画技法---西方经典美术技法译丛-W pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

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[美] 克丽斯·柯宗，朱莉·普里恰德，刘静 著

图书标签:

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• 绘画教学
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• W
• 译丛

店铺： 巧艺图书专营店

出版社： 上海人民美术出版社

ISBN：9787532294732

商品编码：29906541970

包装：平装

出版时间：2015-07-01

基本信息

书名：画技法---西方经典美术技法译丛-W

：48.00元

作者： 克丽斯·柯宗,朱莉·普里恰德 ,刘静

出版社：上海人民美术出版社

出版日期：2015-07-01

ISBN：9787532294732

字数：1

页码：125

版次：1

装帧：平装

开本：16开

商品重量：0.4kg

编辑推荐

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1. 作者推崇混合多种媒介作画方式，添加拼贴、线条和肌理效果，创作方式新颖，让人耳目一新； 2. 本书案例图片精美新奇，视觉冲击力强，趣味性强，寓教于乐，让绘画创作变得简单有趣，富有挑战性； 3. 采用分步骤讲解法，由易至难，当你拿起笔跟随书中的节奏和进度系统性的展开学习时，你会发现绘画将变得轻松而有趣； 4. 书中基础知识的讲解扎实、透彻，案例实用、全面，适合任何水平的画爱好者阅读学习。主编推荐：油画刀技法向大师学油画——20位油画名师的绘画技巧油画的光与色(新一版)油画肖像经典技法油画风景写生与创作油画风景手册油画的色彩造型画法

内容提要

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在《西方经典美术技法译丛——画技法》中，读者能学到三十多种分步骤拓展肌理技巧，包括拼贴、单印版画、刻画、拼色对碰、印模立体印花、上光等等。《西方经典美术技法译丛——画技法》的每个章节都探索了多层次、多媒介绘图的各个阶段，例如绘图基底的准备、添加结构感、拓展复杂元素以及巧妙表现后的细节。读者在创作过程中可以随心所欲地使用书中的技巧来进行混色、重复或者添加图层。本书中有大量的画艺术作品，在讲解画作的同时也能提高读者的鉴赏力。

目录

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作者介绍

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克丽斯·柯宗是自学成才的艺术家，她非常喜欢在艺术作品中探索色彩、肌理和图案。她的拓展开发才能和教授大量不同课程的能力来自于作为教育工作者所受的职业培训。克丽斯担任美国颜料和产品生产商金色艺术家颜料公司的常驻艺术家，每年在南加州和美国举办30多场专业讲座和颜料专题讨论会。自2008年以来，她已经出版了《变化的表面》（2008），《转描图和改变的图像》（2009）和《多种绘图媒剂与色彩》（2010）三部作品，这些技巧书聚焦于颜料和肌理效果，受到热捧。可以在thelandoflostluggage.网站上学习她与朱莉·普里恰德教授的网上课程。她的作品在美国、欧洲和以色列受到私人珍藏。克丽斯与丈夫一起生活在加州的帕萨迪纳市。可以在网址：chriscozenartist.上对她做进一步了解。

朱莉·普里恰德是在南加州工作和生活的多媒介画家。目前，她致力于写作并提供网上多媒介绘画讲习班，志在将该技术向全球艺术人士传播。通过网络，朱莉与不断发展的艺术创造之旅上的同游人分享了自己的知识。她当前的艺术作品在网址：TheLandOfLostLuggage.上可见。

