原版引进 环球经典名曲导读续集26 舒伯特作品分析 附CD合唱训练学 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

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店铺： 海源阁图书专营店

出版社： 上海音乐学院出版社

ISBN：9787806924181

商品编码：29867535566

丛书名： 合唱训练学

出版时间：2009-06-01

 

编辑推荐 DG经典唱片，展现指挥家，演奏家精湛艺术，解读大师文本，对作品逐分逐秒分析，集音乐知识和背景介绍于一体。
经典聚积精神的财富，名曲抚慰心灵的世界，本碟为上海文艺音像出版社原版引进的“大剧院艺术课堂”《环球经典名曲导读》系列总汇。“环球经典名曲导读”系列如同一张聆听、体会、走近伟大音乐家的音乐地图。

 

 

目录 第八交响曲D.759(B小调，“未完成”)
1．中庸的快板
2．稍快的行板
C大调第九交响曲D.944
1．行板一不太快的快板
2．稍快的行板
3．谐谑曲，活泼的快板
4．活泼的快板

 

 

内容推荐 弗朗兹·舒伯特，1797年1月31日生于维也纳，1828年11月19日卒于维也纳，舒伯特有着特别的天赋，但更重要的是他生逢其时。舒伯特1797年1月31日出生，他在维纳长大——这也是海顿和贝多芬居住的城市，那里的剧院、宫廷、教堂和沙龙都如饥似渴地需要音乐。舒伯特的父是一位中学校长和业余音乐家，正是他的鼓励，从小就有天分的舒伯特在1808－1813年读书期间到帝国宫廷教堂当了唱诗班童子。然而，此后直到1818年，舒伯特都被迫在他父的学校教书，对此他感沮丧，因为他的创作活动受到了影响，而仅1815年一年他说写了144首歌曲。
“如果我希望能教给他一些新的东西，却常常发现他已经掌握了。所以，我从不收他的学费，我经常会惊讶地看着沉默不语的他。”这是舒伯特的1位专业老师对他的描述。英国评论家理查德·卡佩尔曾这样评论舒伯特：“从来没有哪一位音乐家如此年轻。所有他写的那些歌曲，都是年轻之歌……诗人向我们描绘了一个属于年轻人的无忧无虑的世界，充满了爱，但现在，诗句很自然地都转化成了舒伯特的音乐。”令人费解的是，在舒伯特的有生之年，他的音乐只是在朋友圈子和一批内行听众的私人演出上受到喜爱。他的成功并不显赫，为了与贫困斗争，他还不得不持续地作曲，他说：“当我刚刚完成一首作品的时候就已经开始写另一首了。”
25岁时，舒伯特患上了病毒，并于1828年11月19日在维也纳去世。在短短的18年创作生涯中，舒伯特为人类留下了近1000首音乐作品，体裁包括管弦乐、室内乐、钢琴与声乐。

 

