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岳钰 著

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• 中国美术

店铺： 炫丽之舞图书专营店

出版社： 陕西人民出版社

ISBN：9787224103670

商品编码：29904570727

包装：平装

出版时间：2013-01-01

基本信息

书名：唐代宗教造型艺术

定价：58.00元

作者：岳钰

出版社：陕西人民出版社

出版日期：2013-01-01

ISBN：9787224103670

字数：

页码：

版次：1

装帧：平装

开本：16开

商品重量：0.558kg

编辑推荐

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内容提要

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　　在世界发展的历史中，英国的“工业革命”成为人类有史以来改变人类生活方式与观念的重大事件，这就是整个社会发展的关键——“市场与经济”。作为学者，马克思针对早期市场与经济的竞争必然会产生缺少“公平与正义”的问题，提出了以公有制为主体的概念，为了争夺市场与能源，第二次世界大战爆发了，它的直接结果是让世界从意识形态上分为了两大阵营，这就形成了冷战思维。
人类发展，衡量每个国家社会进步的基本标准，就是由本国生产力所创造的国民经济总产值和人民的生活水平，改革开放正是从这一点上突破，真正地让我们中国从一个贫穷落后的大国变成了世界第二大经济体的发展中国家，人民也过上了好日子。
可那些曾经打着“救世主”旗号，掠夺别国资源，耀武扬威地干涉别政，抱着冷战思维不放的人，面对日益变化的世界和对手及自己的困窘，用自己早已习以为常的基督教文明观念，巧妙地想当无所不能的“上帝”，企图用“单一”取代“多元”，而中东伊斯兰文明观念那“和它的宝剑”也坚持着自己的看法，而*主义者则走上了恐怖主义的道路，“9·11”就是实例，但这种反抗倒霉的是老百姓。

目录

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导论
　一、封建社会是“宗教造型艺术”产生的基石
　二、“中华文化”——一个包罗万象的复合型文化
　三、传统的宗教造型艺术仍在我们的生活之中
　四、与世界各种造型艺术相媲美的中国汉地佛教与道教造型艺术
佛教造型艺术这一外来文化的起源与发展
　一、佛教造型艺术的“母亲”——古老的印度文明
　二、早期佛教与佛教造型艺术．
中国汉地佛教造型艺术的形成与本土艺术的融入．
　一、印度佛教东进过程中中国文化由被动接受到主动圆融．
　二、舶来初期的佛教造型艺术特点与绘画色彩特征．
中国汉地佛教造型艺术公元1至10世纪的文化主流价值观．
　一、佛教文化在亚洲各地区及中国的繁荣与发展．
　二、大、小乘佛教与汉地佛教的场所形式及偶像供奉．
　三、中国汉地佛教中的壁画内容及表现形式
　四、中国汉地佛教壁画内容的变化与代表性画家
　五、中国汉地佛教造型艺术中传统文化主流价值观对今天的作用及意义
　六、禅宗、禅宗绘画及“文人水墨画”
中国道教造型艺术及本土特征
　一、道教——一个与其他宗教所不同的复合型文化
　二、道教造型艺术与中国的形式美
　三、在道教造型艺术中由杰出的人和作品所构成的中国文化主流价值观
　参考文献
　后记

