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梁玖... 编

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出版社： 西南师大

ISBN：9787562184942

商品编码：29913311729

开本：16

出版时间：2018-03-01

基本信息

• 商品名称：音乐表演艺术论(精)
• 作者：高拂晓|总主编:梁玖
• 定价：72
• 出版社：西南师大
• ISBN号：9787562184942

其他参考信息（以实物为准）

• 出版时间：2018-03-01
• 印刷时间：2018-03-01
• 版次：1
• 印次：1
• 开本：16开
• 包装：精装
• 页数：273
• 字数：295千字

内容提要

高拂晓著的《音乐表演艺术论(精)》提出了音乐 表演研究的本质论、发展论、表现论、主体论、接受 论、人才论的系统理论框架，结合历史与现实的音乐 表演美学问题进行了深入论述，并有详细的例证。特 别在发展论、表现论、主体论和接受论中不仅对传统 表演实践和现象有所评价，对*新的表演形式和趋向 也有美学审视，进一步推进了该领域的理论建设和学 科发展，本书分别从“音乐表演的本质与差异”“音 乐表演的历史与发展”“音乐表演的呈现与力度”“ 音乐表演的主体与风格”“音乐表演的接纳与评价” “音乐表演的人才与希望”这六章论述了音乐表演艺 术，从理论的角度分析和解决表演实践中存在的问题 ，为评价表演艺术提供一定的依据和视野，为*多创 造性的艺术活动提供思想基础。对音乐表演理论的教 学和表演实践的发展具有重要参考意义。
    

作者简介

高拂晓，中央音乐学院副研究员，硕士研究生导师，《中央音乐学院学报》副主编，英国牛津大学访问学者。2004年毕业于西南师范大学音乐学院钢琴教学与表演艺术专业，获硕士学位；2007年毕业于中央音乐学院音乐学系音乐美学专业，获博士学位。主要研究方向：音乐美学及音乐表演美学。目前在中央音乐学院开设本科课程“音乐表演美学概论”和研究生课程“音乐表演研究”“学位论文写作”。出版专著《期待与风格：迈尔音乐美学思想研究》，在各类音乐核心期刊发表论文几十篇；入选***“新世纪**人才支持计划”，获霍英东教育基金会青年教师基金项目资助，主持并参与完成了多项***科研课题。

目录

导论
第一章 音乐表演的本质与差异
第一节 何为音乐表演
一、艺术学的讨论
二、音乐表演的定义
第二节 不只是音符
一、从作品到音响
二、现代技术条件对音乐表演的影响
第三节 边缘还是核心
一、音乐表演的重塑性
二、音乐表演的创造性
第四节 意义的类型与差异
一、三种表演形式
二、传播性、表现性和情景性
第二章 音乐表演的表现与力度
第一节 表现的哲学
一、表现理论的雏形
二、表现理论的发展
第二节 挑战经典概念
一、表现力概念的萌芽
二、表现力的基本原则
第三节 表现力的呈现方式和差异
一、共性表现力、个性表现力与多维表现力
二、表现力差异的几种情况
第四节 表演的力度和深度
一、舒曼《梦幻曲》的表现力剖析
二、表现的力度
第三章 音乐表演的主体与风格
第一节 一种身份的意义诠释
一、艺术家的形成
二、表演者的形成
三、音乐表演艺术家的当代职责与发展
第二节 表演者到艺术家的距离
一、表演心理技能
二、表演心理控制
第三节 众人瞩目的奥妙
一、音乐风格问题
二、表演风格问题
第四节 被“他(她)”震撼不是偶然
一、风格的纯正性
二、风格的必然要求
第四章 音乐表演的接纳与评价
第一节 一种知道和懂的条件
一、接受的美学基础
二、理解的想象力
第二节 复杂社会生态下的审美链条
一、审美接受的社会环境
二、音乐艺术市场的当今发展
三、时代观念与表演创作
第三节 批评的辩证法

