亚宾牢牢掌控奏鸣曲这一形式的坚实技巧，也能看出他交响语汇的构造力和写作变奏的技巧。他在这之后再也没有写过变奏音乐。
虽然斯克里亚宾对他的协奏曲有些疏远，但作曲家本人还是在1906至1907年分别在纽约和底特律在公众场合中演奏了这部作品，此外还有在1911年的圣·彼得堡和l914年的伦敦的演奏。在俄罗斯“经典”钢琴协奏曲宝库中，斯克里亚宾的这部《升F小调钢琴协奏曲》与柴科夫斯基和拉赫玛尼诺夫的钢琴协奏曲比肩。君特·菲利普rGtinter Philioo）

 

 

 

好的，以下是根据您的要求撰写的图书简介，聚焦于其他钢琴作品集或相关音乐学习主题，完全不涉及您提供的《斯克里亚宾钢琴作品集Ⅶ协奏曲曲谱》的具体内容。 --- 专题系列丛书：二十世纪中叶欧洲钢琴文献探索与演绎 丛书导言：时代的回响与指尖的对话 本丛书系列旨在深入挖掘二十世纪中叶（约1930年至1970年间）欧洲大陆涌现出的、具有重要艺术价值和教学意义的钢琴独奏及室内乐作品。这一时期，音乐语言经历了剧烈的变革，传统调性体系受到挑战，作曲家们在序列主义、偶然音乐、新古典主义及民族风格融合的浪潮中，探索着钢琴表达力的边界。本丛书并非聚焦于某一位特定作曲家的全部创作，而是以主题、风格或地域为线索，系统性地整理、编选和注释了该时期大量被忽视或亟待重新审视的钢琴文献。 本系列丛书的核心目标在于，为高等音乐院校的师生、专业演奏家以及对现代音乐史有深入兴趣的业余爱好者，提供一套严谨、详尽且具备实践指导意义的参考资料。我们相信，理解二十世纪中叶的音乐语汇，是构建当代钢琴演奏风格的基石。 --- 分册一：《从巴托克到梅西安：节奏与色彩的革命》 （A Study of Rhythm and Color: Bartók to Messiaen） 本册专注于考察两位具有划时代意义的作曲家——贝拉·巴托克（Béla Bartók）及其后继者们对节奏结构和音色运用所产生的深刻影响。 核心内容聚焦： 1. 民间音乐的结构化处理： 深入分析巴托克作品中“非对称节奏”和“多重节拍”的内在逻辑。本册精选了部分巴托克后期成熟期的独奏曲目（不含其协奏曲），重点剖析其对匈牙利及东欧民间音乐素材的提炼与内化过程。通过对比分析，揭示其如何将民族元素转化为普世的音乐结构。 2. 和声色彩的系统构建： 详尽阐述奥利维埃·梅西安（Olivier Messiaen）的“移位和弦”（Modes of Limited Transposition）理论。本册收录并细致注释了梅西安早期至中期的几部重要钢琴小品，这些作品是理解其“神学音乐”与自然观察理念的钥匙。我们将提供详细的指法建议，以应对其复杂的节奏复调和超强的和声色彩要求。 3. 结构性节奏的实践： 针对复杂节拍的演奏技巧进行专门训练。本册包含一系列为教学目的而编纂的练习曲，这些练习曲模仿了巴托克和梅西安作品中常见的、需要极高双手协调性的节奏组合，帮助学习者在掌握乐谱的同时，建立起对时值精确控制的能力。 4. 配器思维对独奏的转化： 研究作曲家们如何将管弦乐的配器思维（如铜管的庄严、木管的灵动）巧妙地融入钢琴的音域和触键方式中。这要求演奏者突破传统钢琴“歌唱性”的束缚，发展出更具颗粒感和对比度的音色层次。 读者对象： 具备中高级技术水平，对二十世纪音乐的非传统结构和色彩和声有强烈探索欲的钢琴学习者及教师。 --- 分册二：《新古典主义的理性回归与序列音乐的初探》 （Neoclassical Rationality and Early Serial Explorations） 本册将视角投向战后欧洲音乐中一股清晰的“回归秩序”的力量，以及在序列主义（Serialism）领域内，作曲家们如何将其应用于键盘创作的初期尝试。 核心内容聚焦： 1. 