晋唐小楷集

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江吟,许洪流 编
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出版社: 西泠印社出版社
ISBN:80735.350
版次:1
商品编码:10342269
包装:精装
开本:16开
出版时间:2007-05-01
用纸:胶版纸
页数:172
正文语种:中文

具体描述

内容简介

   《宣示表》是三国时期著名书家锤繇的代表作,几十八行,今所传世者或谓王羲之临本。梁武帝萧衍尝评锤繇书法“如云鹄游天,群鸿戏海,行间茂密,实亦难过”(《古今书人优劣评》)。此书笔法厚重,结体宽博,意态古朴,纵横使转,备尽法度,洵为正书之祖。
《乐毅论》为东晋王羲之小楷代表作品。此文为三国魏夏侯玄(泰初)所撰,论述战国时代燕国名将乐毅率军征战和荣辱际遇之一生。据传王羲之书写这篇小楷是付与其子王献之的。释智永将此作推为王羲之正书之首。褚遂良《右军书目》亦称此作为王氏正书极好。现所传世者均属摹刻本。著名的有南宋《越州石氏帖》本、《宝晋斋法帖》本、明《停云馆帖》本、清《快雪堂帖》奉等,其中以《越州石氏帖》本为极好。它写得雍容大方,笔势精妙,行笔自然,充分表现了楷书严谨的法度和优雅的神采。
《黄庭经》传为王羲之的小楷作品,内容是魏晋时代道家有关养生修炼的文字,共六十行, 一千二百多字。据说王義之写此作的目的是为了向山阴道士换取自己喜爱的白鹅,故亦称《换鹅帖》。此作真迹早已无存,传世刻本甚夥。它字字笔墨秀润,锋势内蕴而笔力雄健,运笔沉着而自然潇洒。笔画富于变化,结构谨严,字间气脉相连,通篇错落自如。历代书法名家如赵孟頫、祝允明、文徵明、董其昌等皆奸临习之。
《洛神赋》是王献之的小楷作品,仅存十三行。今所传贾似道刻本,因石色如碧玉,故称“玉版十三行”(原石现藏首都博物馆)。此作体势秀逸,笔致洒脱,灵秀流美,与曹植文章之内容极为和谐。从《洛神赋》中可看出,王献之的楷书笔法不再带有隶意,字形也由横势变为纵势,属较为成熟的楷书作品。这件佳作被后人誉为“小楷之极则”。清张廷济《清仪阁题跋》谓此帖“风骨凝厚,精采动人”,又云“风神骀荡,气骨雄骏,
固已无美不臻”。
《周文遂墓志》为唐代砖刻,书刻于大中二年(公元848年)十月,乾隆三十三年戊子(公元1768年)冬出土于浙江海宁宣德门外,清王昶《金石萃编》著录。此志虽不彰显于世,知者寥寥,然锋棱宛在,笔法有迹可寻,与明清时期篆刻边款如出一辙,亦民间书法之不可多得者。

