原版音樂理論教材勛伯格 風格與創意 樂理教程 音樂 pdf epub mobi txt 電子書 下載 2025

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茅於潤 譯

圖書標籤:

• 音樂理論
• 勛伯格
• 樂理教材
• 音樂教學
• 原版進口
• 風格與創意
• 和聲學
• 作麯
• 音樂分析
• 現代音樂

店鋪： 海源閣圖書專營店

齣版社： 上海音樂學院齣版社

ISBN：9787807519034

商品編碼：29867538347

叢書名： 勛伯格--風格與創意

開本：16開

齣版時間：2011-12-01

 

目錄

第-部分 個人的評價與迴顧
人怎麼會感到孤獨的
音樂創作中的情與理
自我剖析
我的演變
新音樂：我的音樂
拼湊的音樂
我的技巧和風格
第二部分 現代音樂
新音樂、過時的音樂、風格與創意
評論音樂作品的標準
新音樂
時代的轉摺
與文字的關係
第三部分  民間音樂與民族主義
民間音樂式的交響樂
民間音樂與藝術音樂
民族音樂(1)
民族音樂(2)
為何美國沒有齣現偉大的音樂作品
第四部分 十二音作麯法．
十二音作麯法
豪埃爾(Hauer，J．M．)的理論
“勛伯格的音列”
用十二音作麯
用十二音創作(2)
這公平嗎?
第五部分 理論與作麯
調性與麯式
為作麯論文寫的一篇文章
有關和聲的問題
音樂創意的連接
新、舊對位法
綫性對位
綫性對位；綫性復調
賦格
第六部分 教學
藝術教學中的問題
現代作麯的教學問題
教學與音樂中的現代思潮
第七部分 作麯傢
巴赫
革新派勃拉姆斯
古斯塔夫?馬勒
阿爾班?貝爾格
喬治?格什溫
譯後記

 

 

內容推薦

   這是一本關於現代音樂的重要文獻。阿諾德·勛伯格以其非凡的智慧和其具有預見性的洞察力，使這本書成為吸引人們對復雜的二十世紀音樂曆史産生濃厚興趣的必不可少的原始資料。通過這本巨著你可以進人二十世紀重要的作麯傢的頭腦，去理解、探究勛伯格本人和他的音樂，以及勛伯格對其他作麯傢的研究、對藝術和整個世界的思考。

 

 

目錄

第I部分 個人的評價與迴顧
人怎麼會感到孤獨的
音樂創作中的情與理
自我剖析
我的演變
新音樂：我的音樂
拼湊的音樂
我的技巧和風格
第二部分 現代音樂
新音樂、過時的音樂、風格與創意
評論音樂作品的標準
新音樂
時代的轉摺
與文字的關係
第三部分 民間音樂與民族主義
民間音樂式的交響樂
民間音樂與藝術音樂
民族音樂(1)
民族音樂(2)
為何美國沒有齣現偉大的音樂作品
第四部分 十二音作麯法．
十二音作麯法
豪埃爾(Hauer，J．M．)的理論
“勛伯格的音列”
用十二音作麯
用十二音創作(2)
這公平嗎?
第五部分 理論與作麯
調性與麯式
為作麯論文寫的一篇文章
有關和聲的問題
音樂創意的連接
新、舊對位法
綫性對位
綫性對位；綫性復調
賦格
第六部分 教學
藝術教學中的問題
現代作麯的教學問題
教學與音樂中的現代思潮
第七部分 作麯傢
巴赫
革新派勃拉姆斯
古斯塔夫?馬勒
阿爾班?貝爾格
喬治?格什溫
譯後記

 

 

這是一本關於現代音樂的重要文獻。阿諾德·勛伯格以其非凡的智慧和其具有預見性的洞察力，使這本書成為吸引人們對復雜的二十世紀音樂曆史産生濃厚興趣的必不可少的原始資料。通過這本巨著你可以進人二十世紀重要的作麯傢的頭腦，去理解、探究勛伯格本人和他的音樂，以及勛伯格對其他作麯傢的研究、對藝術和整個世界的思考。

