正版中国戏曲教材 范瑞娟越剧唱腔精 附CD四张 上海音乐出版社 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

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店铺： 海源阁图书专营店

出版社： 上海音乐出版社

ISBN：9787552309751

商品编码：29867723433

丛书名： 范瑞娟越剧唱腔精选

 

  内容推荐 范瑞娟唱腔淳朴滋实，稳健大方，热情内涵，旋律华采，拖腔丰富，咬字坚实，发音宽厚，具有男性稳健、轩昂的气质。嗓音实，声宏亮，中气足，音域宽，演唱追求刚劲的男性美。演唱时从不追求单纯的舞台效果，而是致力于深入开掘角色内心的思想感情。《范瑞娟越剧唱腔精

 

选》收录了范瑞娟的多段经典越剧片段，不仅有听觉，还配有详尽谱例和文字，让读者全方位欣赏大师经典唱腔。  

 

巨牛图书专营店——专业正版音乐书服务商！

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戏曲艺术的瑰宝：探寻《正版中国戏曲教材 范瑞娟越剧唱腔精 附CD四张》之外的广阔天地 范瑞娟先生的越剧唱腔精选集，无疑是越剧艺术宝库中一颗璀璨的明珠，它以其精湛的示范和详尽的解析，为戏曲爱好者和专业学习者提供了宝贵的资源。然而，中国戏曲的博大精深远超一家一派之范围，其体系庞大，流派纷呈，历史悠久。要真正领略中国戏曲的全貌，我们必须将目光投向那些未被这套教材所涵盖的、同样光芒万丈的领域。 一、 薪火相传的剧种谱系：超越越剧的多元探索 范瑞娟的教材聚焦于越剧，这是以唱腔艺术著称的江南剧种。但中国戏曲的“四大声腔”——京剧、昆曲、秦腔、粤剧——以及众多地方声腔，各自构筑了独立而完整的艺术体系。 京剧的雄浑与规范： 脱离范瑞娟的越剧婉转细腻，京剧以其“唱、念、做、打”的高度程式化和“以油彩定乾坤”的脸谱艺术独树一帜。一部优秀的京剧教材，会深入讲解京剧的四大行当（生、旦、净、丑）在身段、指法、手眼步法上的严格区别。例如，对老生的“念白”（如京白、韵白）的节奏把控，与越剧的口语化叙事截然不同。教材会详细拆解京剧的板式结构，如二六板、流水板的演唱速度与情绪递进，这些在越剧中可能更多地依赖曲牌的自由发挥。此外，京剧的武戏，如“靠把”（穿厚重的盔甲进行的武打）和“猴戏”的毯子功（翻腾技巧），是越剧的刀马旦艺术所无法比拟的深度。 昆曲的典雅与“水磨腔”： 如果说越剧是“青春的洋河港”，那么昆曲便是“历史的古井台”。昆曲是现存最古老的、仍在演出的剧种之一，其音乐体系是板腔体音乐的源头之一。范瑞娟的唱腔是建立在民间歌唱基础上的创新，而昆曲的“水磨腔”则是对人声极限的极致雕琢。一套优秀的昆曲教材，必然要探讨其“十七腔”（如罗江、中吕、双调等）的旋律走向，以及“曲牌”与“板式”的严格对应关系。昆曲的唱法要求气息绵长、声音柔和，强调“气息的贯穿”，这对演唱者的丹田气力要求极高，是与越剧的华彩乐句处理方式形成鲜明对比的领域。 地方戏曲的地域风情： 在更广阔的地方戏曲中，如秦腔的“靠把炮”、黄梅戏的“平歌式”唱法，乃至川剧的“变脸吐火”绝技，都代表了中国戏曲在不同地域的生存智慧和艺术实践。这些教材会侧重于表现地方语言的韵味，以及服装、道具的象征意义，这是范瑞娟教材中因地域特性较少涉及的部分。 二、 唱腔之外的综合艺术：舞台构建的完整性 一套全面的戏曲教材，绝不仅仅是歌唱技巧的堆砌，它必须涵盖戏曲的整体舞台语言。范瑞娟的教材侧重于“唱腔精选”，相对侧重声乐技巧，而其他体系的教材则会对以下方面进行同等力度的剖析： 1. 脸谱与化妆艺术： 不同剧种的“油彩脸谱”是其身份的标志。例如，京剧的“整脸”、“三块瓦脸”，川剧的“阳脸”和“阴脸”，它们背后蕴含着丰富的文化符号和人物性格解析。