正版中国五声性调式和声写作教程 五声性调式的基本特征和声功能与和弦标记五声性调式和和声书 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

简体网页||繁体网页

☆☆☆☆☆

图书标签:

• 五声调式
• 和声写作
• 音乐理论
• 中国音乐
• 五声音乐
• 和弦
• 调式和声
• 音乐教材
• 作曲
• 编曲

店铺： 东润堂图书专营店

出版社： 人民音乐出版社

ISBN：9787103045725

商品编码：29877279335

《西方音乐理论基础：从文艺复兴到浪漫主义》 内容简介： 本书旨在为音乐学生、理论研究者以及所有对西方音乐发展史抱有浓厚兴趣的读者，提供一个全面、深入且结构清晰的音乐理论学习框架。全书聚焦于从文艺复兴盛期直至浪漫主义晚期这一宏大历史跨度内，西方音乐在旋律、和声、对位、曲式以及配器技法上的核心演变与核心特征。 第一部分：文艺复兴的均衡与声部交织 (1450-1600) 本部分首先深入探讨了文艺复兴时期音乐的核心美学理念，即“人声至上”与文本服从的原则。我们将细致剖析复调音乐（Polyphony）的构建逻辑，重点讲解了模仿（Imitation）技法的精妙运用，包括卡农（Canon）和赋格（Fugue）的早期形态。 纯净的和声语汇： 考察了古调式（教会调式）在这一时期的实际运用，以及它们如何逐步向大小调体系过渡。详细分析了帕莱斯特里那（Palestrina）风格的纯净四部和声写作，强调了声部进行中的平滑性与避免不协和音的严格规范。 体裁的奠基： 通过分析经文歌（Motet）和弥撒曲（Mass）的结构，阐释了如何通过声部逻辑而非强烈的和声对比来构建乐章的张力与平衡。 第二部分：巴洛克的驱动力与对位法则 (1600-1750) 巴洛克时期是西方音乐史上一次革命性的飞跃，本部分将集中探讨“巴洛克精神”——对情感的强烈表达、对位思维的极致发展以及数字低音（Basso Continuo）的系统化。 数字低音的解析： 详细解释了数字低音的记写方式、演奏实践及其在和声构建中的支撑作用。这是理解巴洛克音乐结构的关键。 对位艺术的顶峰： 将巴赫（J.S. Bach）的对位法提升到系统学习的高度。不仅限于介绍赋格（Fugue）的结构要素（呈示部、展开部、再现部），更深入探讨了主题的变形（Stretto, Augmentation, Diminution）技巧。对位不再仅仅是声部交织，而是成为一种逻辑严密的结构性语言。 调性体系的巩固： 详述了大小调（Tonal System）的成熟过程，如何通过功能和声（Tonic-Dominant-Subdominant）来驱动音乐的进行和解决，这是古典主义音乐的基础。探讨了协和与不协和音程在巴洛克语境下的处理规范。 早期奏鸣曲与协奏曲： 分析了“快-慢-快”的早期奏鸣曲式结构，以及协奏曲中返始（Ritornello）概念的运用。 第三部分：古典主义的清晰度与结构规范 (1750-1820) 古典主义时期追求形式的完美、比例的和谐与情感的克制。本部分将重点解析确立了音乐“语法”的古典曲式结构。 奏鸣曲式（Sonata Form）的解构： 对奏鸣曲式（呈示部、展开部、再现部）进行了细致入微的图解分析，阐明其内部的和声驱动力——尤其是呈示部中关键的“主调与关系调之间的冲突与解决”的逻辑链条。 主题与动机的运作： 探讨了海顿（Haydn）和莫扎特（Mozart）如何通过主题的片段化、发展和再现，实现音乐叙事的连贯性。 清晰的和声语汇： 考察了古典主义时期对七和弦等复杂和声的谨慎使用，强调了三和弦的纯净音响以及清晰的终止式在乐句划分中的决定性作用。 第四部分：浪漫主义的扩张与个性的解放 (1820-1910) 随着贝多芬的遗产和工业革命的推进，音乐进入了强调主观情感、色彩和无限性的浪漫主义时代。 和声的拓展与模糊化： 详细研究了勋伯格（Schoenberg）在《和声学》中提及的，由舒伯特（Schubert）、肖邦（Chopin）和瓦格纳（Wagner）引入的新的和声色彩。重点分析了副属和弦（Secondary Dominants）、减七和弦（Diminished Sevenths）的转位与功能模糊化、以及增六和弦（Augmented Sixth Chords）的色彩性运用。 曲式的自由化： 分析了小型器乐（如前奏曲、即兴曲、夜曲）如何挑战传统曲式结构。探讨了标题音乐（Program Music）的兴起对音乐叙事的影响。 配器的革新： 考察了管弦乐队编制的扩大，以及乐器音色（Timbre）在表达浪漫主义情感中的核心地位。重点分析了李斯特（Liszt）的交响诗及其对和声色彩的依赖。 总结与展望： 本书的最后一部分将回顾大小调体系的“危机”——即浪漫主义晚期，如瓦格纳和马勒的作品中，调性边界被推向极限，为二十世纪音乐的非调性发展埋下了伏笔。全书以严谨的分析方法和丰富的实例（涵盖了从复调到奏鸣曲的经典范例）贯穿始终，确保读者能够构建起一套完整、连贯的西方音乐理论知识体系。 本书不涉及任何关于中国传统五声性调式或其具体和声功能的论述。

