具体描述
编辑
1、国内14家剧院联合推广：国家大剧院、北京音乐厅、上海大剧院、上海东方艺术中心、凯迪拉克·上海音乐厅、上海交响乐团音乐厅、上汽·音乐文化广场、广州大剧院、星海音乐厅、苏州文化艺术中心、武汉琴台音乐厅、陕西大剧院、西安音乐厅、长沙音乐厅、深圳音乐厅等。
2、带你扫盲音乐会的各种尴尬，让你轻松踏入聆听古典音乐会的大门！
3、一本针对古典音乐和艺术音乐，从普及到高阶阅读的普及指南手册！
4、既好读，又实用。既有通俗读物的亲和力，又有领域的精准度；
5、国内的古典音乐的内容平台，从马友友到王健，从李云迪到王羽佳，从巴伦博伊姆到彩虹合唱团，从郑京和到希拉里·哈恩，从陈其钢到布朗夫曼，橄榄古典音乐聚合众多国内外一线古典音乐家资源，并与各大使馆达成音乐教育与普及的长期合作；
6、郎朗、田艺苗、焦元溥、余隆、刘雪枫等众多古典音乐大咖联合推广！
7、跟着厉害的人，轻松了解古典音乐！我们仍然需要一本古典音乐MOOK！
8、一本可以听的书！随书附二维码，边看边听！给你轻松和原汁原味的古典音乐氛围！
内容简介
《橄榄古典音乐》系列丛书，是国内指向性古典音乐MOOK，以古典乐普及为核心，从生活方式的角度切入和展开，无论你有没有古典音乐背景，都能轻松欣赏古典音乐之美！每一期MOOK聚焦一个主题，如音乐会观赏指南、音乐家小传、乐器选购指南等等，深入浅出，为国内乐迷提供前沿、时尚、有趣和立体的古典音乐资讯与知识。
音乐会观赏指南
《橄榄古典音乐MOOK》第二期，主题为“音乐会观赏指南”，详细介绍9大音乐会类型、10个有趣的音乐会话题、10首热门音乐会曲目，还有音乐会礼仪ABC、购票指南，让陌生的听众从此爱上古典音乐会！
【特辑·音乐会面面观】
陈萨、韩斌、李峥、李政华、林达、钱世锦、任小珑、沈洋、沈媛、陶辛、吴淑婷、杨宁、张佳林等众多古典音乐人和乐评人联合撰稿，介绍了交响乐、歌剧、室内乐、独奏会、芭蕾、音乐剧、古乐、民乐、合唱等音乐会类型，而且回答了一个关键问题：为什么古典音乐会需保持现场安静，这也正是古典音乐会与流行演唱会本质的区别。
此外，本期将普遍常见的十个音乐会话题回答得妙趣横生，比如乐队首席都做什么？音乐厅里的管风琴是装饰物吗？背谱演奏和看谱演奏有什么区别？钢琴三重奏是不是三架钢琴重奏？音乐会要不要有标题？中场休息时音乐家都会做什么？
另有，10首常见的音乐会曲目及其背后的动人故事，比如巴赫的C大调前奏曲、莫扎特单簧管协奏曲、贝多芬交响曲钢琴版。
随书附上二维码，边看边听，给你轻松和原汁原味的古典音乐氛围！
【乐器志·大提琴】
本篇从17世纪开始追溯了大提琴的历史、大提琴整个制作工艺的发展和这件乐器的特点。更有上海音乐学院大提琴副教授陈卫平，对于保养大提琴的诸多条件和方法的方法妙招。
大提琴在弦乐家族里还是一件非常年轻的乐器，很多音乐家创作的作品里没有给大提琴留下像小提琴、钢琴那样经典的作品。但如果单从大提琴的历史上看，有很多地位崇高的演奏家，给大提琴的演奏和创作带来了很多机会。“任何一位艺术家都不能达到百分之百的精准，这种遗憾给真正的艺术带来了无穷无尽的魅力。”
作者简介
橄榄古典音乐，是中国国内的古典音乐资源聚合平台。
30万古典音乐粉丝普及量！通过微信、电台、电商、活动甚至品牌合作与读者进行互动，站在市场前沿搜集前沿古典音乐咨询。
与国内外各大剧院保持长期的合作关系，掌握国内外众多的音乐家、乐评人、音乐领域知名学者及经纪公司资源。
2016年，推出《橄榄古典音乐》系列古典音乐MOOK，中国国内零差评的一本古典音乐杂志。
图书目录
【人物】
与音乐家谈音乐会
I MUSICI
I MUSICI|我们怎能不爱《四季》——寇燚/张潇雪
RCSingers
与金承志谈未来之彩虹——裘雪颖/金承志/寇燚
Tour
音乐家的巡演“日记”
【特辑】
音乐会面面观
Concert
什么是古典音乐会——张佳林
Symphony
交响乐确实是一种很响的音乐——曹鹏
Chamber
室内乐必须在室内演奏吗?——吴淑婷
Recital
的独奏会为何这么苛刻——沈洋
Opera