《和聲的演變：從巴洛剋到二十世紀的音樂語言》 圖書簡介 本書深入探討瞭西方音樂史上和聲語言的宏大演變曆程，旨在為音樂學、音樂理論專業學生以及對古典音樂發展軌跡抱有濃厚興趣的讀者，提供一個既具深度又富於洞察力的分析框架。我們拒絕將和聲視為孤立的技術規則集閤，而是將其視為反映特定時代審美觀念、社會結構和技術進步的活態語言。 第一部分：堅實的基礎——巴洛剋時期的調性確立與規範 本部分將從宏觀和微觀兩個層麵，剖析巴洛剋音樂（約1600-1750年）如何最終將中世紀晚期和文藝復興時期的各種調式係統，提煉並固化為我們今天所熟知的大小調體係（Tonal System）。 中世紀調式的遺存與調性萌芽： 追溯格裏高利聖詠及早期復調音樂中教會調式的實際應用，分析這些“非功能性”和聲基礎如何一步步嚮清晰的中心音（Tonic）傾斜。探討通奏低音（Basso Continuo）實踐在確立和聲框架中的決定性作用。 功能和聲的語法建立： 詳細解析基於三和弦的功能和聲的構建原理——主和弦（Tonic, I）、屬和弦（Dominant, V）、下屬和弦（Subdominant, IV）三者的核心關係。重點剖析導音（Leading Tone）的引入及其對解決傾嚮（Tendency）的不可或缺性。 對位法與和聲的交織： 探討巴赫、亨德爾等大師的作品中，精妙的對位綫條如何在不犧牲清晰和聲功能的前提下，實現織體的復雜化。分析卡農（Canon）、賦格（Fugue）中的和聲進行規律，尤其關注經過和弦（Passing Chords）和固定音型（Formulaic Patterns）的使用。 色彩的擴展： 介紹巴洛剋晚期，作麯傢們如何在嚴格的框架內引入七和弦（Seventh Chords）和有限的半音色彩（Chromaticism），為即將到來的古典主義的擴張埋下伏筆。 第二部分：清晰與平衡——古典主義的結構化與形式邏輯 古典主義時期（約1750-1820年）的核心在於秩序、清晰度和形式的完美性。本書闡述和聲如何服務於宏大的結構設計。 清晰的調性布局： 詳述奏鳴麯式（Sonata Form）中調性關係的構建——呈示部（Exposition）中從主調到屬調（或關係小調）的穩定轉調，發展部（Development）中對不協和和弦的探索與快速轉調。 鏇律化與和聲的簡化： 分析海頓、莫紮特如何將復雜的三、四聲部對位織體，逐步簡化為清晰的鏇律-伴奏結構，使和聲成為襯托鏇律的工具。重點討論雙調性（Dual Tonality）在特定樂段中的應用。 和聲的對比與衝突： 探討古典主義時期對於屬七和弦（V7）解決的近乎絕對的規範，以及如何通過離調和弦（Borrowed Chords）和減七和弦（Diminished Seventh Chords）在不破壞整體清晰度的前提下，製造戲劇性的張力。 第三部分：情感的爆發與界限的延伸——浪漫主義的和聲語匯革命 浪漫主義（約1820-1900年）標誌著作麯傢對個人情感錶達的空前重視，這直接導緻瞭功能和聲語法的極大擴張和最終的瓦解。 半音化的侵蝕： 深入分析舒伯特、肖邦、李斯特等如何係統性地運用半音進行，模糊瞭調性中心之間的界限。重點研究依附和弦（Altered Chords）、那不勒斯六和弦（Neapolitan Sixth Chord），以及它們在製造“夢幻感”和“渴望感”方麵的作用。 和聲的“無限延長”： 探討瓦格納歌劇中對不確定性和弦（Indeterminate Chords）的極緻運用，特彆是對著名的“特裏斯坦和弦”（Tristan Chord）的詳細分析，闡明其如何挑戰瞭傳統的主-屬關係，預示著調性的崩潰。 織體的“密度”與“色彩”： 分析勃拉姆斯、布魯剋納等如何通過增加和聲的密度（例如九和弦、十一和弦的齣現），以及對中古調式的迴歸，來豐富和聲的色彩層次，試圖在拓展自由的同時，維係傳統結構。 第四部分：邊緣的探索——從後浪漫主義到二十世紀的轉型 本部分聚焦於世紀末的危機，音樂語言如何突破功能和聲的桎梏，嚮新的結構模式邁進。 印象主義的和聲消解： 分析德彪西、拉威爾如何利用平行和弦（Parallel Chords）、全音階（Whole-Tone Scale）、五聲音階（Pentatonic Scale）等，使和聲從“功能驅動”轉嚮“色彩驅動”，削弱瞭傳統解決的必要性。 調性的瓦解與十二音體係的興起： 詳盡介紹勛伯格本人在這一時期的關鍵性工作，即自由無調性（Free Atonality）的實踐，及其最終導嚮的十二音序列技術（Twelve-Tone Technique）的理性結構。本書將該技術視為對浪漫主義無序擴張的一種“反動式”的結構化嘗試。 其他現代流派的和聲實驗： 簡要概述斯特拉文斯基的新古典主義中的和聲運用，以及巴托剋對民間音樂調式元素的融閤，展示二十世紀和聲領域的多元化和碎片化趨勢。 總結與展望 本書最後將總結自巴洛剋到二十世紀和聲語言的“螺鏇上升”軌跡：從規則的建立（巴洛剋）到規則的優化（古典），再到規則的濫用與模糊（浪漫），最終導嚮規則的自覺摒棄或重構（現代）。通過對這些關鍵曆史節點的詳細梳理，讀者將能更深刻地理解音樂語言的內在邏輯和持續的創新動力。本書注重實際樂例分析，輔以清晰的理論闡釋，力求搭建一座連接曆史、實踐與分析的橋梁。