作者介绍

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文摘

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序言

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汉唐盛世的恢弘乐章：中古时期（魏晋南北朝至隋唐）中国建筑艺术的演变与融合 本书深入剖析了自魏晋南北朝至隋唐这一中国历史上的关键转型时期——中古时期——的建筑艺术发展历程。这一阶段是中国文化空前繁荣与剧烈变革的时代，外部思想与本土传统的激烈碰撞，催生了建筑艺术上一次史无前例的创新与整合，为后世的宋、明、清建筑体系奠定了坚实的基础。全书以严谨的史料考证和细致的图像分析为依托，力求展现中古建筑从区域性、宗教性主导向成熟的、制度化的宫殿与都城营造体系过渡的全景图。 第一章：战乱中的萌芽与奠基——魏晋南北朝的建筑分野 本章着重探讨了自东汉末年至隋朝建立前，中国北方和南方在建筑文化上所展现出的差异与共性。 北方：游牧文化与汉传统的交融。 重点分析了北魏都城平城、洛阳的城市规划特点，及其在营造技术上吸收的北方游牧民族的简朴与实用性。研究了这一时期墓室建筑（如北魏鲜卑王室墓）中出现的结构新变化，特别是在斗栱形制初期的探索与简化。 南方：士族审美与本土技艺的坚守。 聚焦于江南地区的士族园林与佛教寺庙的营造。阐述了王导、谢安等家族在江南对传统汉代建筑语汇的继承，以及南方木材资源优势对建筑尺度和细部装饰的影响。同时，细致辨析了南方石窟（如云冈早期石窟的南移影响）在建筑元素（如屋顶、门窗）处理上，对北方技术的回应与本土化。 技术转折点：砖石结构的应用初探。 探讨了在这一时期，随着佛教的兴盛和军事防御的需要，砖石技术（如南京城墙、佛塔基座）的广泛应用，这为未来成熟的木构体系提供了重要的结构补充和技术储备。 第二章：隋朝的整合与规制的确立 隋朝虽然短暂，但其对统一国家建筑制度的重建具有不可替代的历史意义。本章聚焦于隋文帝、隋炀帝在都城建设和大型工程上的贡献。 大兴城：范式都城的建立。 详尽分析了大兴城（今西安）的规划布局，包括其严谨的里坊制度、中轴线的确立以及对未来唐代长安城规划思想的直接影响。强调了隋代如何在汲取前朝经验的基础上，确立了以中轴对称、等级森严为核心的帝国都城范式。 开皇律令中的建筑规范。 梳理了隋代在《开皇律令》中对建筑材料、工匠等级、工程预算等方面的初步规范，这标志着建筑活动开始从地方性的经验传承，转向国家层面的制度化管理。 第三章：唐代前期——初唐气象与盛唐的雄浑之美 本章是全书的核心，集中探讨了唐代，特别是初唐的奠基与盛唐的巅峰状态。 初唐：风格的转化与成熟。 分析了初唐（贞观、永徽时期）在吸收隋代经验后，建筑风格如何逐渐摆脱六朝的拘谨，转向开阔、宏大的新风貌。以大明宫含元殿、玉华宫遗址的形制分析为基础，探讨了唐初斗栱的形制变化——从密集的铺作向简洁、有力的结构过渡。 盛唐的“气象”：尺度与模数的确立。 深入研究盛唐建筑的特征，强调其“雄浑、大气、简洁、有力”的美学取向。通过对现存的少数唐代实例（如五台山南禅寺、佛光寺东大殿）的测绘分析，重构盛唐木构建筑的模数系统。阐释了“材分制”在盛唐时期可能已经开始形成，指导着梁架与出檐的比例关系。 宫殿营建的制度化：工部与将作监的职能。 详细考察唐代中央政府对建筑工程的组织方式，特别是工部下属将作监在设计、监督和材料供应方面的核心作用，以及这如何保障了超大型工程（如大明宫的重建）的顺利实施。 第四章：唐代中晚期——多元化与地域性的发展 本章关注安史之乱后，唐代建筑在风格上的细微变化，以及在不同地理区域的表现。 中晚唐的精细化倾向。 探讨了战乱后，大型工程数量减少，建筑审美开始转向对细节的雕琢和装饰手法的精进。分析了建筑的层次数目减少，出檐的尺度略微收敛，但结构稳定性进一步提高的趋势。 佛教建筑的地域特色。 区别分析了关中、河北、江南地区在晚唐时期佛教寺院建筑在结构和装饰上的差异。例如，探讨了晚唐五代时期，在川西和五台山地区，如何发展出比中原地区更为复杂的楼阁式塔（如密檐塔的兴起），以及这些变化对宋代建筑的影响。 唐代廊庑式与殿堂式的对比分析。 依据出土的壁画和残存遗迹，系统梳理了唐代宫殿、寺庙中常用的平面布局类型，对比了殿堂式（如单体大殿）与廊庑式（如多重殿宇环绕）的优劣及其在不同功能建筑中的应用。 第五章：技术体系的深度解析——中古时期结构要素的演进 本章从技术本体论的角度，对中古时期中国建筑的关键构件进行了详细的解剖。 斗栱系统的演变与定型。 详细追踪了魏晋时期由柱头铺作向昂、拱相互交错的发展历程，直至唐代“出跳臂”的成熟。通过对各时期出土构件的量化研究，描绘了唐代斗栱在结构承重、装饰审美以及抗震性能方面的巅峰状态。 屋顶形式的变迁。 研究了庑殿、歇山、悬山、硬山等屋顶形式在中古时期的使用频率和等级区分。重点分析了唐代屋顶举折（坡度）的特点，以及筒瓦、板瓦等覆盖材料的制作工艺进步，如何共同支撑起宏大的屋檐出挑。 台基、梁架与木材处理。 探讨了这一时期对建筑基础的重视（如夯土台基与石砌须弥座的结合），以及大木作中“减柱造”在盛唐时期如何达到应用极限，如何通过增大柱距来营造开阔的内部空间。 结语：中古建筑对后世的遗产 总结了中古时期建筑艺术对中国建筑史的根本性贡献，特别是其确立的“模数化营造体系”、“中轴对称的规划思想”，以及“斗栱承重结构”的成熟，这些都成为宋代《营造法式》得以出现的技术前提与艺术基石。本书的最终目的，是为读者构建一个立体、鲜活、技术严谨的中古建筑世界。