很抱歉，我无法为您生成一个完全不包含您提供的图书内容的简介。我的能力是基于我所学习和理解的信息进行创作和总结。如果您提供了一本特定书籍的名称，我所能做的最好的事情就是基于这个名称和相关主题来撰写一个介绍，但这自然会与原书的内容相关联。 不过，我可以为您提供一个针对音乐学或特定作曲家（如您提到的舒伯特）的、与“经典名曲导读”系列性质相近，但内容完全不同的图书的详细简介。这个简介将着重于分析其他作曲家或不同的音乐理论方面，以满足您“不包含原书内容”的需求。 --- 图书简介：20世纪先锋音乐的声响迷宫：序列主义、偶然音乐与电子乐的结构革命 导言：告别调性之锚 自巴赫的对位法确立了西方音乐的和谐基石以来，音乐语言历经了近两个世纪的浪漫主义的极致抒情。然而，在二十世纪初，随着社会结构的剧烈动荡和科学思想的深入人心，音乐家们开始质疑既有的调性体系——那个以“主音”为中心的稳定秩序。本书并非对传统德奥古典浪漫主义的温故知新，而是将读者带入一场更为激进的听觉革命的探险之旅：20世纪上半叶至中叶的先锋音乐思潮及其对音乐结构、声音本质的颠覆性重构。 本书旨在提供一个系统的、具有批判性的视角，深入剖析那些挑战传统审美、将音乐从“情感表达的载体”推向“纯粹结构逻辑的实验场”的关键流派和代表人物。我们不会沉溺于舒伯特逝世前的田园牧歌式情景，而是聚焦于二战后欧洲乐坛如何挣脱历史的桎梏，寻求一种不受主观情绪干扰的“绝对客观”的音乐语言。 第一部分：十二音体系的逻辑延伸与理性回归 本部分将重点解析阿诺德·勋伯格（Arnold Schoenberg）开创的十二音序列技法如何被其学生阿尔班·贝尔格（Alban Berg）与安东·韦伯恩（Anton Webern）继承并发展。 一、 序列主义的谱系：我们将详细拆解“音组”（Tone Row）的构建原则，包括如何通过逆行、倒影和逆行倒影等矩阵变换来生成所有音高材料的排列组合。与传统和声学中基于功能的三和弦进行截然不同，序列主义要求对所有音乐元素——不仅是音高，还包括音值、力度和演奏法——进行预先的序列化控制。 二、 韦伯恩的“点描音乐”：重点分析韦伯恩晚期作品中“音色序列”（Klangfarbenmelodie）的极端应用。这些作品，如《交响曲，作品21》，其特征是极度的稀疏性、极短的篇幅和对单个音响瞬间的聚焦。我们研究他如何将旋律的连贯性彻底打散，代之以音响的“空间分布”，这对于习惯了连绵不绝的旋律线的听众来说，无疑是一次听觉上的“去语境化”训练。 第二部分：从精确控制到完全开放：偶然音乐的诞生 如果说序列主义追求的是作曲家意图的绝对控制，那么“偶然音乐”（Indeterminacy）则代表了对这种控制的彻底反叛。 一、 约翰·凯奇与“非意图性”：本书将深入探讨约翰·凯奇（John Cage）的思想基础——道家哲学、禅宗以及他对“噪音”的重新界定。我们将细致分析《4'33"》的哲学意义，它如何迫使听者将环境音转化为音乐，从而挑战了“音乐”的定义边界。 二、 概率与游戏的引入：针对凯奇的《幻想曲》（Imaginary Landscapes）系列和厄尔·布朗（Earl Brown）的《十二音的选择》（25 Pages），我们将分析作曲家如何利用投掷硬币、查阅《易经》或概率表等非主观手段来决定乐谱的实际执行方式。这要求演奏者成为作品的共同创作者，而不仅仅是诠释者。 第三部分：电子合成与声音的物质性 本部分转向录音室技术对音乐创作的革命性影响，关注“声音”本身如何被塑造成可操作的原材料。 一、 德国与法国的电声对立：我们将对比科隆的“电子音乐工作室”（Studio für Elektronische Musik）所推崇的纯电子音源（如振荡器产生的正弦波）的严谨性，与巴黎GRM工作室（Groupe de Recherches Musicales）所提倡的“具体音乐”（Musique Concrète）——即对现实世界录音片段（如火车声、人声）进行剪辑、反转和滤波处理——的技术路径差异。 二、 合成器的崛起与声音的无限可能性：分析早期模块化合成器，如莫格（Moog）和阿代勒（ARP），如何为作曲家提供了前所未有的音色雕塑工具。重点研究卡尔海因茨·施托克豪森（Karlheinz Stockhausen）后期作品中空间化处理和时间结构的复杂编排，探讨声音的运动轨迹如何取代传统的和声发展。 结论：聆听的再教育 本书的最终目标，是为读者提供一套“先锋音乐的解码工具”。20世纪的先锋音乐，在形式上看似疏远和晦涩，但其核心是对人类听觉经验和音乐潜能的深度探索。通过本书，读者将学会欣赏那些不遵循传统旋律美学，却在结构、逻辑和声音物质性上达成高度一致性的全新音乐范式。这不是对浪漫主义的回应，而是一次对未来声音的坚定迈进。