斯特拉文斯基与“新巴洛克”： 重点分析伊戈尔·斯特拉文斯基（Igor Stravinsky）在成熟期对巴赫、莫扎特等古典大师的借鉴与解构。本册精选的独奏作品（如选自《钢琴奏鸣曲》或《D大调嬉游曲》的片段），强调其对位法的清晰性、动机的经济性以及对传统曲式的“理性”重构。演奏指南将侧重于如何表现其清晰的线条感和“机械化”的节奏驱动力。 2. 保罗·欣德米特（Paul Hindemith）的“接触音乐”： 探讨欣德米特晚期作品中对“功能和声”的重新定义，以及其强调的演奏者与乐器之间“物理接触感”的理念。本册收录了他部分强调对位清晰度和声部独立的练习曲目，旨在训练双手对位声部的独立思考能力，避免声部模糊。 3. 十二音技法的早期应用： 审视了在维也纳学派之外，其他欧洲作曲家（如部分法国或意大利作曲家）如何接触并尝试运用十二音体系。本册选取了一些具有“过渡性”的作品，这些作品尚未完全采用严苛的序列规则，但在音高组织上显示出明显的十二音倾向。分析将侧重于如何在其结构中寻找逻辑，而非仅仅将其视为无调性堆砌。 4. 清晰触键与音区分离： 新古典主义的演奏要求声音的“透明度”。本册专门设立了关于力度控制与音区平衡的章节，教授如何确保对位声部即使在弱奏或快速段落中也能保持各自的清晰轮廓，避免“泥泞感”。 读者对象： 具备扎实古典与浪漫主义演奏基础，希望系统性地理解二十世纪音乐在结构、和声逻辑上如何“回归”或“反叛”传统的进阶学习者。 --- 分册三：《键盘演奏的拓展：音色、触键与现代技巧的桥梁》 （Expanding Keyboard Technique: Timbre, Touch, and the Bridge to Modern Repertoire） 本丛书并非单纯的曲集，而是强调实践指导。本册作为技术应用与理论结合的枢纽，旨在弥合传统技巧训练与现代作品要求的鸿沟。 核心内容聚焦： 1. “非传统”钢琴技巧的整理： 总结二十世纪中叶作曲家们对钢琴发掘出的新表现手法，包括但不仅限于：集群音（Tone Clusters）的有效构建与释放；对琴弦的直接触碰（如部分法国作曲家的指示）；以及对延音踏板的“模糊”使用。本册将提供具体练习，安全、有效地拓展演奏者的触键范围。 2. 演奏家对新乐谱的解读策略： 针对二十世纪中叶乐谱中出现的复杂记号（如非标准的节奏分割、不明确的力度标记、多重速度指示等），本册提供了一套系统的解读流程。重点在于如何根据作曲家的整体风格，在不完全偏离原意的基础上，做出合理且具有艺术说服力的演奏决策。 3. 踏板的重塑： 传统钢琴演奏对踏板的使用往往服务于连贯性和歌唱性。本册研究了如何利用踏板来强调非功能性和声，或创造出持续的“声场背景”。通过分析特定曲目中的踏板指示，指导演奏者如何使用“半踏”或“叠加踏板”来营造特定的空间感或色彩效果。 4. 录音文献的参照价值： 本册穿插引用了该时期几位重要首演者的录音片段分析（仅作为理论参考，不附带具体录音），讨论不同演奏者如何处理同一部作品在技巧难度和艺术阐释上的差异，从而启发学习者形成自己的声音哲学。 读者对象： 专注于提高现代作品演奏能力，渴望理解钢琴技术与音乐语言之间深层联系的演奏者。 --- 本丛书的共同特点： 版本学严谨性： 所有选入的乐谱均参照了作曲家生前或逝后最可靠的初版或权威校订版，并对可能存在的印刷错误或不一致之处进行了详细的脚注说明。 图文并茂的注释系统： 理论讲解与乐谱示例紧密结合，确保抽象概念能迅速转化为实际演奏动作。 跨学科视野： 尝试将音乐学、美学和表演实践相结合，提供多维度的学习体验。 这套《二十世纪中叶欧洲钢琴文献探索与演绎》丛书，致力于为推动对这段关键音乐时期的理解与普及，贡献一份详尽而实用的学术与实践指南。