文摘

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序言

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穿越时空的色彩与光影：西方绘画大师的技法精髓 一、 文艺复兴的辉煌：素描与透视的基石 本卷精选了文艺复兴时期，意大利及尼德兰地区大师们关于造型基础与空间构建的珍贵手稿与理论阐述。我们将深入探讨列奥纳多·达·芬奇对人体解剖学的精确观察，以及他如何将科学认知融入到明暗对照法（Chiaroscuro）的早期实践中，以雕塑般的体积感塑造人物。 重点章节将详细解析桑德罗·波提切利作品中对线条的极致运用，他如何通过流畅、富有韵律感的轮廓线，赋予“春”与“维纳斯的诞生”中女神纤细而优美的形态。同时，我们将引入菲利普·布鲁内莱斯基和莱昂·巴蒂斯塔·阿尔伯蒂奠定的线性透视法的数学原理。这不是枯燥的几何推导，而是画家如何将三维世界精确地“折叠”到二维画布上的视觉魔术。通过对文艺复兴早期湿壁画（Fresco）技术的剖析，读者将了解如何处理对速度和耐久性要求极高的“湿壁法”（Buon Fresco），包括颜料研磨、灰泥的配比，以及“ giornata”（每日工作量）的规划，这些都是掌握古典写实主义不可或缺的工匠精神。 二、 巴洛克的激情：光线、戏剧性与油画的革新 进入17世纪，绘画不再满足于古典的和谐，而是追求情感的爆发与光影的张力。本部分的核心在于油画媒介的成熟与应用。我们将聚焦于卡拉瓦乔革命性的“暗光法”（Tenebrism）。这不仅仅是一种光线处理，更是一种叙事工具。通过对比分析他的作品，我们会展示如何利用极端的明暗对比，将光源聚焦于故事的关键点，创造出近乎舞台剧般的戏剧效果，以及这种技法对后世的影响。 在北方，彼得·保罗·鲁本斯的技法代表了另一种热情。本节将详细拆解鲁本斯如何构建他标志性的“肉体感”——那饱满、富有生命力的肌肤质感。这涉及他对油画颜料的多层罩染（Glazing）技术的精妙运用，颜料层层叠加，使得色彩产生深邃的内部光芒，而非简单的表面涂抹。此外，我们还将探究尼德兰画派在静物画中对物质细节的极致描绘能力，尤其是“欺骗眼睛”（Trompe-l'œil）的技法运用，如何通过对反射、折射和纹理的精准捕捉，模糊了绘画与现实的界限。 三、 洛可可与新古典主义的转向：色彩的轻盈与形态的回归 18世纪，艺术风向转向精致与感性。让-安托万·华托和弗拉戈纳尔的作品展示了洛可可对柔和色彩和晕染过渡的偏爱。本部分将侧重于如何利用“调色板上的混合”而非画布上的过度堆叠，实现肌肤和丝绸表面那种朦胧、轻快的光泽感。 然而，对理性与秩序的呼唤很快带来了新古典主义的复兴。雅克-路易·大卫回归了文艺复兴的严谨性，但他的技法更为冷峻、清晰。这里，我们将关注他对线条的强调（Poussiniste 倾向），以及如何使用不露笔触的“釉面技法”（Smooth Finish）来营造一种永恒、雕塑般的美感。对古代雕塑的临摹练习，如何帮助画家掌握古典的比例和理想化的人体结构，将是本段的重点实践环节。 四、 印象派的解放：户外写生与光色的科学 19世纪中叶，摄影技术的冲击和现代科学对光学的深入研究，彻底改变了绘画的进程。本卷对印象派的剖析，将完全聚焦于对“瞬间”的捕捉。 我们将深入研究克劳德·莫奈如何将颜料直接带到户外（Plein Air），并以前所未有的速度工作，以应对瞬息万变的光照条件。重点解析“并置色彩法”（Juxtaposition of Color）——即不将颜料在调色板上混合，而是将纯色并排涂抹，让观者的眼睛在远处完成混合，从而获得比传统混合更鲜亮、更具“振动感”的色彩效果。 同时，我们会探讨皮埃尔-奥古斯特·雷诺阿在处理人物皮肤时，如何巧妙地运用冷暖色调的细微变化，来模拟阳光穿过树叶投射在人体上的斑驳光影，创造出温暖、生动的氛围。这一部分还将简要涉及点彩派（如乔治·修拉）对色彩理论的数学化应用，作为印象派对“光”的理解的极端发展。 五、 后印象派的深度挖掘：结构、情感与媒介的探索 印象派的松散结构引发了新的反思。保罗·塞尚被视为连接古典结构与现代艺术的关键。本节将详细阐述他如何试图用几何形体（圆柱体、球体、圆锥体）来重新“建造”自然。我们将研究他如何通过多重视角和微妙的色彩渐变（而非清晰的线条）来表现物体的体积感，这被后来的立体主义奉为圭臬。 最后，我们将探讨文森特·梵高对情感表达的极致追求。这不是关于“如何画得像”，而是关于“如何传达感受”。重点分析他如何运用厚涂法（Impasto），将颜料堆积到画布上，使其本身成为一种雕塑性的语言，以及他如何通过色彩的强烈对比（如他标志性的黄与紫）来表达内心的躁动与激情。这要求我们理解，在后印象派的语境下，笔触本身就是意义的载体。 总结： 本套丛书旨在提供一个完整的西方绘画技术史的脉络，从文艺复兴的严谨规范，到巴洛克的戏剧张力，再到印象派对光线的科学捕捉，以及后印象派对主观情感的释放。它关注的不是“画了什么”，而是“如何画的”，是献给所有致力于精进技艺、理解艺术史背后物质基础的创作者的宝贵资源。

评分☆☆☆☆☆

作为一名刚入门的绘画爱好者，我常常会感到迷茫，不知道该从何下手，也不知道如何才能真正地进步。这本书《画技法---西方经典美术技法译丛-W》就像一个经验丰富的老友，用最清晰、最易懂的方式，为我指明了方向。它没有那些华而不实的理论，而是专注于最实用的绘画技巧。我特别喜欢它关于“构图”的讲解，以前我总以为构图就是把东西摆好看就行了，但这本书告诉我，构图是引导观众视线的“魔术”，好的构图能够让画面更加生动，更具故事性。它还详细介绍了各种经典构图法则，比如三分法、黄金分割等，并结合大量的范例分析，让我能够迅速掌握这些技巧。此外，它还深入讲解了如何处理画面中的“透视”，无论是一点透视还是多点透视，都解释得非常清楚。最重要的是，这本书强调了“观察”的重要性，教我如何去观察物体的形态、结构和光影，从而将观察到的内容准确地呈现在画面上。我现在看东西的角度都变了，感觉充满了艺术灵感。