内页插图

前言/序言


《山水清音:宋元文人画的意境与技法探微》 图书简介 引言:时代的笔墨与心灵的栖居 本书旨在深入剖析在中国艺术史上承前启后的宋代与元代时期,文人画这一独特艺术门类的崛起、发展及其所蕴含的深邃文化意涵。我们聚焦于这一时期画家们如何通过笔墨语言,构建起一个超越物象的、充满内在精神力量的“心灵图景”。宋元文人画的兴盛,并非偶然,它是士大夫阶层在特定社会政治环境下的自我精神寄托与文化自觉的集中体现。本书将细致梳理这一脉络,从理论基石到风格演变,力求为读者呈现一幅宏大而精微的宋元文人画全景图。 第一部分:宋代的转型与奠基——“以画为诗”的理论自觉 宋代是中国文化史上一个极为关键的转折点。随着理学思想的兴盛和文人阶层政治地位的变化,艺术审美趣味也随之转向“尚意”与“写胸中之逸气”。 第一章:北宋:院体与文人的分野与交融 北宋初期,官方“翰林图画院”的典雅与规范,与新兴的文人画实践并行发展。我们将探讨李成、范宽等对山水画自然形态的观察与表现,他们奠定了中国山水画宏大叙事的基调。然而,本书的重点在于文人精神的初步觉醒。以郭熙为代表的理论家,提出了“可游、可居、可行、可赏”的审美标准,这标志着绘画开始从纯粹的再现转向审美的体验。苏轼的出现是里程碑式的,他旗帜鲜明地提出“论画以形似,见与 শিল্পী 俗”,将书法笔意引入绘画,确立了“士人笔墨”的理论高度。我们详尽分析米芾父子“米家山水”的墨法革新,特别是其“积墨”与“没骨”技法,如何象征着对自然程式的突破与个人性情的释放。 第二章:南宋:时代的哀音与意境的内化 靖康之变后,南宋的艺术氛围变得更为内敛与感伤。院体画虽然依然存在,但文人画的“写意”精神愈发浓烈。李唐、刘松年等人的“院体文人化”倾向,使得笔墨的干湿浓淡,更直接地承载了个人的忧患意识。本书着重分析了南宋山水画中对“空间”与“氛围”的处理,如何通过空濛的云雾和层叠的意象,来表达国破家亡的时代情绪。重点解读南宋中后期文人如“马-夏”流派的对角式构图和“一角”山水,这种极简的表达方式,实则是对有限生命在广阔宇宙中挣扎的反思。 第二部分:元代的独立与精神的自觉——“写胸中丘壑” 元代是中国历史上的“异族统治”时期,这使得汉族士大夫的政治抱负受挫,艺术便成为他们退守的“精神园地”。文人画在元代彻底脱离院体规范,发展成为一种高度自觉的、以文人修养为核心的独立画科。 第三章:元四家的风格体系与地域精神 “元四家”(黄公望、吴镇、倪瓒、王蒙)构成了元代文人画的学术高峰。本书逐一剖析他们的艺术道路: 黄公望(子久): 强调“平天近远”,注重笔墨的结构与韵味。我们分析其《富春山居图》中“披麻皲”的运用,如何将山体的肌理与内在的气韵融为一体,体现出一种超脱世俗的悠然自得。 吴镇(仲圭): 诗意与禅意的融合。吴镇的笔墨极为雄健,常以枯树、竹石入画,象征着坚韧的士人品格。本书深入探讨其如何将书法中的点画结构,直接转化为山石的构成元素。 倪瓒(元镇): 极简主义的先驱。倪瓒的山水画是“逸笔草草,不求形似”。我们重点研究他标志性的“折带皲”和大量的“空白”处理,这些空白并非虚无,而是画家“旷远”、“孤洁”的精神象征,是自我选择的隔离空间。 王蒙(叔明): 笔墨的集大成者与复杂性。王蒙的画风继承了南宋的繁密,但又融入了强烈的个人情感,其“点苔”与“堆垛”的技法,构建了极其复杂而又井然有序的层次感,反映了士人对生活细节的沉浸式体验。 第四章:墨竹的哲学:精神品格的符号学 竹子在宋元时期,已不再仅仅是自然物象,而是上升为文人道德的象征。本书将专门开辟章节,探讨文同、赵孟頫、王邕等如何通过对竹的“节”、“枝”、“竿”的刻画,来表达气节、气度与正直。我们将对比早期院体画中对竹的写实描绘,与元代文人画中那种强调“风骨”而非“形态”的笔墨语言,阐释竹子如何成为文人精神的载体。 第三部分:笔墨的语言学——技法与心性的关联 宋元文人画的伟大之处,在于其技法的高度自觉和理论的系统性。 第五章:皴法与点苔的意象转换 皴法(如披麻皲、荷叶皴、解索皴)不再是单纯地描摹山石纹理,而是成为画家情感的载体。本书结合历代名迹,系统梳理不同皴法背后的心理学意图:粗犷的皴法常表达豪迈或郁结,细腻的皴法则体现沉静或内省。点苔作为山水画的“句读”,其疏密关系直接影响画面的节奏感和呼吸感。 第六章:书法与绘画的互动:以书入画的深度解析 宋元文人画的审美高峰在于其对书法的借鉴与融合。本书将详尽分析赵孟頫“书画同源”理论的实践意义。我们不仅讨论线条的运用,更探讨书法中的“气韵生动”如何被转化为笔墨运行中的速度、力度与韵律。特别是对元代画家如何运用行书、草书的笔意来处理树干和山石的“骨法用笔”,进行细致的技法剖析。 结语:薪火相传的审美遗产 宋元文人画是中国艺术史上最纯粹的精神探索时期。它确立了中国艺术审美价值的核心——“意”高于“形”。本书通过对理论的梳理、风格的辨析和技法的探究,旨在揭示这种审美体系的内在逻辑,及其对后世明清乃至近现代中国画产生的不可磨灭的影响。它不是对历史的简单回顾,而是对一种高度成熟的文化哲学的当代呼唤。 (本书全面聚焦于宋元时期的山水画、竹石画的理论构建、风格演变及技法创新,不涉及魏晋或唐代的楷书、小楷等书法艺术范畴。)

