王勇博士谈古典音乐大师书籍 音乐理论教材 乐理基础教程 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

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店铺： 海源阁图书专营店

出版社： 上海音乐学院出版社

ISBN：9787552300291

商品编码：29867723307

丛书名： 王勇博士谈古典音乐大师(上图讲座)

开本：16开

出版时间：2012-07-01

• 版 次：1
• 页 数：251
• 字 数：
• 印刷时间：2012-7-1
• 开 本：16开
• 纸 张：胶版纸
• 印 次：1
• 包 装：平装

 

目录

分享是一种快乐(代序)
第 I 讲百年传奇——卡拉扬
第二讲、后无来者
——钢琴诗人肖邦诞辰200周年纪念
第三讲 “指环”之旅——瓦格纳传奇
第四讲大爱无言——勃拉姆斯
第五讲谁误读了贝多芬
第六讲被上帝遗忘的歌王——舒伯特
第七讲含着金钥匙出生——门德尔松
第八讲心中**的“老柴”——旋律大师柴科夫斯基
第九讲柏林爱乐的前世今生
第十讲海顿，**的“爸爸”
1．肖邦《华丽大圆舞曲》
2．瓦格纳《婚礼进行曲》
3．勃拉姆斯《摇篮曲》
4．贝多芬《致爱丽丝》
5．舒伯特《小夜曲》
6．门德尔松《婚礼进行曲》
7．柴科夫斯基《第I钢琴协奏曲》第I乐章
8．海顿《皇帝四重奏》第二乐章

内容推荐

《王勇博士谈古典音乐大师》是王勇博士在上海开展的“王博士谈乐”系列讲座的演讲录，经整理共分10讲，介绍卡拉扬、门德尔松、贝多芬、肖邦、舒伯特、海顿、柴科夫斯基、帕瓦罗蒂、瓦格纳、勃拉姆斯10位古典主义时期知名音乐家的生平、主要作品、音乐特征等，是一本可作为古典音乐入门的经典图书！书中还插入讲座PPT100多张，图文并茂，赏心悦目！《王勇博士谈古典音乐大师》附CD一张，收录了这些作曲家经典的作品。

 

 

目录

分享是一种快乐(代序)
第 I 百年传奇——卡拉扬
第二讲前-无-古-人、后-无-来-者
——钢琴诗人肖邦诞辰200周年纪念
第三讲 “指环”之旅——瓦格纳传奇
第四讲大爱无言——勃拉姆斯
第五讲谁误读了贝多芬
第六讲被上帝遗忘的歌王——舒伯特
第七讲含着金钥匙出生——门德尔松
第八讲心中**的“老柴”——旋律大师柴科夫斯基
第九讲柏林爱乐的前世今生
第十讲海顿，**的“爸爸”
1．肖邦《华丽大圆舞曲》
2．瓦格纳《婚礼进行曲》
3．勃拉姆斯《摇篮曲》
4．贝多芬《致爱丽丝》
5．舒伯特《小夜曲》
6．门德尔松《婚礼进行曲》
7．柴科夫斯基《第I钢琴协奏曲》第I乐章
8．海顿《皇帝四重奏》第二乐章

 

 

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《王勇博士谈古典音乐大师》是王勇博士在上海开展的“王博士谈乐”系列讲座的演讲录，经整理共分10讲，介绍卡拉扬、门德尔松、贝多芬、肖邦、舒伯特、海顿、柴科夫斯基、帕瓦罗蒂、瓦格纳、勃拉姆斯10位古典主义时期音乐家的生平、主要作品、音乐特征等，是一本可作为古典音乐入门的经典图书！书中还插入讲座PPT100多张，图文并茂，赏心悦目！《王勇博士谈古典音乐大师》附CD一张，收录了这些作曲家经典的作品。

 