好的，这是一本关于古典音乐史与分析的专业学术著作的简介。 史诗的回响：西方古典音乐的演变与深度解析（精装版） 导言：超越音符的文明轨迹 《史诗的回响：西方古典音乐的演变与深度解析》是一部旨在全面梳理自中世纪晚期至二十世纪上半叶西方古典音乐发展脉络的恢宏巨著。本书并非简单地罗列作曲家及其作品目录，而是深入探究了音乐作为一种文化载体，如何与当时的社会结构、哲学思潮、技术革新以及审美范式相互作用、相互塑造的历史过程。 本书的核心关切在于揭示“古典音乐”这一概念在不同历史阶段的内在张力与外在表现。我们探讨的不仅仅是调式、和声的演变，更是权力、信仰、启蒙与民族精神如何在声响结构中留下烙印的复杂叙事。 第一部分：起源与奠基（中世纪晚期至巴洛克早期） 本部分追溯西方音乐的根源，重点分析了宗教音乐在早期欧洲文化中的主导地位及其向世俗化转型的驱动力。 1. 格里高利圣咏的规范化与复调的萌芽 我们首先考察了教廷对音乐实践的标准化努力，分析了格里高利圣咏的结构特点及其在统一欧洲精神生活中的作用。随后，详细阐述了奥尔加农（Organum）的出现标志着复调音乐的开端。重点解析了诺特丹画派（如列奥宁和佩罗坦）如何通过精确的节奏记谱法，为后世的复杂织体创作奠定了数学与逻辑基础。 2. 文艺复兴：人文主义对音乐的解放 文艺复兴时期，人文主义的兴起将音乐的关注点从神性转向人性。本书深入剖析了“模仿”（Imitatio）技法的成熟，特别是在经文歌（Motet）和弥撒曲（Mass）中的应用，探讨了如帕莱斯特里那等作曲家如何通过精妙的对位手法，实现了清晰的文本传达与和谐的声响效果。我们还将重点关注世俗音乐的兴盛，如法国香颂和意大利假面歌，它们如何为歌剧的诞生积蓄了戏剧化的表现手法。 第二部分：光辉的构建——巴洛克时代的宏伟叙事 巴洛克时期是西方音乐史上最具结构性和情感张力的时代之一。本部分聚焦于“巴洛克”风格的本质，即“强烈的对比性”和“情感的固定化描绘”。 3. 歌剧的诞生与早期戏剧的张力 本书详细考察了佛罗伦萨的“新艺术社团”对古希腊悲剧精神的复兴尝试，分析了卡奇尼和蒙泰威尔第如何通过“单音音乐”（Monody）和“宣叙调”（Recitative）的创新，成功地将戏剧语言与音乐融为一体。对蒙泰威尔第的《奥尔费奥》的深入分析，揭示了早期歌剧如何平衡声乐技巧与戏剧真实性。 4. 协奏曲体裁的成熟与巴赫的对位巅峰 本书用了大量篇幅探讨了“巴洛克协奏曲”的发展，从科雷利的小提琴协奏曲到维瓦尔第对“季”的音乐化描绘。更重要的是，本书将巴赫视为对位艺术的集大成者，分析了《赋格的艺术》中各种复杂的复调技巧，并将其置于当时德国路德宗清教徒精神背景下进行解读。我们探讨了“巴赫的音高逻辑”如何预示了未来调性体系的极限。 第三部分：理性与情感的交响——古典主义的结构美学 古典主义时期标志着对巴洛克时期复杂装饰的摒弃，转而追求清晰、平衡与普遍可理解的结构美。 5. 奏鸣曲式的理性构建与交响乐的黄金时代 本部分重点阐述了奏鸣曲式（Sonata Form）的结构原理——呈示部、发展部和再现部，如何成为古典时期所有重要器乐体裁的“逻辑骨架”。我们分析了海顿作为“交响乐之父”的贡献，他如何确立了四乐章交响曲的规范；随后，深入解析了莫扎特音乐中那种看似轻松愉快外表下隐藏的“悲剧性洞察力”。 6. 贝多芬：从古典到浪漫的桥梁与“英雄主题” 本书将贝多芬视为一个关键的转折点。我们分析了他在风格上如何突破了古典主义的界限，特别是《c小调第五交响曲》中“命运敲门”动机的贯穿性运用，这不仅是音乐手法上的创新，更是将个人意志和抗争精神注入器乐表达的里程碑。我们探讨了这种“英雄式”审美如何深刻影响了十九世纪的艺术思潮。 第四部分：个性的绽放——浪漫主义的无限张力 浪漫主义时期，音乐开始成为表达高度个人化情感、探索潜意识和民族精神的终极工具。 7. 艺术歌曲（Lied）的微观叙事与肖邦的钢琴独白 本章着重分析了音乐体裁的“小型化”与“极端个人化”趋势。舒伯特和舒曼的艺术歌曲如何将歌词的文学性提升到与旋律同等重要的地位；而肖邦的作品则展示了如何将民族舞蹈（如玛祖卡、波兰舞曲）转化为内省的、高度技巧性的钢琴诗篇。我们讨论了“炫技”如何从单纯的表演需求，转变为表达极端情绪的必要手段。 8. 晚期浪漫主义的宏大交响与瓦格纳的音乐戏剧观 晚期浪漫主义的特征是极度的情感丰沛、更广阔的音域以及对传统调性限制的挑战。本书详细分析了勃拉姆斯对贝多芬传统的继承与发展，以及马勒的交响曲中对人类生存境遇的哲学追问。最后，我们对瓦格纳的“整体艺术作品”（Gesamtkunstwerk）理论进行了审视，重点分析了“主导动机”（Leitmotif）系统如何重塑了歌剧的叙事结构，并对随后的音乐发展造成了决定性的影响。 结论：走向现代的边缘 本书在结尾处简要概述了德彪西、斯特拉文斯基等作曲家如何开始系统性地解构前述所有规范——和声、节奏、调性——为二十世纪音乐的多元化和激进化铺平了道路。 本书旨在为严肃的音乐学习者、专业音乐家以及对西方文明史有兴趣的读者，提供一个结构严谨、论证深入的音乐史研究框架。它要求读者以批判性的眼光，去聆听那些穿越数百年历史的“史诗回响”。 【装帧信息】：精装版，配有大量乐谱示例图版与历史插图，采用进口高克重纸张印刷，确保阅读体验的专业性和持久性。