评分☆☆☆☆☆

我一直是那种喜欢追溯事物本源的求知者，尤其在面对音乐理论时，我总想知道“为什么会这样”，而不是仅仅接受“就这样”的结论。我希望一本好的教程不仅能告诉我如何“做”，更要解释“为什么这样做会产生特定的听觉效果”。这本书在探讨和声功能时，似乎就蕴含着这样一种深层次的追问。它没有止步于描述现象，而是试图揭示其背后的逻辑根源和文化土壤，这对于我这种对音乐史和文化背景抱有浓厚兴趣的读者来说，是极其宝贵的。这种探究精神，使得学习过程充满了哲思的魅力，让人在技术层面之外，获得更深层次的理解和共鸣。

评分☆☆☆☆☆

说实话，我购买过许多号称是“前沿”或“创新”的音乐理论书籍，但很多最终都被束之高阁，因为它们要么过于学术化，晦涩难懂，要么就是流于表面，缺乏真正的洞察力。一本真正优秀的教材，必须要在严谨性与可操作性之间找到一个完美的平衡点。我期待的是那种能够真正指导实践，让人能够迅速将其所学融入到自己的作曲或编曲中的内容。如果这本书能够提供清晰的分析案例，展示不同调式在具体音乐语境下的应用技巧，并提供足够的练习材料来固化新的思维模式，那么它就成功了。我更看重的是它能否真正帮助我打破固有的思维定式，打开新的创作思路，而不是仅仅停留在对已知理论的复述上。

评分☆☆☆☆☆

我最近沉迷于探索那些脱离了传统大小调体系的音乐语汇，所以市面上很多主流的和声学著作对我来说吸引力有限。我更期待的是能够系统梳理非西方或特定文化背景下的音乐思维是如何构建其和声结构的。我一直在寻找一本能够清晰阐述“非功能性”和声逻辑的书籍，那种不以主属关系为绝对核心的理论框架，而是着眼于音响的色彩和排列本身所蕴含的张力与平衡。市面上关于这个领域的资源相对稀缺，很多零散的资料往往不成体系，读起来费力且容易产生断裂感。因此，我对于任何试图建立起完整自洽体系的探索性著作抱有极大的热情，希望能借此拓宽我的音乐视野，找到新的创作灵感源泉。

评分☆☆☆☆☆

这本书的结构安排得非常有层次感，从基础的概念梳理到深入的实践应用，循序渐进，没有半点跳跃感。我尤其欣赏作者在引入新概念时所采用的类比和图示，它们极其有效地帮助我理解那些抽象的音高关系和功能转换。对于我这种偏向直觉性学习的乐手来说，光靠枯燥的文字定义是很难真正把握住“味道”的，但这本书巧妙地将理论与听觉经验相结合，使得原本冰冷的音程和和弦构建，立刻鲜活了起来。每一次阅读的深入，都像是打开了一个新的房间，里面陈列着不同的音乐可能性，让人忍不住想要立刻拿起乐器去验证和实践。

评分☆☆☆☆☆

这本书的装帧设计实在让人眼前一亮，那种沉稳中透着古典韵味的封面，拿在手里就有一种对知识的敬畏感。纸张的质地也选得极好，触感温润，印刷的油墨均匀细腻，即便是长时间阅读也不会觉得眼睛疲劳。我特别喜欢它排版上的用心之处，字里行间留白的恰到好处，使得复杂的乐理概念在视觉上得以舒展，不会像有些教材那样密密麻麻地堆砌文字，让人望而生畏。从实用性的角度来看，这种对细节的打磨，无疑为学习过程增添了极大的愉悦感。翻阅时，能感受到设计者对于音乐美学和阅读体验的双重考量，这不仅仅是一本工具书，更像是一件值得收藏的艺术品。尽管内容本身可能需要读者付出努力去消化，但外在的品质已经为入门扫清了心理上的障碍，让人更愿意沉浸其中，探索那些深奥的理论知识。