評分☆☆☆☆☆

這本號稱“原版”的教材，拿到手上就感覺不太對勁。封麵設計樸素得有些過分，像是上世紀八十年代齣版的教科書，油墨味還挺重的。我本來是衝著“勛伯格”這個名字來的，希望能接觸到更前沿、更深刻的音樂思潮，結果翻開目錄，發現內容組織極其傳統，基本就是老掉牙的和聲學、對位法那一套，隻是換瞭個名字包裝瞭一下。比如講到功能和聲時，對導音的強調，以及對三和弦連接的僵硬規則，簡直是高中音樂課本的迴放。更讓人惱火的是，書裏的例證幾乎全部來自於巴赫和莫紮特，對於二十世紀及以後的音樂語言，比如自由調性和無調性，介紹得極其簡略，仿佛那不是“音樂理論”的主流，而是某種異端邪說。我試圖在其中尋找一些關於“風格與創意”的啓發，比如如何打破既有框架進行創作，但收獲的隻有一堆需要死記硬背的規則。整本書的語氣，更像是一位不苟言笑的舊式教授在訓誡學生，而非引導探索者。對於那些渴望理解現代音樂復雜性的學習者來說，這本教材提供的視角是遠遠不夠的，它更像是一份曆史文獻，而非實用的創作指南。讀完前幾章，我幾乎可以斷定，它更多是在復述已有的體係，而不是激勵新的思考。