评分☆☆☆☆☆

这本书的结构安排，可以说是不走寻常路的。它没有按照传统的时间线索或者乐器门类来划分章节，而是更倾向于围绕一些核心的哲学命题进行螺旋上升式的探讨。例如，当你以为作者终于要深入分析某个特定时期的演奏风格时，他可能会突然抛出一个关于“沉默的价值”的讨论，然后将话题引向东西方音乐哲学的对比。这种跳跃性极强的结构，要求读者具备极强的联想能力和知识迁移能力。我个人的体验是，读完第一部分后，需要经常回溯前面的章节，因为后文的论证往往是建立在前文那些看似不相关的概念之上的。这种写作手法，非常考验读者的专注度，一旦走神，就很容易迷失在作者构建的复杂逻辑迷宫中。对于那些习惯于清晰路径指引的读者来说，这无疑是一个巨大的挑战，但反过来看，它也迫使我们主动去建立知识间的联系，而不是被动地接受既定的知识框架。

评分☆☆☆☆☆

坦白讲，这本书的语言风格，与其说是“论述”，不如说是“辩论”。作者的行文充满了强烈的批判性和挑战性，他似乎总是在跟某种约定俗成的“常识”对着干。比如，他对古典音乐教育体系的某些刻板化要求的尖锐批评，读起来让人拍案叫绝，又忍不住会心一笑，因为它触及到了很多从业者心知肚明却不便明说的痛点。这种激烈的姿态，使得整本书的阅读体验充满了张力，不像一些学院派的著作那样平铺直叙、温文尔雅。它更像是一位资深艺术家在晚年对整个行业进行的一次彻底的“清算”。书中不乏一些极具煽动性的段落，比如作者描述某种过度追求技巧而丧失灵魂的演奏时，那种文字的力度几乎能让你“听”到那种空洞的音色。这种强烈的个人意志渗透进文字的每一个角落，既是它的魅力所在，也可能是它的局限——因为你必须接受作者预设的这套批判体系，否则很容易在阅读过程中产生抵触情绪。