在歌剧院期待平庸的演技和好的演唱——杨宁
Ballet
芭蕾，立在足尖上的舞蹈——钱世锦
Musical
一场火灾催生音乐剧——陶辛
Authentic performance
古乐是否能真正完全地还原历史?——李峥
Traditional Chinese music
那热烈的中国锣鼓总是更接地气——李政华
Chorus
从各种各样的“合”解密合唱——裘雪颖
Other type
其他类型音乐会
音乐会十问十答
concert master
乐队首席都做什么？——李沛/纪尧姆·莫尔科
Instrument
乐器世界熟悉的“陌生人”——冯鼎
Piano trio
钢琴三重奏是什么？——Nolix
Sheet music
背谱演奏和看谱演奏有什么区别？——陈萨
Conductor
不看指挥的演奏一定缺乏表现力——曹鹏
Opera in Concert Version
音乐会歌剧是一把双刃剑——孙浩晶
Organ
音乐厅里的管风琴是装饰物吗？——沈媛
Concert title
音乐会需不需要标题？——任小珑
Encore
加演曲目的设定是一门学问——林达
Intermission
中场休息时音乐家都会做什么？——小沃尔夫冈
名曲背后的故事
Bach
《C大调前奏曲》这么火，巴赫知道吗？——李鹏程
Haydn
海顿《“告别”交响曲》第四乐章，乐手为何离开舞台？——盛汉
Mozart
莫扎特《单簧管协奏曲》为什么常常加演第二乐章？——严逸澄
Beethoven
贝多芬的交响曲可以用钢琴来演奏吗？——陆平
Wagner
《尼伯龙根的指环》是长的歌剧吗？——章馨方
Tchaikovsky
《1812序曲》的隆隆炮声打哪儿来？——孙浩晶
Dvorak
德沃夏克的名作为什么风靡美国？——刘青
Paganini
为什么音乐会上总有帕格尼尼的身影？——鲁瑶
Liszt
李斯特《B小调奏鸣曲》究竟隐藏着什么故事？——橙客
Johann Strauss I
如何跟随《拉德茨基进行曲》的节奏鼓掌？——张源宁
与音乐会有关的谈资
Concert etiquette
音乐会礼仪之ABC——韩斌
Concert tickets
音乐会门票想买要趁早——本刊编辑部
Music Festival
那些难以抗拒的欧洲小众音乐节——唐若甫
Bergen International Festival
值得一游的挪威卑尔根艺术节——刘婕
【乐器志】
Cello
乐器小百科之大提琴——陈卫平
【非典型阅读】
Records&Books;
橄榄书单
精彩书摘
什么是古典音乐会
张佳林（音乐学院声歌系副教授）
要说清什么是古典音乐会，前提是要给所谓古典音乐下一个定义，但大多数艺术门类无法像数学定义那样杜绝所有的例外。
古典音乐？你懂的
在业内，大家对古典音乐的界定有感性的共识，但这种“你懂的”无法为大众深入剖析，因此好的办法就是不在这类问题上咬文嚼字，多做纠缠。比如我现在也说不清帕瓦罗蒂、多明戈、卡雷拉斯的三大男高音系列音乐会算不算传统意义上的声乐音乐会（Vocal Concert），以及《东方红》《复兴之路》这类大型音乐舞蹈史诗是否应该归入到古典音乐会范畴。
古希腊罗马音乐不够“独立”
根据音乐学院《西方音乐史》教材，对于有案可查的艺术音乐的出现，通常会追溯到古希腊酒神祭祀中的即兴吟唱表演，及稍后出现的戏剧背景合唱。从这个角度说，西方戏剧与音乐是同源的，它们二者的紧密关系一直延续至今。古希腊的悲剧通常由一位（后来发展为二到三人）演员，用变换面具的方式表演各个角色，而角色的心理活动以及一些类似于“画外音”的叙述、质问等，则是由合唱队以歌唱的方式展现。
古希腊文化的继承者古罗马，不仅在戏剧方面延续了古希腊戏剧、音乐、舞蹈三位一体的形式，在罗马人热衷的娱乐项目——斗兽与角斗竞技中，也引入了合唱，但主要原因并非出于艺术目的，而是因为当时没有扩音设备，合唱队起到现在体育场扩音喇叭的作用。罗马帝国时代，里拉琴（Lyre，又译为诗琴）盛行，的暴君尼禄是里拉琴痴迷者，甚至亲自参加里拉琴演奏比赛。可见在古希腊、罗马时代，声乐、器乐表演都很盛行，但显而易见，这种表演与近当代意义上的“音乐会”无论性质、内容都很不一样。