教材会详细讲解如何勾勒这些复杂的线条，不同颜色（如红忠、黑直、白奸）所代表的忠奸善恶，这是越剧素雅的写意妆容所不具备的视觉冲击力。 2. 戏曲武功与功架： 戏曲的“武”功，是对中国传统武术美学的提炼。一套完整的武戏教材，会教授“趟马”、“圆场”、“打出手”等基本功。这些技巧要求演员具备极强的身体控制能力和平衡感。例如，武旦或武生的“荷叶 ভারসাম্য”、“大翻”等，是需要常年累月训练的硬功，这与越剧对身段的轻盈柔美有本质上的区别。 3. 戏曲的程式化表演与虚拟空间： 戏曲表演的精髓在于“虚实结合”。例如，“开门”、“上马”、“下水”等动作，完全依靠演员的表演来构建场景。一本深入的戏曲表演教材会教授“走边”、“圆场”的规范走位，如何利用“手眼身法步”在舞台上创造出千里江山或深宫大院的意境。范瑞娟的唱段侧重于情绪的抒发，而表演教材则更侧重于肢体语言的符号化解读。 三、 戏曲音乐的理论根基：板式与腔体的深度剖析 范瑞娟的唱腔精选包含了她的演唱范例，但若要从理论上理解中国戏曲音乐的结构，还需要探究更基础的音乐理论。 板式结构的逻辑性： 中国戏曲音乐的核心是板式结构，即用不同的节奏型和旋律模式来组织唱词。一套深入的戏曲音乐教材，会详细区分慢板、中板、快板之间的速度变化与情绪表达。它会解释“起板”、“散板”、“紧板”的音乐逻辑，以及如何根据唱词的内容自由地“破板”或“换板”。这不同于范瑞娟唱腔中对特定曲牌的娴熟运用，而是在更宏观的音乐结构层面进行教学。 民间音乐与文人音乐的融合： 戏曲音乐是民间音乐与文人雅乐长期交融的产物。例如，对“锣鼓经”（乐队的节奏总谱）的研究，如何指挥乐队的“伴奏”与演员的“唱念”达到天衣无缝的配合，是专业教材不可或缺的内容。这包括对“板鼓”、“大锣”、“小锣”等打击乐器的独奏段落与合奏段落的讲解，这些是范瑞娟唱腔示范中“伴奏”层面未完全展开的领域。 四、 剧目与文化语境的差异化考察 范瑞娟的唱腔精选主要取材于她的经典剧目，如《天上掉下个林妹妹》、《碧玉簪》等。但中国戏曲的剧目浩如烟海，不同剧种的“保留剧目”和“看家戏”反映了其特定的文化诉求和地域审美。 历史剧与神话剧的演变： 例如，徽剧和高腔中大量的历史演义和神怪题材，其舞台处理方式往往比越剧的民间故事更为宏大和奇幻。教材会分析如何通过服装和道具的快速变化来表现“神仙斗法”或“军队行进”。 地方语言与俚俗趣味： 川剧、湘剧等地方戏，其唱词中保留了大量鲜活的地方方言和俚俗表达，这些是越剧在普及过程中为了适应更广泛听众而逐渐淡化的。深入研究这些地方剧目的教材，会提供大量的“行话”和“俚语”的注释，让学习者理解不同剧种在贴近民间的过程中所展现的独特生命力。 总结而言，范瑞娟先生的越剧唱腔集是越剧艺术的里程碑，但中国戏曲的疆域辽阔，其魅力在于每个剧种都根据自身的文化土壤、音乐传统和表演需求，发展出了一套完整且自洽的艺术体系。要真正领略国粹的博大，还需要深入探索京剧的规矩、昆曲的雅致、以及其他地方声腔的野趣与活力。

评分☆☆☆☆☆

说实话，我对“附CD四张”这一点非常满意，这直接解决了传统戏曲教材的最大痛点——缺乏准确的听觉参照物。很多时候，光有谱子，没有大师的原音指导，学习效果大打折扣。想象一下，可以反复播放范先生原声的示范，然后对照着工整的五线谱和工尺谱，去捕捉那些肉耳难以察觉的细微处理，比如气息的运用，口腔位置的调整，在特定情绪下的音高的微妙变化。这四张CD的曲目覆盖面也让人好奇，是否包含了她最拿手的闺门旦和花旦的代表作？我希望它不仅仅收录那些广为流传的“热门曲段”，更能挖掘一些相对冷门但极具艺术价值的唱段，因为往往在那些不那么商业化的段落里，更能体现一位艺术家的真正功力与个人风格的纯粹性。如果CD的音质能达到数字母带的水平，那就更完美了，毕竟，要学习顶尖的唱腔艺术，连声音的颗粒感都不能放过。