用户评价

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这本关于宋代山水画的画册,简直是打开了一扇通往古典审美的大门。画册的装帧设计非常考究,厚实的纸张带着微微的肌理感,油墨的印刷色彩沉稳而富有层次,即便是临摹的宋人真迹,也能感受到那种墨分五色的微妙变化。我尤其欣赏它对“气韵生动”这一核心理念的诠释。书中收录的不仅有范宽、郭熙这些大家的作品,还穿插了一些不那么为人所知、但意境深远的佚名画作。对每一幅作品的介绍,都没有过多学院派的术语,而是用一种近乎诗意的语言,引导读者去体会山石的厚重、云水的流动以及画家胸中的丘壑。比如,介绍《溪山行旅图》时,作者细腻地描绘了画面中那棵迎风而立的古松,仿佛能从中读出千年的沧桑。阅读这本书的过程,与其说是看画,不如说是一场漫长的冥想。它让我慢了下来,重新审视我们与自然的关系,以及古人那种“一山一水皆是禅”的哲学境界。对于任何一个热爱中国传统文化,或者仅仅是想在快节奏生活中寻找片刻宁静的人来说,这本书都是一份不可多得的宝藏。我已经反复翻阅了十几次,每次都有新的感悟。

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这是一本探讨魏晋南北朝时期玄学思想对士人生活影响的论文集。我一直觉得那个时代的人有一种独特的“潇洒”劲儿,而这本书帮我找到了这种潇洒背后的逻辑支撑。它没有停留在对王羲之、嵇康等名士的猎奇式描写,而是深入挖掘了“竹林七贤”的行为规范与当时的政治环境之间的张力。书中对“名教与自然”这对矛盾的论述尤其精辟,阐释了士人们如何在维护社会秩序的表象下,通过饮酒、弹琴、清谈来构建自己的精神避难所。我特别喜欢其中一篇关于“服饰与风度”的文章,探讨了宽袍大袖如何成为一种反抗礼教的无声宣言。阅读体验非常独特,仿佛置身于那个充满辩论与不安的时代,感受到思想的激烈碰撞。虽然内容偏向哲学史,但行文非常流畅,多用比喻和典故,使得晦涩的理论变得生动易懂。读完之后,我对“魏晋风度”的理解不再是表面的洒脱,而是有了更深层次的、基于时代困境的同情和理解。