古典音乐会从宗教仪式而来
罗马帝国崩溃之后，欧洲进入战乱不息、政教高度合一的中世纪。在现今的音乐业内，大家在非学术场合默认的“早的古典音乐”，是公元6世纪末由罗马教皇格里高利一世组织收集、整理、颁布的《格里高利圣咏》。这种“钦定”的方式使得“古典音乐”从一开始就带有“正统”的姿态，以至于迄今，究竟哪些音乐可以划进“古典音乐”里，通常还是官方机构，而不是学者说了算。
随着时代的推移，基督教仪式的流程规范化、规模扩大化，仪式中的每一个环节都逐渐与音乐结合在一起。仪式不同阶段所吟诵的经文被谱曲歌唱，之后分为不同声部演唱，再之后加入了管风琴的伴奏（管风琴的引奏后来逐渐独立出来成为独立的器乐曲），再往后其它各种弦乐、管乐器加入到圣咏、弥撒当中，这便是众多经文歌、康塔塔、受难曲、清唱剧等体裁的发展历程，也是后来世俗器乐独奏曲、独唱曲、交响曲的缘起。
由此可见，西方音乐会是从宗教仪式发展而来的，中世纪“音乐会”的“演员”就是教士和其他神职人员，“听众”就是信众，而且信众有时也参与演唱。这种宗教音乐表演的形式在宗教领域一直延续至今。
古典音乐会从豪门到民间
欧洲14-16世纪的“文艺复兴”，要复兴的是古希腊、罗马的文化，实质上是当时的一批文艺青年和享乐主义者（包括一些教皇），借一些考古发现，以复兴古人灿烂文明的名义，试图摆脱宗教对于文化艺术创作的束缚。在这个商业活动逐渐活跃、世俗君主和割据贵族逐渐掌权的时代，教会逐渐放松了对民间娱乐的管制，古典音乐终于从教堂、修道院来到了国王的宫殿和豪门的客厅，歌剧、器乐重奏、交响乐等音乐形式蓬勃发展，从此西方古典音乐在内容和题材方面可以分为两大类：教堂音乐与世俗音乐。
此时世俗的“音乐会”有些类似于中国上世纪初盛行的“堂会”和上世纪末常见的“团拜会”，它是由贵族或官员主办、职业音乐家和团体负责演出的音乐表演，多是为节庆、纪念日、大型活动举办，形式多样，但属于内部聚会性质，不对外售票。
从17世纪开始，意大利地区相继出现了许多公众歌剧院，这意味着古典音乐会开始真正走向平民——注意不是贫民，因为它很贵，但在血统和身份方面的门槛降低，直至逐渐没有。
真正意义上近代公众音乐会的盛行，是在拿破仑横扫欧洲，民主、平等、共和观念逐渐在欧洲传播普及之后。不同身份的听众能够在一个厅堂里聆听优雅的音乐，这本身就是一种平权的象征，也是时代更替的象征。
早期古典音乐会很综艺
18世纪末到19世纪中期的音乐会大多是综合性的，通常开场是一首乐队序曲，之后是当红歌唱家演唱一两首咏叹调，然后可能是合唱与乐队作品，或者器乐协奏曲，之后可能是一首大型交响乐作品，甚至在乐章间还会插入声乐演唱或器乐独奏。这种由交响乐队担任演奏的大型音乐会，现在一般被称为“Concert”。
19世纪杰出的钢琴大师李斯特一开始也是从这种综合性音乐会中声名鹊起的，但当他成为“钢琴”后，便开始不屑于与他人同台。于是从他开始就有了个人独奏会——由一位音乐家领衔的音乐会，成为音乐会的传统形式。这种以器乐独奏、室内乐重奏（通常在六件乐器以内）或钢琴伴奏的独唱为主要形式的音乐会，现在一般被称为“Recital”，在国内也译为独奏/独唱音乐会。
当代古典音乐会只有一个要求
再往后的事情大家都知道了，音乐会商业化，票价越来越便宜，也因为没有了阶层的门槛，音乐会的议论越来越多。另一方面，古典音乐会对于礼仪的要求，和它的发展历程分不开，到其实已经没有过多讲究和禁忌。
当代音乐会开场前广播的注意事项主要有一个目的：保持现场安静。之所以必须保持现场的安静，其原因有可能正是古典音乐会与流行演唱会本质的区别：古典音乐会是没有电声扩音的，因为音乐会舞台上的乐器、唱法、作品，绝大多数都是在没有电的时代，为自然声学环境设计、研习、创作的。在自然音响环境中，任何音乐之外的声响都有可能影响古典音乐家的表演和听众的正常欣赏，因此在古典音乐会上保持安静，与艺术素养无关，而是公德意识的体现。
用户评价