好的，这是一份关于一本名为《王勇博士谈古典音乐大师书籍 音乐理论教材 乐理基础教程》的图书简介，内容不包含该书的实际内容，而是侧重于一个假想的、完全不同的图书主题，以满足您的要求。 --- 《巴洛克之光：从维瓦尔第到巴赫的键盘艺术与和声演变》 一、 引言：穿越时空的音乐回响 当我们谈论古典音乐的辉煌篇章，巴洛克时期无疑是其中最为璀璨夺目的一页。这是一个充满激情、严谨结构与华丽装饰的时代，它不仅奠定了西方音乐理论的基石，更催生了一批至今仍被奉为圭臬的音乐巨匠。本书《巴洛克之光：从维瓦尔第到巴赫的键盘艺术与和声演变》，旨在带领读者深入探究这一黄金时代的音乐核心——特别是键盘音乐的实践与理论发展，以及其背后深刻的和声语言变革。 二、 聚焦键盘艺术的精微之道 巴洛克时期，键盘乐器（如羽管键琴、大键琴和早期的管风琴）的地位无可替代。它们不仅是独奏和室内乐的中心，更是作曲家展示精湛对位技巧和创新和声思维的舞台。 1. 维瓦尔第的“协奏曲精神”在键盘上的投射： 尽管安东尼奥·维瓦尔第以其小提琴协奏曲闻名于世，他的协奏曲精神——清晰的结构、对位主题的快速发展以及鲜明的段落划分——如何渗透到他早期的键盘作品中？本书将详细分析维瓦尔第键盘奏鸣曲中的“快速-慢速-快速”结构模板，探讨他如何将器乐的律动感与织体密度推向新的高度。我们不仅仅停留在曲目介绍，更会深入解析其指法布局对音色控制的潜在影响。 2. 斯卡拉蒂的“光影变幻”：奏鸣曲的革命： 多梅尼科·斯卡拉蒂的键盘奏鸣曲，以其惊人的技巧难度和充满西班牙风情的节奏活力著称。本书将重点剖析斯卡拉蒂如何运用“顿音”（Staccato）、“颤音”（Trill）以及大胆的调性转换来创造出独特的听觉景观。我们将梳理斯卡拉蒂奏鸣曲中常见的三部曲式结构（通常是一个段落内包含对比材料的呈示与再现），并研究这些结构如何预示了古典主义奏鸣曲的雏形。 3. 普塞尔与英国宫廷的“歌唱性”： 远离大陆的喧嚣，英国巴洛克音乐，尤其亨利·普塞尔的作品，展现出一种独特的抒情性和对声乐线条的执着。本书将比较普塞尔的组曲与键盘前奏曲，探讨英国作曲家如何将歌剧咏叹调的“韵味”融入到器乐的写作中，特别是对装饰音的独特处理方式。 三、 巴赫的集大成：对位法与和声的顶峰 约翰·塞巴斯蒂安·巴赫是巴洛克时代的句点，也是其集大成者。本书将投入大量篇幅，细致剖析他的核心键盘作品。 1. 《平均律钢琴曲集》中的调性宇宙探索： 《平均律》不仅是技术训练的典范，更是对当时所有已知调性体系的一次全面“体检”。我们将探究巴赫在赋格曲中如何运用“倒影”（Inversion）、“逆行”（Retrograde）等对位技巧，以及这些技巧如何服务于音乐的表达而非单纯的智力游戏。重点解析平均律如何确立了十二平均律在实际演奏中的可行性和艺术性。 2. 《哥德堡变奏曲》：结构与哲学的融合： 作为键盘音乐的“珠穆朗玛峰”，《哥德堡变奏曲》远非简单的变奏集合。本书将从结构学的角度解构其三十段变奏的严密布局——每三段就包含一段卡农，以及这些卡农之间递增的音程关系。我们将探讨其“咏叹调”的宁静与变奏间的戏剧性对比，以及它所体现的宇宙秩序感。 3. 和声的深度与广度： 巴洛克和声的核心在于功能性和清晰的导向性。本书将梳理巴赫作品中常用的“和声序列”（Harmonic Sequence）模式，分析他如何通过不协和音（如经过音、邻音）的解决来营造张力与释放，并对比分析巴赫与更早期作曲家（如布克斯特胡德）在和声进行上的微妙差异。 四、 键盘实践的传承与影响 巴洛克键盘演奏技艺的传承，很大程度上依赖于对特定乐器特性的理解。 1. 触键的艺术与力度控制： 羽管键琴（Harpsichord）无法像后来的钢琴那样通过触键力度改变音量，因此，巴洛克音乐家如何通过节奏的细微变化、装饰音的精确定位以及分句（Phrasing）来塑造音乐的动态轮廓，是本书讨论的重点。我们将参考同时期的演奏手册，重构彼时的“声音想象”。 2. 对位织体的清晰度： 在多声部复调中，如何确保每个声部的独立性和清晰度（即“声部导向”），是演奏者面临的最大挑战。本书将提供具体的练习方法，旨在培养演奏者在复杂织体中“倾听并突出”特定声部的能力。 五、 结论：巴洛克遗产的永恒价值 巴洛克音乐的精髓在于其结构上的逻辑严谨与情感表达上的真挚热烈之间的完美平衡。通过对维瓦尔第、斯卡拉蒂乃至巴赫等巨匠键盘作品的深入剖析，我们得以窥见西方音乐语法构建的关键时刻。本书旨在为严肃的音乐学习者、演奏家以及对古典音乐历史有深厚兴趣的读者，提供一套系统而富有洞察力的研究工具，从而更深层次地欣赏这一伟大时代的艺术成就。 ---