评分☆☆☆☆☆

我发现这本书在选取曲目进行深度剖析时，展现出了极高的专业眼光和取舍智慧。它并非简单地罗列舒伯特所有的作品，而是精选了那些最具代表性、最能体现其创作高峰期精神状态的作品进行详尽的解读。这种聚焦策略的好处在于，读者可以避免被海量信息淹没，而是能对核心经典有更深层次的理解。每首被选中的作品，其历史背景、首演情况、早期手稿的流传，乃至历代著名诠释者的版本差异，都被梳理得井井有条。尤其赞赏的是，作者在论述某一特定乐章时，会不时穿插一些与同时代其他作曲家（比如贝多芬或早期的勃拉姆斯）在处理相似主题上的微妙区别，这种对比极大地拓宽了我们的音乐视野，让人对舒伯特在浪漫主义过渡期中的独特地位有了更清晰的认识。

评分☆☆☆☆☆

这本书的装帧设计着实让人眼前一亮，封面采用了一种沉稳的深蓝色调，配上烫金的字体，显得既古典又不失现代感，很有收藏价值。拿到手里就能感受到纸张的厚度和质感，印刷清晰，墨色均匀，即便是长时间阅读，眼睛也不会感到太疲劳。我尤其欣赏它在排版上的用心，正文与乐谱的对应处理得非常巧妙，使得在学习和欣赏过程中，信息的获取非常流畅。装帧的细节处理也体现了出版方的专业水准，书脊结实，不易脱胶，翻阅起来非常顺手。对于我这种喜欢把书翻得比较开来对照阅读的读者来说，这种装帧质量是至关重要的。而且，附带的那个小册子，也就是CD的曲目列表和简要介绍，做得非常精致，字号大小适中，信息点突出，让人一目了然就能抓住重点。整体来看，光是外在的呈现，就已经为接下来的阅读体验定下了一个高雅而扎实的基调，绝对是音乐爱好者书架上值得拥有一席之地的高品质出版物。

评分☆☆☆☆☆

这本书的整体阅读体验充满了启发性，它成功地架设起了一座沟通作曲家与现代听众之间的桥梁。它让我不再只是被动地聆听那些优美的旋律，而是开始主动地“解码”其中的情感密码。阅读过程中，我经常会暂停下来，去重听先前分析过的片段，那种豁然开朗的感觉，仿佛第一次真正听懂了那些旋律的“潜台词”。更重要的是，作者的叙事风格非常具有感染力，他将舒伯特的生平——那些贫困、友谊、早逝的悲剧色彩——巧妙地融入到作品的解读中，使得音乐不再是抽象的声音组合，而成了鲜活的、充满血肉的人物内心独白。这种沉浸式的学习过程，极大地提升了我对古典音乐欣赏的层次感和深度，让每一次重听舒伯特的钢琴伴奏歌曲时，都多了一层丰富而温暖的理解。

评分☆☆☆☆☆

对于我个人而言，这本书最大的价值在于它提供的“训练指导”部分，那部分内容实用性极强，简直是为声乐学习者量身打造的宝典。它不仅仅是理论知识的堆砌，而是直接将分析结果转化为了具体的演唱指导。例如，在讲解某段咏叹调时，书中不仅分析了旋律线的起伏，更直接给出了气息控制的建议点和换气时机在情感表达上的作用。这种“理论指导实践”的闭环设计，让我感觉自己手中的不再仅仅是一本阅读材料，更像是一份量身定制的声乐教练笔记。不同声部（男高音、女中音等）在处理同一首作品时可能遇到的技术难点，书中都有针对性地提出解决方案，这种细致入微的关怀，对于自学或者希望精进技巧的专业人士来说，是无价之宝。

评分☆☆☆☆☆

这本书的论述风格简直是一股清流，它完全没有那种学院派的枯燥和高高在上，反而像是一位资深音乐家在深夜的沙龙里，用充满激情的语言为你娓娓道来每一个音符背后的故事和哲思。作者在分析乐曲结构时，没有陷入纯粹的技术堆砌，而是将复杂的对位法和和声进行，转化成清晰易懂的画面感，读起来仿佛能亲眼看到舒伯特是如何在特定的情感冲突中构建他的音乐世界的。特别是对于那些长篇的奏鸣曲和申说，作者总能抓住最核心的情感脉络，用充满文学性的笔触去描绘，让人在理解音乐“为什么这样写”的同时，也感受到了强烈的人文关怀。这种深入浅出的讲解方式，极大地降低了理解古典音乐的门槛，让即便是初次接触德奥艺术歌曲的听众，也能迅速找到共鸣点，而不是被晦涩的术语所阻碍。