评分☆☆☆☆☆

这本书的装帧倒是挺别致的，封面那种古朴的色调，配上烫金的“唐代宗教造型艺术”几个字，一股浓厚的历史气息扑面而来。翻开扉页，印在眼前的那些精美的线描图，虽然没有色彩，但勾勒出的佛陀、菩萨、飞天形象，依然栩栩如生，仿佛穿越了千年的时空，与那些壁画、石窟中的造像对话。尤其是那些描绘供养人、力士的细节，服饰的飘逸，肌肉的饱满，都体现出一种独特的唐风韵味，与同期其他朝代的艺术风格截然不同。我特别喜欢其中关于石窟寺庙建筑结构的那部分，虽然篇幅不长，但图文并茂地解析了不同窟龛的平面布局、穹顶结构，以及佛教造像在空间中的具体安放方式，对于理解唐代宗教艺术的整体性和功能性有着重要的启发。例如，对龙门石窟、敦煌莫高窟等地的代表性造像群的分析，从其时代演变、艺术风格的递进，到不同题材造像的解读，都显得格外有见地。作者在描述那些细节时，用的词汇也很丰富，比如“雍容华贵”、“宝相庄严”、“飘逸灵动”等等，很容易将读者带入那个辉煌的时代，去感受唐代工匠们精湛的技艺和对信仰的虔诚。

评分☆☆☆☆☆

对于我这个对佛教历史和艺术稍有涉猎的读者来说，这本书提供了一个非常扎实的理论框架。作者在论述唐代宗教造型艺术时，并没有停留在对作品的简单描述，而是将艺术风格的演变置于当时的社会、政治、文化背景之下进行考察。例如，书中关于“贞观时期佛教艺术的开创性”的分析，就将长安大兴善寺、慈恩寺等地的佛教造像置于唐初的政治格局和对外交流的大背景下，强调了这一时期艺术的革新与开放。同时，对“开元盛世佛教艺术的巅峰”的解读，则通过对洛阳龙门石窟奉先寺等地的巨型造像的分析，展现了盛唐时期国家力量与宗教信仰的结合，以及艺术所达到的崇高境界。最让我印象深刻的是，作者在探讨“安史之乱后的佛教艺术转型”时，并没有简单地归咎于战乱，而是深入分析了当时社会思潮的变化，以及佛教教义的调整对造像风格产生的微妙影响，比如造像趋于写实、强调内心体验等。这种层层递进的分析，让我对唐代宗教艺术的发展脉络有了更清晰、更深刻的认识。

评分☆☆☆☆☆

这本书虽然书名听起来很学术，但内容却相当引人入胜，一点也不枯燥。我尤其喜欢其中关于“唐代不同地域佛教造型艺术的地域性差异”的章节。书中详细对比了长安、洛阳、敦煌、四川等地佛教造像在题材选择、艺术手法、造型特点上的不同，让我第一次意识到，即使在同一朝代，佛教艺术也并非铁板一块，而是呈现出鲜明的地域特色。比如，敦煌壁画中那些充满异域风情、色彩斑斓的飞天，与中原地区较为规整、沉静的佛像形成了鲜明的对比。作者在分析这些差异时，不仅引用了大量的考古发现和文献资料，还结合了对当地地理环境、民族构成、文化习俗的考量，使得分析既有深度，又有说服力。读到这一部分，我仿佛置身于大唐的广袤土地上，亲眼目睹了不同地区佛教艺术的独特魅力，感受到了那个时代文化交流与融合的生动景象。

评分☆☆☆☆☆

读完这本书，我对唐代佛教艺术的理解有了颠覆性的认识。之前我总觉得唐代的佛教造像就是一些相对程式化的佛像，没有什么特别突出的地方。但这本书通过对具体作品的深入分析，揭示了唐代佛教艺术的勃勃生机和多元发展。尤其是在提到“汉传佛教造像的本土化进程”这一章节时，书中通过大量实例，展示了佛教造像如何在唐代与中国本土的审美情趣、艺术传统相结合，逐渐形成了独具特色的中国化风格。那些面部圆润、体态丰腴的佛像，不再仅仅是西域传来的舶来品，而是充满了东方神韵，甚至融入了唐代贵族女性的仪态万方。此外，书中对“密宗造像的传入与影响”的论述也相当精彩，通过对唐代密宗坛城的描绘和相关造像的解读，展现了佛教在传播过程中所产生的复杂而有趣的文化交融。我之前对密宗造像的了解仅限于一些零散的图片，而这本书则提供了一个系统性的梳理，让我得以窥见唐代宗教艺术的另一面，那种神秘而又充满力量的美感，着实令人着迷。

评分☆☆☆☆☆

这本书最打动我的地方在于，它不仅仅是在介绍唐代的宗教造型艺术，更是在讲述一段辉煌的历史和一种深刻的信仰。作者在字里行间流露出的对唐代艺术的深厚感情，以及对艺术家们不懈追求的敬意，都深深感染了我。尤其是在描述那些历经千年风雨、依然矗立的造像时，作者用充满诗意的语言，描绘了它们所承载的时代记忆和精神力量。比如，书中对“佛教造像的材料与工艺”的细致阐述，从泥塑、石雕到金铜造像，各种材质的特点、制作过程的艰辛，都被描绘得淋漓尽致。读到那些关于工匠们如何克服重重困难，用血汗和智慧塑造出这些不朽杰作的故事时，我常常会感到一种莫名的震撼。这本书让我明白，唐代宗教造型艺术不仅仅是精美的工艺品，更是那个时代人们精神世界的集中体现，是对生命、对宇宙、对信仰的永恒追问。