评分☆☆☆☆☆

说实话，我原本对任何带有“基础教程”字样的书籍都抱持着一份警惕，生怕又是一本充斥着术语却缺乏实践指导的“空中楼阁”。然而，这本教材的实用性和系统性彻底颠覆了我的固有印象。它对五线谱的阅读、音程与和弦的构成，讲解得细致入微，步骤清晰得如同精密的手术指南。我尤其赞赏它在介绍调性系统时，没有停留在理论层面，而是大量穿插了来自不同作曲家作品中的实例片段，让我们能立刻将抽象的乐理知识与实际听觉体验联系起来。对于乐理学习者而言，这种“理论+实例”的双重驱动模式极大地提高了学习效率和兴趣保持度。我曾花费数月时间在其他教材上感到晦涩难懂的概念，通过这本书的图示和讲解，竟然豁然开朗。它不像是在“教”你知识，更像是耐心地“引导”你独立思考和发现音乐规律，其对学习者需求的精准把握，令人印象深刻。

评分☆☆☆☆☆

这本书的编排简直是古典音乐鉴赏者的福音，它巧妙地避开了传统乐评的矫揉造作，转而采用了一种近乎“音乐侦探”的解密视角。作者带领我们深入到乐谱的细节之中，去探究那些隐藏在宏大结构下的精妙设计。比如，书中对某个协奏曲慢乐章中木管乐器声部处理的分析，细致到连呼吸的间隙都仿佛能被捕捉到，这种对“声音细节”的极致关注，让我对配器艺术有了更深的敬畏。我发现，许多我曾忽略的乐句转折和织体变化，在作者的引导下，都变成了充满戏剧张力的关键点。这不仅仅是“听”音乐，更像是“阅读”音乐的底层代码。对于那些已经有一定基础，希望将欣赏水平提升到专业分析层次的爱好者来说，这本书提供了一个极其宝贵的视角转换工具，它让那些看似随机的音符组合，都拥有了无可辩驳的逻辑与美感。

评分☆☆☆☆☆

这本关于古典音乐的书籍真是让人耳目一新，它不仅仅是枯燥的理论堆砌，更像是一次穿越时空的音乐之旅。作者以非常生动且富有洞察力的笔触，将那些我们耳熟能详的音乐巨匠们还原成了有血有肉的鲜活个体。我特别欣赏其中对于贝多芬创作心境的描摹，那种将个人情感与时代洪流熔铸于音符之中的挣扎与辉煌，读来令人动容。书中对不同时期音乐风格演变的梳理也极为清晰，从巴洛克时期的严谨对位到浪漫主义时期的情感喷薄，脉络分明，即便是初次接触古典音乐的朋友，也能轻松跟上节奏。更难得的是，作者在讲解复杂的音乐结构时，总是能找到绝妙的比喻，让那些原本高深莫测的和声进行和曲式分析变得触手可及。读完后，我感觉自己对那些经典作品的理解提升到了一个全新的层次，不再仅仅是“好听”，而是明白了“好在哪里”，这种从“心悦”到“神会”的转变，是阅读此书最大的收获。它成功地架起了一座通往古典音乐殿堂的坚实桥梁，引人入胜，回味无穷。

评分☆☆☆☆☆

坦白说，很多乐理书往往忽略了不同时代乐器发展对音乐创作的制约与解放。但这本教材的独到之处，在于它将乐理知识置于历史的技术背景下进行讨论。它清晰地阐述了，某些看似是作曲家“选择”的和声或技巧，实际上是当时乐器制造水平所允许或限制的结果。比如，对早期管弦乐队编制演变如何影响了交响乐曲式发展脉络的分析，就非常到位。这种“技术决定艺术形态”的视角，为我们提供了一种更坚实的分析框架。它不再是孤立地讲解“什么是奏鸣曲式”，而是展示了“为什么在那个时代，奏鸣曲式会以那种方式发展”。对于希望深入理解古典音乐发展史和技术演进关系的读者来说，这本书无疑是一份宝贵的、充满历史厚重感的参考资料，它将技术学习与历史视野完美地融合在了一起，结构严谨，内容扎实，物超所值。

评分☆☆☆☆☆

我通常对“大师传记”类的书籍持保留态度，因为很多传记为了塑造完美形象，往往会过度美化或刻意回避历史的复杂性。但这本书在描绘这些音乐巨匠的人生轨迹时，展现出一种罕见的平衡感和人文关怀。它没有将他们塑造成高高在上的神祇，而是细致地探讨了他们的创作困境、财务压力，乃至于他们彼此之间的复杂人际关系，这些“幕后故事”的披露，使得他们的音乐作品更具人情味和可理解性。例如，书中关于某位作曲家晚年失聪后的作品风格转变的探讨，不仅仅停留在技术层面，更深入挖掘了其精神世界的挣扎与升华，读来令人动容且深思。这种将艺术家的个人命运与作品命运紧密结合的叙事手法，极大地增强了阅读的代入感，让人在敬佩其才华的同时，也对其作为“人”的奋斗历程产生强烈的共鸣。