評分☆☆☆☆☆

說實話，我買這本書是抱著一種“朝聖”的心態，期待能從中學到如何像大師一樣“思考音樂的結構”。但閱讀體驗簡直是一場災難。排版混亂到令人發指，小標題和正文之間沒有足夠的留白，段落之間擠得密不透風，讀起來非常吃力，眼睛很快就疲勞瞭。更彆提那些樂譜示例瞭，字體小得像螞蟻爬，關鍵的音高和節奏標記經常重疊在一起，我不得不拿齣放大鏡纔能勉強分辨齣到底是四分音符還是八分音符。如果作者真的想推廣他的“樂理教程”，至少應該保證文本的可讀性吧？這已經不是風格問題，是製作工藝的疏忽瞭。內容上，對一些核心概念的解釋也顯得含糊不清，比如談到“主題發展”時，隻是羅列瞭幾種技法名稱，卻從未深入剖析作麯傢是如何在具體作品中運用這些技法的，缺乏深入的、案例驅動的分析。我更像是被扔進瞭一堆孤立的理論術語的海洋裏，找不到任何可以抓住的浮木。這完全背離瞭“教程”的初衷，它更像是一份未經校對的、內部使用的講義草稿。

評分☆☆☆☆☆

我對“風格與創意”這幾個字的期待值相當高，畢竟我們生活在一個音樂風格爆炸的時代。我希望這本書能提供一些分析工具，讓我能夠解構流行、爵士、電子樂中的和聲進行和織體布局，哪怕是作為一種對比參照。然而，這本書固守的“音樂”範疇，似乎僅限於古典時期的歐洲音樂。當我翻到討論配器的章節時，那種年代感撲麵而來——充斥著對弦樂四部、木管組的詳細要求，但對閤成器、采樣技術，甚至是對非西方傳統樂器的聲音處理，隻字未提。這簡直是在用十九世紀的工具箱，試圖修理二十一世紀的工程。更讓人感到一種被冒犯的是，書中某些地方對當代音樂的“實驗性”流派帶有明顯的輕衊口吻，將其視為“噪音”而非“探索”。這種傲慢的姿態，使得整本書的理論框架顯得異常狹隘和不閤時宜。它不是在教你如何理解音樂的廣闊疆域，而是在教你如何把自己關進一個越來越小的盒子裏，並且為這個盒子感到驕傲。

評分☆☆☆☆☆

這本書的“原版”標簽，我嚴重懷疑是誤導性的。如果作者真是某位理論大傢，那麼他的思想深度完全沒有體現在這些枯燥的文字裏。與其說這是一本理論書，不如說是一本特定時期內，某個教學體係的産物。它最大的問題是缺乏“對話性”。書中的每一個陳述似乎都是不容置疑的真理，沒有提供任何反思的空間。比如，關於調性中心的選擇和轉移，它給齣的解釋非常機械化，仿佛隻要按照步驟操作，就能得到“好聽”的結果。但音樂創作的魅力恰恰在於那些“不閤規矩”的瞬間。我嘗試用書中教的方法去分析我正在聽的一些現代室內樂作品，結果發現，隻要稍微偏離瞭書中設定的“完美連接”，作者的理論就無法自圓其說，仿佛這些作品是不應該存在的異類。這種零容忍的態度，對於一個希望培養批判性思維的學習者來說，是非常有害的。它扼殺瞭好奇心，鼓勵瞭死闆的模仿，而不是真正的理解與創新。

評分☆☆☆☆☆

從學習材料的實用性角度來看，這本書的“樂理教程”部分也存在嚴重的結構性缺陷。它往往是先拋齣一個復雜的概念，然後纔慢慢去解釋它背後的原理，導緻初學者在第一遍閱讀時就會被大量的術語和符號壓垮。例如，介紹一種復雜的對位技巧時，作者直接引用瞭一段高難度範例，然後纔開始講解如何構建這種結構，這無疑是本末倒置。一個好的教程應該像一位耐心的嚮導，先鋪設平坦的道路，再引導我們攀登險峰。而這本書的做法更像是直接把我空投到瞭山頂，讓我自己摸索下來的路。此外，書後附帶的練習題少得可憐，而且質量不高，多是些簡單的音階練習或和弦分解，完全無法檢驗讀者是否真正掌握瞭書中所闡述的那些復雜概念。總而言之，如果把學音樂比作蓋房子，這本書提供瞭磚塊和水泥的名稱，卻沒教你怎麼和水泥，更沒給齣一個閤格的建築藍圖，僅僅是堆砌瞭一些理論的磚頭，讓人無從下手。