评分☆☆☆☆☆

这套书简直是越剧爱好者和专业人士的福音！光是看到“范瑞娟越剧唱腔精”这几个字，我就知道这次的投入绝对值回票价了。我之前一直苦于找不到系统、权威的范派唱腔的深度解析材料，市面上那些零散的资料要么不全面，要么就是录音质量堪忧，根本无法真正体会到范先生那“风流韵味”的精髓。但是这本教材，从排版到内容编排，都透露出上海音乐出版社一贯的严谨和专业。光是光盘的配置就让人惊喜，四张CD，这可不是闹着玩的，这意味着对不同时期的代表性唱段都有详尽的音频示范和对比。我尤其期待翻阅那些针对“哭腔”和“颤音”的处理细节，文字描述得是否足够细致入微，能让我在模仿时抓住那种似是而非、却又韵味十足的腔调转折。听说书中还包含了大量的乐谱和板式分析，对于想要深入研究曲牌结构和腔体变化的戏曲学生来说，这简直是一部行走的“武功秘籍”。我已经迫不及待想对照着谱子，一遍遍听着CD，尝试去解构那些被誉为“教科书级别”的范派表演艺术了。

评分☆☆☆☆☆

从发行方的角度来看，上海音乐出版社的背书，无疑给这套教材增添了极高的信誉度。这套书看起来更像是对一位艺术大师遗产的系统性整理和学术化建档。我非常期待内页的编排是否充分利用了现代的排版技术，比如，在关键的唱腔转折点，谱子上是否做了加粗、箭头或者注释，以明确指示这是需要重点练习的“难点”或者“特色点”。另外，一本优秀的教材，应该能够预见到学习者可能遇到的障碍。比如，当一个初学者在学习范派的颤音时，常常会用力过猛或者控制不住。书中是否有针对性的“错误示范分析”或者“纠错指南”？这种“反面教材”的指导往往比单纯的正向教学来得更有效。如果能附带一些关于如何科学用嗓、保护声带的建议，那就更显人性化了，毕竟，学习唱腔是一项长期的工程，对身体的维护至关重要。总而言之，我期待的不是一本简单的曲谱集，而是一部包含理论、示范、实践指导的，全方位的范派艺术宝典。

评分☆☆☆☆☆

拿到书的时候，厚重感和纸张的质感就让人感觉这不是一般的普及读物，而是一份沉甸甸的学术成果。我最欣赏的是它对范瑞娟先生艺术生涯的脉络梳理，不仅仅是技巧的堆砌，更是将唱腔的形成和发展融入了具体的历史背景和剧目实践中。比如，书中对《梁山伯与祝英台》中“化蝶”一段的唱腔处理，是着墨点还是点到为止，有没有引用早期的录音作为参照？好的教材不应该只展示完美的“定型”，更要展现艺术家在不同阶段的探索与升华。如果这本书能做到这一点，那它的价值就不只是教人如何“唱得像”，而是教人如何理解“为什么这样唱”。此外，对于那些非专业人士，比如热爱越剧的普通听众，书中的一些基本术语解释是否足够通俗易懂，能让他们在欣赏舞台表演时，能多一层“门道”的理解，而不是仅仅停留在旋律的美感上？这份教材的深度和广度，是我非常看重的，它应该是一座连接普通戏迷与专业研究者之间的桥梁。

评分☆☆☆☆☆

我购买这本教材是抱着一种“朝圣”的心态。范瑞娟的唱腔代表了越剧审美的一个高峰，她的艺术生命力极其旺盛，即便是今天听来，也丝毫没有陈旧感。所以，这本书的价值，很大程度上取决于它能否精准地“翻译”出范派唱腔中那种既典雅又充满生命力的独特气质。我更关注的是它对“腔体结构”的解析。越剧唱腔讲究“水袖感”，讲究“盘旋上升”和“急转直下”。书里有没有用图表或者流程图的方式，来可视化地展现一个长腔是如何从一个基础音开始，通过滑音、垫音、装饰音层层堆叠，最终达到情感的高潮点的？这需要非常高超的教学设计能力。如果只是简单的文字描述“范派唱腔圆润饱满”，那就太流于表面了。我希望它能提供一套可供实践、可量化的分析工具，帮助学习者从机械模仿，过渡到理解和内化这种表演哲学的层面。