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我最近在研究清代中期的服饰文化,手里刚好收了一本关于景德镇御窑瓷器装饰纹样的专著,虽然题材不同,但从中窥见的那种精益求精的匠人精神,却是相通的。这本书的学术价值极高,它不满足于简单地罗列器物,而是深入到纹饰的源流考证,比如某种祥云纹样是如何从唐代的饱满演变成清代宫廷的规整化。书中对“青花”、“五彩”、“粉彩”等不同釉彩工艺的演变,做了非常清晰的对比分析。尤其是那些关于描金和珐琅彩的细节图,放大后可以看到工匠在毫厘之间的笔触力度和色彩调和的难度,简直令人叹为观止。我最欣赏的是,作者引用了大量当时的宫廷档案和匠人笔记,使得那些冰冷的器物仿佛有了温度和历史的呼吸。它不仅仅是一本工艺图谱,更是一部社会史和艺术史的交织体。唯一需要适应的是,它的专业性非常强,对于完全没有接触过瓷器史的读者来说,开头的部分可能需要多花一些时间去理解那些复杂的术语,但一旦进入状态,那种被知识密度包裹的充实感是无与伦比的。

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我最近淘到了一本关于清代中晚期北京城市商业风貌的口述史汇编,这本书的风格与我之前读过的任何历史书籍都不同,它充满了生活的热气和烟火味。它不是宏大的叙事,而是由一个个小人物——茶楼的说书人、琉璃厂的古董商、前门的脚夫——他们的回忆和亲历事件串联起来的。这种叙事方式极具画面感,我几乎能听见当时街头吆喝的声音,闻到爆肚和炒肝的味道。书中最有趣的是对“行话”和“规矩”的记录,那些专属于特定行业的暗语,展现了当时社会复杂的阶层结构和商业运作的智慧。比如,对于徽商和山西票号之间的竞争与合作,都有非常生动的案例。编辑的功力也很棒,将不同口音和身份的人的叙述巧妙地穿插对比,让历史的侧面更加丰满立体。它成功地把我从书本前拉到了那个喧闹、充满生机的老北京街头。对于想了解近现代中国社会变迁,但又对正统教科书感到乏味的人来说,这本书无疑是一剂良药,它让你在轻松的阅读中,潜移默化地吸收了宝贵的社会史料。

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最近迷上了一套关于明代中后期江南文人园林营造的书籍,这本书正好填补了我知识上的空白。它完全不是那种枯燥的建筑图纸解析,而是从文人精神层面切入,探讨“咫尺之内造乾坤”的哲学思考。作者对叠石、理水、花木配置的描述,细致入微,简直像是在手把手教你如何在方寸之地表达胸襟。我特别喜欢其中对于“借景”手法的深入剖析,书中通过大量的图例和实地考察的照片,清晰地展示了如何将远处的山峦、邻家的竹影引入自家庭院,达到“虽由人作,宛自天开”的境界。这本书的文字功底非常扎实,那种带着书卷气的优雅叙述,读起来非常舒服,完全没有阅读障碍。它让我意识到,园林设计不光是技术活,更是文人修养的外化。看完全书,我仿佛能够闻到苏州园林里清晨的露水味,听到雨打芭蕉的清脆声。如果说有什么不足,或许是插图的彩色印刷可以再增加一些,毕竟园林的色彩变化也是其精髓所在。但瑕不掩瑜,对于想深入了解明清士大夫生活美学的爱好者来说,这绝对是案头必备的指南。

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真心不错,值得收藏!

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书 精神食粮啊书 精神食粮啊书 精神食粮啊书 精神食粮啊书 精神食粮啊书 精神食粮啊

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固已无美不臻”。

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《黄庭经》传为王羲之的小楷作品,内容是魏晋时代道家有关养生修炼的文字,共六十行, 一千二百多字。据说王義之写此作的目的是为了向山阴道士换取自己喜爱的白鹅,故亦称《换鹅帖》。此作真迹早已无存,传世刻本甚夥。它字字笔墨秀润,锋势内蕴而笔力雄健,运笔沉着而自然潇洒。笔画富于变化,结构谨严,字间气脉相连,通篇错落自如。历代书法名家如赵孟頫、祝允明、文徵明、董其昌等皆奸临习之。

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函套破损。又换了一本。

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太贵了 装帧格式很吸引人 印的不是太清楚

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固已无美不臻”。

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