评分☆☆☆☆☆

作为一名古典乐发烧友，我一直对德彪西的印象曲派作品抱有一种既敬畏又好奇的态度。这本《德彪西印象派钢琴曲集》可以说是为我打开了一扇通往“音乐印象”的窗户。它的难度设置非常合理，从相对易于上手的《月光》开始，逐步过渡到色彩斑斓、需要高度控制的《意象集》。让我印象深刻的是，书中对于德彪西特有的和弦色彩和非传统的音阶运用，都有非常细致的解析。它不仅仅是告诉你“弹这个音”，更重要的是解释了“为什么德彪西要用这个音”。比如，在处理全音阶时，教材会配有简短的文字说明，指导演奏者如何保持其空灵感，避免听起来像是在机械地移动。对于那些追求音色层次感的学习者来说，这本书简直是宝藏。而且，它的装订方式非常平整，翻开后能很好地平铺在琴架上，这对于演奏那些需要大幅度跨越或复杂对位段落时至关重要，根本不用担心乐谱会突然合上打断演奏的流畅性。

评分☆☆☆☆☆

我一直想挑战一下巴赫的赋格作品，但传统的乐谱往往把对位关系展示得过于扁平，很难一眼看出声部的交织与独立。这本《巴赫二部与三部创意曲（新译本）》彻底改变了我的阅读体验。它采用了创新的视觉呈现方式，通过不同的字体粗细或者轻微的缩进，清晰地标示出各个声部的进入点和进行轨迹。这对于初次接触巴赫复调音乐的学习者来说，简直是“救命稻草”。我过去总是需要在脑海中像侦探一样去搜寻声部，而现在，乐谱本身就在帮我做这项工作。书中的注释部分，对于巴赫时代常用的“装饰音”的演奏法，也提供了现代钢琴演奏者最容易接受的几种处理方式，避免了那种晦涩难懂的古代音乐学解释。这本书真正做到了“承古启今”，它让你在尊重历史风格的前提下，能够用当代最有效的学习方法去掌握这些复调巨作的精髓。它的纸张质地偏哑光，在灯光下阅读时，丝毫不会反光，对保护视力也十分友好。

评分☆☆☆☆☆

我之前尝试过好几本李斯特的练习曲集，但很多版本要么过于注重炫技而忽略了音乐性，要么就是排版得让人眼花缭乱。这本《李斯特练习曲精选：技术与诗意》在两者之间找到了一个绝妙的平衡点。它精选的曲目覆盖了李斯特不同时期的技巧难点，比如关于八度连奏、快速琶音和三度音程的专项练习，都编排得非常系统。最让我感到“相见恨晚”的是，它没有简单地罗列练习曲，而是将技巧性极强的段落与更具抒情性的乐段穿插在一起讲解。书中提到，李斯特的练习曲本质上也是“小品”，需要注入情感而非仅仅是机械的肌肉训练。这个观点极大地改变了我过去对这些作品的看法。我发现，当我对技巧部分有了更深的音乐理解后，练习的效率也提升了不少。书中的导读部分对每首练习曲的“技术核心”和“情感基调”的提炼，精准到位，让人能够迅速抓住练习的重点，而不是在无意义的重复中消磨时间。

评分☆☆☆☆☆

这本《贝多芬奏鸣曲全集》真是让我爱不释手，作为一名钢琴学习者，我一直在寻找一套能够系统、深入地引导我进入贝多芬宏大音乐世界的工具书。这套书的排版设计简直是业界良心，每一个音符都清晰可见，即便是那些快速的跑动和复杂的和弦，也毫无阅读压力。更让我惊喜的是，它不仅仅是简单的乐谱堆砌，每一首奏鸣曲前面都有详尽的历史背景介绍和演奏提示，这对于理解作品的内涵至关重要。比如，在练习《热情》奏鸣曲时，出版者提供的关于贝多芬当时创作心境的描述，让我能更好地把握乐曲的情绪张力与戏剧性冲突。我对教材的实用性要求很高，这套书在这方面也做到了极致，指法标记得当且不突兀，既提供了专业指导，又留有足够的个人发挥空间。市面上很多版本为了追求“复古”而故意模糊指法，反而给初学者带来了困扰，但这本的平衡感掌握得非常好。我已经将它作为我日常练习的基石，期待着能够将这伟大的音乐财富真正融入我的指尖。

评分☆☆☆☆☆

我最近入手了这套《肖邦夜曲精选集》，说实话，最初是被它那典雅的封面设计所吸引的，但真正让我决定长期使用下去的，是它在细节处理上的匠心独运。很多时候，学习肖邦的作品，最难把握的就是那种如歌的旋律线和微妙的踏板运用，这本教材对踏板的处理简直是一门艺术。它没有采用一成不变的踏板标记，而是根据乐句的呼吸和和声的进行，给出了多重甚至可选的踏板方案，这极大地拓宽了我对作品情感表达的理解维度。例如，在某些需要延音非常克制、干净利落的段落，它会明确提示“短促的半踏”；而在需要充分融合、色彩饱满的段落，则会建议“全踏并及时切换”。此外，书中的一些小注释，比如关于不同钢琴音色对夜曲风格的影响，也让我这个业余爱好者受益匪浅，让我开始思考如何在不同触键力度下塑造出属于自己的“月光”或“梦境”。这本书的纸张质量也相当不错，即便是长时间翻阅和在琴谱架上固定，也不会轻易卷边或损坏，可见出版方对“实用性”和“艺术性”的结合考虑得十分周全。