评分☆☆☆☆☆

这本书的装帧设计，说实话，初上手的时候确实给我一种“老派”的精致感。封面那种深沉的墨绿色，配上烫金的宋体字，立刻让人联想到图书馆里那些被时间打磨过的经典著作。我当时是带着一种朝圣般的心情去翻开它的，期待着能从中挖掘出一些关于音乐史、美学理论或是演奏技巧的“秘笈”。然而，当我真正沉浸进去阅读时，发现它更像是一部跨学科的、带着强烈个人色彩的论述集。作者似乎并不满足于仅仅停留在技术层面，而是试图构建一个宏大的、关于“声音如何成为艺术”的哲学框架。比如，书中对“即兴”的探讨，不是简单地罗列和声规则，而是深入挖掘了表演者在特定时空背景下的心理状态与文化语境的交织作用，这种深入的、近乎人类学的分析角度，让我这个原本只想找点提高演奏会的技巧的读者，不得不放慢脚步，重新审视自己对“音乐”二字的理解。它对表演的定义非常宽泛，甚至触及到了仪式感和身体感知这些偏向表演学甚至社会学的范畴，这点非常出乎意料，也带来了极大的思考空间，但同时也意味着，如果你是那种期待快速掌握某种流派演奏手法的读者，可能会觉得它的论证过程略显冗长和抽象。

评分☆☆☆☆☆

我花了相当长的时间才真正跟上作者的思绪，特别是那些关于“媒介与诠释”的章节，简直像在啃一块硬骨头。这本书的厉害之处在于，它不是在教你如何“弹奏”或“演唱”，而是在解构“表演”这个行为本身是如何在历史的长河中被定义、被误解，又被重建的。书中引用的文献和案例极其驳杂，从巴洛克时期的宫廷演出规范，到二十世纪先锋派音乐的消解，再到现代录音技术对现场感的颠覆，作者的知识储备令人叹服，但也使得初读体验有些许“迷航感”。我记得有一部分专门讨论了“身体作为乐器”的概念，作者并没有止步于物理上的发声器官分析，而是引入了现象学视角，试图探讨表演者如何通过其在舞台上的“在场性”来影响听众的非理性体验。这种深度的理论挖掘，对于那些想在学术上有所建树，或者对音乐理论有极高追求的专业人士来说，无疑是一座宝库。但对于像我这样，主要以提升个人审美愉悦为目的的爱好者来说，需要极大的耐心去梳理这些层层叠叠的概念，才能最终领会作者想要传达的核心观点。

评分☆☆☆☆☆

当我合上这本书，试图总结我的阅读感受时，我意识到，它更像是一面镜子，而非一张地图。它没有提供清晰的路线图告诉你如何成为一名优秀的音乐表演者，也没有给出标准答案来评判一场演出的优劣。相反，它不断地抛出问题，挑战我们对“表演的本质”、“艺术的意义”以及“听众的角色”这些基本概念的固有认知。这本书的价值，不在于它告诉了你什么具体的知识点，而在于它如何潜移默化地改变了你聆听音乐的方式。我发现自己现在在听音乐会时，会不自觉地去注意舞台调度、乐手之间的微小互动，以及乐曲中那些“不和谐”或“被忽略”的音响细节。它打开了一个全新的观察维度，让原本似乎已经被“听熟”的音乐世界，重新焕发出复杂而迷人的光彩。这本书无疑需要反复品读，每一次重读，都会因为我们自身经验的增长而产生新的理解层次，它更像是一本可以陪伴你一生去探索的智性伙伴，而不是一次性的阅读材料。