评分☆☆☆☆☆

我一直对古典素描那种严谨的造型能力非常着迷，总觉得自己的素描作品少了那种“ solide”（扎实）的感觉。这本书《画技法---西方经典美术技法译丛-W》真的让我受益匪浅。它没有泛泛而谈，而是非常具体地讲解了如何建立物体的“空间感”和“体积感”。我特别喜欢它关于“形体分解”的讲解，教我如何将复杂的物体分解成简单的几何形体，然后再逐步深入到细节。书中用大量的线稿和不同阶段的素描作品，展示了从基础形体到最终成品的整个过程，让我能够清晰地看到每一步的演变。它还强调了“线条的运用”，不同的线条能够传达不同的情感和质感，这一点我之前从未意识到。而且，这本书还探讨了“笔触”的意义，在素描中，即使是单色的线条和明暗，也能够通过不同的笔触变化来丰富画面。我现在画素描的时候，不再是简单地涂抹，而是开始思考每一笔的走向和力度，画面真的有了很大的提升。

评分☆☆☆☆☆

这本书真的太棒了！我一直对油画中的光影处理特别好奇，但又找不到特别系统和深入的教程。市面上很多书讲的都是大概其，点到为止，感觉学不到什么实质性的东西。直到我看到这本《画技法---西方经典美术技法译丛-W》，简直就像是给我打开了一扇新世界的大门！它没有那种“傻瓜式”的教学，不会告诉你“这里用什么颜色，那里用什么笔触”，而是从最根本的原理入手，一步一步地解析光线是如何在物体上形成明暗、反光、投影的。我最喜欢的是它对“空气透视”和“色彩透视”的讲解，真的让我茅塞顿开。以前总觉得风景画中的远景颜色不对，但这本书讲清楚了，原来是大气层对颜色的影响。它还详细阐述了不同材质的物体在光照下的表现差异，比如金属的光泽感、布料的褶皱感，都分析得特别到位。我迫不及待地想尝试书中的练习，相信我的素描和色彩表现力一定会有一个质的飞跃！对于任何想要提升绘画功底，尤其是对写实绘画感兴趣的朋友，这本书绝对是必不可少的宝藏！

评分☆☆☆☆☆

说实话，我对色彩的理解一直停留在比较初级的阶段，总是觉得调色很难，调出来的颜色不自然。这本《画技法---西方经典美术技法译丛-W》简直是我色彩学习道路上的“及时雨”。它不像其他一些教材那样，上来就给你一大堆色彩理论公式，而是从色彩的“情感”和“感觉”出发，引导你去体会色彩之间的关系。我最印象深刻的是关于“色彩的和谐”和“色彩的对比”的章节，它用了很多大师的经典作品作为案例，分析了为什么这些作品的色彩会如此吸引人，又为什么会有如此强烈的视觉冲击力。书里还讲解了不同色调在不同场景下的运用，比如在表现夏日阳光下的热烈，还是在描绘黄昏时的宁静，色彩都能起到至关重要的作用。它甚至还探讨了色彩的心理暗示作用，这让我对色彩的认识又进了一步。我之前总是担心自己调不出“洋红”或者“群青”那种微妙的颜色，但这本书告诉我，理解色彩的本质比记住具体的颜色名称更重要。现在，我敢于去尝试更多大胆的色彩搭配了！

评分☆☆☆☆☆

我一直以来都对古典雕塑的写实功底感到非常钦佩，那种栩栩如生、仿佛拥有生命的质感，是怎么做到的呢？我尝试过很多方法，但总感觉差了点什么。这本《画技法---西方经典美术技法译丛-W》可以说是完全颠覆了我之前的认知。它不仅仅是教你如何画出“像”，更是教你如何“理解”形体。书里花了大量的篇幅去讲解解剖学的基础，但不是枯燥的骨骼肌肉名称堆砌，而是从骨骼结构如何影响肌肉走向，肌肉走向又如何影响外部轮廓的角度来分析。我特别喜欢它关于“转折”的讲解，很多时候我们画不好，就是因为没有抓住物体表面的转折关系，导致画面显得平坦。这本书用非常直观的图示和精炼的文字，把这些复杂的转折关系一一呈现出来，让我恍然大悟。而且，它还强调了“虚实”的对比，画面中哪里需要强调，哪里可以模糊处理，都给出了非常明确的指导。我感觉这不仅仅是一本绘画技法书，更是一本艺术审美的启蒙读物，让我对艺术的理解上升到了一个新的高度。