坦白说，我过去对古典音乐会一直心存畏惧，总觉得那里面的规矩太多，生怕自己一个不小心就“失礼”。这本书最大的功德之一，就是彻底消除了这种不必要的心理负担。作者花了不少篇幅来“破除迷思”，澄清了许多流传已久的“规矩”，告诉你哪些是历史遗留的习惯，哪些是真正关乎对音乐尊重的行为。这种坦诚和务实让我倍感放松。它不是一本教你如何“装作懂行”的书，而是一本真正教你如何“享受”的实用手册。我尤其欣赏它对现代音乐会的观察，比如电子程序单、非正式的介绍环节等等，都体现了作者与时俱进的视角。看完之后，我信心大增，甚至敢于在音乐会结束后主动和其他听众交流我的感受了。这种由内而外的自信，正是这本书带给我最大的改变。它让我明白，音乐会是给听众准备的，我们不必活在过去的阴影里，只需带着开放的心态去感受就好。
评分这本书的价值远超出了“入门指南”的范畴，它简直是一部关于“古典音乐文化参与”的社会学观察报告。作者不仅仅关注台上的演奏，更关注了音乐厅这个独特的社会空间中人与人之间的互动、历史的传承以及当代观众的角色定位。我印象深刻的是其中对于“掌声时机”的深入探讨，这不只是一个礼仪问题，而是牵扯到作曲家意图、乐团惯例和观众集体情感表达方式的复杂议题。作者用一种非常平衡的笔调，既尊重了传统，又鼓励了个人感受的表达。读完全书，我感觉自己不仅对古典音乐有了更深的理解，也对“在公共空间中如何进行审美活动”这个问题有了更成熟的思考。这本书带来的“升级感”是全面的，它改变了我的音乐消费习惯，更丰富了我的文化参与体验。这绝对是我书架上最常被翻阅的一本“工具书”！
评分终于找到一本能让人真正走进古典音乐殿堂的“钥匙”！这本书的作者显然是个经验丰富、心思细腻的乐迷，他把原本高高在上、似乎只属于少数精英的古典音乐会体验，拆解成了人人都能理解的步骤。我记得自己第一次去听马勒的交响乐时，完全不知道该看哪里、什么时候鼓掌，全程像个局外人，尴尬得想钻地缝。这本书里，从挑选曲目、理解不同乐章的结构，到入场礼仪、甚至连中场休息时该注意什么，都写得巨细靡遗。特别是关于“如何聆听”的部分，作者不只是告诉你“听什么”，更重要的是教你“怎么去听”，如何捕捉到乐章间的对话、配器的微妙变化。读完后，我感觉自己像是被点亮了，下次走进音乐厅，我知道我的耳朵和眼睛应该聚焦在哪里。那种从茫然无措到豁然开朗的转变，简直是无价的。它真正做到了“指南”的职责，让音乐会不再是单纯的“坐着听”，而是一场深入的、有准备的探索之旅。
评分这本书的排版和结构设计也非常出色，看得出编辑团队也是下了苦功的。它不是那种密密麻麻全是文字的“砖头书”，而是采用了大量的图表、清晰的章节划分和实用的“快速参考”小栏目。我个人非常依赖那些时间轴和关键术语速查表，在准备去听某场特定音乐会前，翻阅一下这些辅助材料，能迅速帮我建立起对当晚曲目的整体框架。作者在行文时，经常会给出“听觉焦点”的提示，比如当听到圆号solo时，要特别注意它与大提琴声部的互动，或者在赋格中寻找主题的“镜像”。这些具体的“收听目标”极大地增强了我的主动性，让我的注意力不再涣散。这本书与其说是一本静态的读物，不如说更像是一份动态的预习工具，它成功地将“学习”与“欣赏”无缝衔接了起来，让每一次聆听都充满了期待和目标感。
评分这本书的文字风格非常亲切，完全没有一般音乐评论那种高冷的腔调，更像是邻座一位知识渊博的老朋友在跟你耳语分享他的“独家秘籍”。我特别喜欢其中穿插的那些小故事和轶闻，它们巧妙地将枯燥的音乐史知识融入到具体的聆听场景中。比如，讲解奏鸣曲式时，作者用了一个非常生动的比喻，让我立刻明白了呈示部、发展部和再现部的内在逻辑和戏剧冲突。这比任何教科书上的定义都要有效得多。它不是强迫你记住术语，而是让你在故事中自然地理解音乐是如何“呼吸”和“叙事”的。读这本书时，我甚至会忍不住在脑海中回放一些我听过的曲子，用作者提供的新视角去重新审视它们。感觉就像是给旧的录音注入了新的生命力，让我对那些听过无数遍的经典作品产生了全新的敬畏感。对于想提升自己音乐鉴赏水平的普通听众来说，这本书的入门门槛极低，但内涵却极其丰富。
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